Pela primeira vez, os frascos icônicos de 212 VIP Rosé e 212 VIP Men Black são reinventados em um tom amarelo inspirado nos táxis mais icônicos do mundo. O lançamento é acompanhado por um vídeo estrelado por Bruna Marquezine e Angélica, que conectam diferentes gerações em uma história que parte do banco de trás de um táxi.

No filme, Bruna Marquezine entra em um táxi e deixa o frasco de 212 Cab no banco de trás. A partir desse momento, diferentes personagens entram em contato com a fragrância, culminando em um encontro final com Angélica. A participação de Angélica retoma uma referência emocional já familiar para o público brasileiro. Ao lado de Bruna Marquezine, as duas conectam diferentes gerações e inserem a campanha em um contexto local reconhecível.

Os perfumes – Dentro de cada frasco vive uma celebração olfativa. Essas fragrâncias são duas das mais amadas do universo 212, tão vibrantes, dinâmicas e autênticas quanto a própria noite nova-iorquina, e as edições limitadas do 212 Cab apresentam novos acordes olfativos repletos de frescor e energia.

212 VIP Rosé Cab, criado por Emilie Coppermann, apresenta um impressionante trio de acordes. Nas notas de topo, o abacaxi proporciona uma explosão de frescor tropical, que realça o jasmim romântico nas notas de coração e dá lugar a uma base onde o patchuli pulsa com sua intensidade indomável e transbordante. Sem esquecer, claro, o famoso acorde champagne rosé efervescente e borbulhante, que evoca imagens de coquetéis espumantes compartilhados entre a elite da cidade.

212 VIP Black Cab, criado por Juliette Karagueuzoglou e Carlos Benaim, também apresenta uma abertura de abacaxi eletrificante que apresenta um coração de caramelo e uma base poderosa de patchuli. Há também o absinto, em um acordo enigmático que enriquece as notas de topo.

Mais do que uma edição limitada, 212 Cab é uma ode vibrante ao pulso incansável da cidade onde nasceu o legado 212.

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À medida que o Aviator, a silhueta mais duradoura da Ray-Ban, se aproxima de seu 90º aniversário, Domenico Dolce e Stefano Gabbana revisitam o modelo a partir de seu olhar autoral, propondo novas interpretações para os clássicos Shooter e Outdoorsman II. O resultado é um diálogo entre tradição e contemporaneidade, no qual referências vintage são reinterpretadas por meio de acabamentos sofisticados, detalhes marcantes e uma estética que reforça a autoexpressão.

Inspirado em elementos do acervo da Ray-Ban, o modelo Shooter apresenta um formato marcante: uma barra superior em madrepérola e um suporte integrado em forma de círculo, evocando códigos de design icônicos. As lentes em formato de gota aparecem em uma paleta que inclui laranja, rosa, verde, azul e amarelo, em versões transparentes e espelhadas, todas assinadas pelos logotipos de ambas as marcas. A estrutura metálica fina cria um efeito refinado sem aro, ressaltando a leveza da silhueta.

O Outdoorsman II captura a essência do design atemporal com linhas discretas e um toque contemporâneo. A barra superior marcante confere identidade gráfica à armação, enquanto a construção metálica leve valoriza o uso de espaços negativos.  As lentes, também em formato de gota e assinadas com os logotipos das marcas, aparecem em tons de azul, rosa claro, bege, marrom e verde, reforçando a proposta de sofisticação discreta.

Os modelos acompanham um estojo exclusivo de couro, com uma alça também em couro e um mosquetão de metal em tom dourado. Finalizado com detalhes característicos da Dolce&Gabbana, o estojo foi concebido para ser usado como acessório e pode ser facilmente preso em bolsas ou cintos.

Capturada pelas lentes de Gray Sorrenti, a campanha dá vida à coleção em imagens vibrantes que refletem o espírito ousado e autêntico tanto da Ray-Ban quanto da Dolce&Gabbana.

A coleção está disponível mundialmente a partir de 16 de abril de 2026 nos canais da Ray-Ban e da Dolce&Gabbana, bem como em varejistas selecionados, com preços a partir de R$ 2.970,00.

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Com curadoria e idealização de Antonio Curti, a exposição ocupará todas as salas do segundo andar do CCBB RJ e incluirá um espaço imersivo, que completará a experiência do público por meio da tecnologia. Esta será uma oportunidade para o público ver de perto a obra deste aclamado artista. “Os visitantes poderão conhecer obras nunca exibidas, incluindo grandes peças em alumínio – algo que só pode ser plenamente apreciado ao ver o trabalho original, pessoalmente”, afirma o artista, que está muito animado com a exposição. “Fico verdadeiramente feliz em ver uma nova mostra sendo realizada no Brasil, depois da exposição em São Paulo, em 2024. É uma honra ter essa oportunidade, especialmente com o projeto se expandindo de maneira tão significativa. Estou ansioso por isso”.

Dividida em sete núcleos temáticos – Tatsunoko, Final Fantasy, Candy Girl, Devaloka, Vampire Hunter D, Angel’s Egg e Colaborações – a mostra revela as múltiplas facetas do trabalho de Yoshitaka Amano. 

“Yoshitaka Amano é uma lenda tanto no mundo da arte quanto no universo geek”, afirma o curador Antonio Curti. A exposição irá surpreender tanto quem acompanha o trabalho do artista, quanto quem nunca teve contato com a sua obra. “Para quem já conhece Amano, a mostra aprofunda o entendimento de sua trajetória e revela obras raras, processos e nuances que poucos tiveram a oportunidade de ver de perto. Para quem chega a ele pela primeira vez, é uma porta de entrada para um universo visual absolutamente singular, onde cada linha, cor e movimento carregam uma poética própria. A ideia é que todos, fãs ou iniciantes, encontrem aqui uma experiência que os conecte com a sensibilidade e a imaginação extraordinária desse artista”, afirma Curti.

A trajetória de Yoshitaka Amano começou na Tatsunoko, estúdio responsável por marcos da animação japonesa, mas foi com Final Fantasy que Amano marcou seu lugar na história. Ao criar o design de personagens, a identidade visual e o espírito estético da franquia de games, ele estabeleceu a base que moldou não apenas uma das séries de videogame mais conhecidas do mundo, mas também o imaginário de gerações de jogadores e artistas. 

“Amano é um dos precursores em levar para os games o apuro estético de um verdadeiro artista visual. É um mercado que hoje movimenta um investimento bilionário mundo afora e um campo profissional em contínua ascensão, que atrai milhares de pessoas. Mas para além de proporcionar uma experiência única para uma legião de fãs e conhecedores de jogos, o nosso objetivo com a realização dessa exposição é nos conectar com diversos públicos e ampliar a percepção desse universo como espaço de arte, esporte e cultura”, afirma Sueli Voltarelli, Gerente Geral do Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro.

O trabalho de Amano une o mitológico, o fantástico e o surreal em uma estética que combina tradição japonesa com ecos do art nouveau, surrealismo e pop arte. “Suas criações habitam um espaço onírico onde natureza, tecnologia e fantasia se encontram, refletindo uma visão de mundo que dialoga com o passado e aponta para o futuro”, destaca o curador. 

Entre as atmosferas góticas de Vampire Hunter D, a leveza estilizada de séries como Candy Girl e colaborações com personagens icônicos como Batman, Superman e Sandman, além de projetos para a DC Comics e para a Vogue Itália, sua versatilidade comprova a rara capacidade de transitar entre mundos sem perder identidade.

Para Fabricio Reis, diretor comercial e de produtos da BB Asset, apoiar a exposição é parte do compromisso da gestora para a promoção da arte e da cultura. “Nossa missão vai além da gestão de ativos, que é o nosso core business. Como líderes do setor, entendemos que temos o compromisso de contribuir para uma sociedade mais conectada ao conhecimento, justa e inclusiva. Por isso, apoiamos iniciativas que ampliam o acesso à arte, estimulam reflexões e proporcionam vivências enriquecedoras”.

Serviço: 22 de abril a 22 de junho de 2026  / Classificação indicativa: livre / Ingressos disponíveis na bilheteria física ou pelo site do CCBB – bb.com.br/cultura. / Centro Cultural Banco do Brasil   Rua Primeiro de Março, 66, Centro

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Convidada pela marca a integrar esse percurso, a Dod Alfaiataria foi escolhida por sua capacidade de traduzir rigor técnico em peças que dialogam com o tempo presente. Após o primeiro encontro na passarela paulistana, a colaboração retorna agora com quatro looks inéditos, desenvolvidos a partir de tecidos selecionados pela Dendezeiro, entre eles, bases em super 120, índigo e materiais sintéticos de alta performance, que tensionam tradição e inovação.

A sinergia entre Dod Alfaiataria e Dendezeiro se constrói a partir do encontro entre universos complementares, onde o rigor técnico da alfaiataria se alia à linguagem dinâmica do streetwear para expandir possibilidades estéticas e narrativas. Mais do que uma colaboração pontual, a parceria revela um processo contínuo de troca, em que ambas as marcas potencializam suas identidades ao tensionar tradição e contemporaneidade. Nesse diálogo, a precisão construtiva da Dod encontra a liberdade criativa da Dendezeiro e traduzem uma visão compartilhada de inovação no vestir. O resultado da parceria se materializa em duas silhuetas principais que exploram a desconstrução do clássico sob uma perspectiva contemporânea. Em uma delas, o paletó
tradicional de três botões surge com abotoamento invisível, reforçando uma leitura mais limpa e precisa, combinado à bermuda Rose, peça de estrutura ampliada que evoca a volumetria de uma saia, criando uma presença quase arquitetônica. “Depois do primeiro encontro em São Paulo, voltamos para esse novo capítulo com uma pesquisa mais aprofundada, tanto em matéria quanto em forma”, afirma Jubba Sam, fundador da Dod Alfaiataria.

Na outra proposta, um paletó cropped introduz um gesto mais jovem e atual, contrastando com a calça Alice, de modelagem ampla e caimento fluido. Derivada da linha de calças já desenvolvida pela Dod, a peça amplia proporções e reforça a pesquisa da marca em torno de volume e movimento. Ao tensionar códigos clássicos da alfaiataria com novas proporções e materiais, a colaboração entre Dod Alfaiataria e Dendezeiro propõe um exercício de atualização, onde o rigor construtivo encontra a liberdade formal, resultando em uma estética que equilibra precisão e experimentação.

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Com design marcante, proporções generosas e acabamento refinado, a coleção aposta em uma construção visual imponente, voltada ao público que valoriza identidade e presença. Inspirada em figuras mitológicas associadas a poder, origem e transformação, a linha traduz esse imaginário em uma leitura contemporânea. São seis modelos, e cada um carrega uma narrativa própria, com nomes que reforçam o conceito da coleção: EOS, Kronos, Gaia, Perses, Prometeu e Selene.

“A Titan nasce como uma coleção que traduz força estética e técnica. É sobre criar peças que tenham presença, mas também carregam história e identidade”, afirma Zabotinsky.

Os modelos são produzidos em acetato importado, com estrutura fresada e lentes em CR39, reconhecidas pela qualidade óptica e conforto visual. Além disso, outro destaque da coleção está em sua construção: os óculos trazem duas sobreposições em bases de acetato que se mesclam, criando padrões únicos e reforçando o caráter exclusivo de cada peça. A coleção chega ao mercado no final deste mês, em edição limitada, com distribuição em lojas selecionadas da marca e valores a partir de R$449,90. 

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A coleção é composta pela Palette Runway Magazine, com 35 sombras em diferentes acabamentos: acetinado, matte, superbrilho e cremoso, que permitem criar desde produções clássicas até propostas mais ousadas. O Batom Líquido Fashion Icon, disponível em quatro tonalidades, vermelho, vinho, marrom e nude, traz acabamento cremoso e brilhante, com uma embalagem especial. Já a Caneta Delineadora Iconic Liner, em duas versões, preto e bordô, conta com ponta ultraflexível que garante traços precisos, destacando o olhar como elemento central.
 

Com design inspirado no longa, os produtos evidenciam o caráter colecionável, fashionista e o posicionamento de luxo acessível da marca. O batom líquido se transforma em um charm para usar na bolsa ou onde quiser, enquanto a palette se inspira no visual da revista Runway, elemento central do filme.

A coleção aposta no apelo nostálgico e aspiracional do filme para estimular o desejo das consumidoras, especialmente entre comunidades conectadas à moda e à cultura pop, ao mesmo tempo em que dialoga com um público amplo em busca de alta performance, intensidade de cor e longa duração.

A Eudora desenha uma estratégia de lançamento atrelada à chegada de O Diabo Veste Prada 2 nos cinemas, em 30 de abril. A pré-venda no e-commerce acontece de 30 de abril a 4 de maio. Já o lançamento oficial ocorre em 11 de maio, no site, nas lojas e por meio de revendedores da marca.

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O modelo escolhido foi a Top, clássico de Havaianas lançado em 1994, como resposta a uma tendência criada por surfistas que viravam as solas coloridas dos chinelos tradicionais para cima, buscando um visual monocromático. A marca notou esse “jeitinho brasileiro” de customização e lançou o modelo de uma cor só, que se tornou um ícone.

O desfile apresenta a nova coleção de Airon Martin, designer mato-grossense, diretor criativo e fundador da Misci, batizada de “Escapismo Tropical”. A proposta parte de uma provocação do estilista: “E se a gente continuasse o carnaval em abril?”, indicando uma narrativa que explora o imaginário brasileiro a partir de uma estética que mistura celebração, identidade e escapismo. Como trilha sonora, a marca contou com a bateria da Beija-Flor.

A escolha do local reforça o momento da marca, que vem construindo uma narrativa contínua com o Rio de Janeiro desde o início do ano, com a abertura da primeira loja na cidade e campanhas fotografadas em solo carioca. Ao levar o desfile para a Sapucaí, a MISCI transforma um dos maiores símbolos da cultura brasileira em cenário para discutir o Brasil como território de respiro, onde festa, corpo e movimento não representam fuga, mas formas de reorganizar a vida e seguir em frente.

O desfile nasce da ideia de Escapismo Tropical. Em um mundo atravessado por conflitos, deslocamentos e instabilidades, o Brasil passa a ser imaginado, de fora, como um lugar de respiro, onde a vida parece acontecer em outra frequência, entre o sol, o corpo, a música e a festa. A coleção parte dessa tensão entre percepção e realidade, investigando a leveza tropical não como fuga, mas como construção cultural e forma de continuidade.

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Para criar a narrativa do desfile, o styling e a construção de imagem da passarela foram ancorados em referências urbanas, propondo uma leitura autoral da relação entre esporte e cultura, partindo de códigos visuais que atravessam a estética periférica, o corre diário e a forma como o futebol se manifesta para além do campo. Nesse contexto, o Megaride ocupou o centro da história como símbolo para aqueles que enxergam o tênis não apenas como produto, mas como linguagem de estilo, presença e pertencimento.

Abrindo o evento, as artistas Tasha e Tracie, parceiras de longa data da adidas, fizeram uma apresentação musical na passarela. Além disso, a marca também levou à passarela as camisas da Copa do Mundo FIFA 2026, assinadas por adidas Originals, ampliando a conversa entre moda e futebol e reforçando como peças tradicionalmente ligadas ao universo esportivo.

Os uniformes surgem como parte de uma linguagem estética que conecta arquivo, identidade e cultura contemporânea. Complementando o desfile, a estética e as cores do Brasil marcaram presença a partir da coleção adidas e Time Brasil, fruto da parceria entre a marca das três listras e o Comitê Olímpico do Brasil (COB).

Unindo o styling e a beleza, a apresentação da coleção trouxe um repertório visual profundamente conectado às ruas brasileiras, com elementos que atravessam música, moda, futebol e comportamento. A escolha do Megaride para a passarela reforça a visão da marca de que o esporte continua sendo uma força criativa capaz de moldar a cultura, inspirar novas linguagens e abrir espaço para outras formas de expressão.

“O Megaride é um símbolo de como a inovação esportiva pode atravessar o tempo e ganhar novos significados na cultura. Trazê-lo para a passarela do Rio Fashion Week, a partir do olhar potente da Rafaela Pinah, é uma forma de reconhecer as ruas como espaço de criação e expressão. O momento reforça mais uma vez que o esporte, quando encontra a cultura, tem o poder de transformar histórias e abrir novos caminhos”, afirma Bárbara Ikari, gerente sênior de marketing da adidas Brasil.

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A primeira edição do Festival é uma realização da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Rio de Janeiro (SECEC-RJ), por meio do edital “Fomenta Festivais” da Política Nacional Aldir Blanc (PNAB), com produção da Verama Produções e Escola de Cinema Tendy Koatiara Nhembo’esaba. O festival tem como intuito consolidar um espaço permanente de difusão das produções indígenas no Brasil, promovendo o encontro entre realizadores, público e profissionais do setor audiovisual. Além disso, serão distribuídos maracás ao público participante para que sejam chacoalhados ao final das sessões, substituindo as palmas tradicionais. Os maracás são uma forma de interação e integração à proposta do Festival, e devem ser devolvidos ao final de cada sessão para que possam ser reutilizados pelo público seguinte.

A abertura, na quarta-feira (22), começa às 14h30 com a sessão “Tendy Koatiara Nhembo’saba”. Na sequência, às 16h15, será exibida uma sessão de curtas documentais com títulos como “Memória Puri” e “A cura que corre nas veias dos kurumin”. A cerimônia oficial de abertura ocorre às 18h, seguida da exibição do longa “Naô Xohã”, às 19h.

Na quinta-feira (23), a programação tem início às 14h30 com uma exibição surpresa. Às 16h15, ocorre a sessão indígena com a convidada Graciela Guarani, que apresenta o filme “Meu sangue é vermelho”. Às 18h, serão exibidos “Peteī Tape Nhepyrun – Caminho de Um Recomeço” e “Yve Pyte – Coração da Terra”. O dia se encerra com um debate sobre a produção cinematográfica indígena, mediado por Thaís Guerra, Alberto Alvares e Silvio de Andrade.

Já no terceiro dia de atividades, na sexta-feira (24), acontece às 13h a oficina “A ancestralidade no Cinema Indígena”, ministrada por Ricardo Ajuricaba Tupinambá. Às 15h, uma sessão de curtas reúne títulos como “Nhemongarai” e “Levante pela terra”. Às 17h, o cineasta Takumã Kuikuro apresenta “Febre da mata” e o longa “As hiper mulheres”. O encerramento do dia fica por conta do longa “Cacica Jaqueline Haywã”, às 19h.

No sábado (25), a oficina “Construindo novos imaginários nas narrativas” será conduzida por Thaís Guerra e começa às 13h. Às 15h30, a cineasta Sueli Maxacali apresenta o filme “Yõg ãtak”. A programação segue com uma sessão de curtas às 17h15, incluindo “Ava Kuña” e “Ñaman Meripa: Sabedoria Ancestral”. Às 19h, será exibido o longa indígena “Caipora”.

O último dia de programação do festival acontece no domingo (26), e começa às 15h30 com uma exibição surpresa. Às 17h15, o longa “Abequar” será apresentado ao público. Em seguida, às 19h, ocorre o debate “O cinema indígena”, com mediação de Ricardo Ajuricaba Tupinambá. A cerimônia de encerramento está marcada para às 20h.

Serviço O 1º Festival Tendy Koatiara de Cinema Indígena acontece no Centro Cultural da Justiça Federal (Av. Rio Branco, 241 – Centro), entre 22 e 26 de abril / Entrada Gratuita *programação sujeita à alteração

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A proposta evidencia a conexão da Schutz com moda e tendência ao revisitar produtos já consagrados sob uma nova perspectiva criativa. Entre os destaques, o scarpin Lexi surge em uma cartela de cores exclusiva para o desfile, com acabamento em couro com efeito estonado, trazendo uma nova leitura ao modelo. A sua versão preta, ícone da marca, e de shape já consagrado, também faz parte da apresentação.
 

As open mules seguem a mesma abordagem, com releituras pensadas para a passarela que ampliam o olhar fashion sobre o modelo. Enquanto a versão preta já integra o portfólio da marca, novas interpretações em marrom e amarelo manteiga reforçam o caráter exclusivo da colaboração.
 

A participação no desfile ao lado de Helô Rocha reforça o posicionamento da Schutz em unir design, desejo e versatilidade, destacando a força de seus ícones por meio de novas narrativas e experimentações criativas na passarela.
 

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