Após deixar o asilo psiquiátrico, Vincent se instala na casa do Dr. Gachet (Gérard Séty), onde continua pintando em meio aos tormentos de sua saúde mental fragilizada. Ele inicia um caso com Marguerite (Alexandra London), filha do anfitrião, mas logo ela percebe que o coração do artista bate apenas pela arte.

Com uma abordagem ao mesmo tempo sóbria e delicada, Pialat retrata Van Gogh como um homem comum, longe dos estereótipos do gênio atormentado. O filme se concentra nos eventos cotidianos dos últimos dois meses do pintor, revelando como ele vivia, a natureza de suas relações e a forma como enxergava o mundo e as pessoas ao seu redor.

Selecionado para o Festival de Cannes de 1991 e candidato francês ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro na 64ª cerimônia, o longa rendeu a Jacques Dutronc o César de Melhor Ator em 1992. O cineasta Jean-Luc Godard foi um dos mais entusiastas defensores do filme, escrevendo em carta a Pialat: “Meu caro Maurice, seu filme é surpreendente, totalmente surpreendente; muito além do horizonte cinematográfico coberto até agora pelo nosso olhar miserável.”

O elenco é completado por Bernard Le Coq no papel de Theo, irmão de Van Gogh, ao lado de Gérard Séty, Corinne Bourdon e Elsa Zylberstein.

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Mortal Kombat 2 foi dirigido por Simon McQuoid, e destaca Karl Urban (“The Boys”) como Johnny Cage, e Adeline Rudolph (“O Mundo Sombrio de Sabrina”) como Kitana, a princesa de Edênia. Além disso, personagens do primeiro filme retornam  para aumentar a ação visceral dos kombates, incluindo o Deus do Trovão Lorde Raiden (Tadanobu Asano), Sonya Blade (Jessica McNamee), Jax (Mehcad Brooks), Liu Kang (Ludi Lin), Kung Lao (Max Huang), Scorpion (Hiroyuki Sanada), Sub-Zero (Joe Taslim), Jade (Tati Gabrielle), Shang Tsung (Chin Han) e Cole Young (Lewis Tan). 

Guerreiros, campeões e inimigos de longa data são lançados na batalha mais brutal já travada entre os reinos no filme Mortal Kombat 2. Os kombatentes convocados para o torneio precisarão deixar suas diferenças de lado para lidar com uma ameaça em comum, Shao Khan, interpretado por Martyn Ford, que está cada vez mais próximo de conquistar o Reino da Terra. Mais do que a vitória, o que está em jogo é a sobrevivência de todos os mundos. 

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O longa se junta a um portfólio de produções exclusivas e franquias de sucesso do MGM+, incluindo séries aclamadas como Robin Hood e O Instituto, além de clássicos do estúdio, como O Exterminador do Futuro, Robocob e a coleção James Bond – 007. No Brasil, o MGM+ está disponível como um canal adicional dentro do Prime Video e de outros serviços de streaming por R$ 19,90 mensais.

A dupla de diretores Phil Lord e Christopher Miller parece estar em seu melhor e mais inatacável momento. O quarteto de mãos é responsável direto por sucessos como Tá Chovendo Hambúrguer! e Uma Aventura Lego, e indireto em outras duas obras incríveis, A Família Mitchell e as Revolta das Máquinas e o trio de longas de Homem-Aranha no Aranhaverso, como roteiristas e produtores. Depois de comandar hits também em live-action (Anjos da Lei), esse Devoradores de Estrelas é um passaporte definitivo para o time classe A do campo hollywoodiano, conseguido com o esforço e a recompensa (ao público) com uma obra desconcertante sobre, pasmem!, o afeto nos dias de hoje.

Sinopse – O professor de ciências Ryland Grace (Ryan Gosling) acorda em uma nave espacial a anos-luz de casa, sem nenhuma lembrança de quem é ou de como foi parar ali. Conforme sua memória retorna, ele começa a desvendar sua missão: decifrar o mistério de uma substância misteriosa que está fazendo o Sol se apagar. Ele precisará recorrer ao seu conhecimento científico e a ideias nada ortodoxas para salvar toda a Terra da extinção, mas uma amizade inesperada pode significar que ele não terá que fazer isso sozinho

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O trailer pincela o enredo da história: o assassinato de um feirante, ocorrido logo após ele ganhar uma grande quantia de dinheiro no jogo do bicho. A vítima, conhecida como Bode (Pedro Wagner), retorna como espírito para ajudar a solucionar o crime, mas está com amnésia alcoólica e não se lembra de quem o matou. A investigação fica a cargo de Monarca (Leandro Hassum), seu amigo com dons mediúnicos que atua como segurança da feira e, a contragosto, acaba formando uma dupla com o espírito a fim de descobrir quem o matou.  

Mas , nada é o que parece em O Rei da Feira. E não estou falando exatamente da costura narrativa, ou os eventos que cercam o filme. Essa afirmação tem a ver com o que se imagina da produção, uma comédia estrelada por Leandro Hassum. Com essa informação, é criada uma base de argumento que se imagina contemplar o conceito acima, como um molde perfeito. O que o espectador percebe rapidamente é que não está diante de mais um título de encomenda, um produto de linha de fábrica vazio, ou repetitivo dentro do que fomos condicionados a encontrar. Em seu lugar, uma espécie de dispositivo de suspense que no cenário estadunidense é chamado de ‘whodunit’, e que nada mais é do que uma história de mistério, com um enredo geralmente ligado a uma descoberta, algo como um ‘quem matou?’.  Leia a critica!

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Estrelado por Tom Waits, Adam Driver e Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett e Vicky Krieps, Indya Moore e Luka Sabbat, Pai Mãe Irmã Irmão é uma exploração íntima das complexidades universais da dinâmica familiar, divertida, doce e sagazmente observadora.

Cuidadosamente construído em forma de tríptico, o filme tem três capítulos, cada um ambientado numa cidade diferente: Nordeste dos Estados Unidos (Pai), Dublin, Irlanda (Mãe) e Paris, França (Irmã Irmão). As histórias tratam das relações entre filhos adultos e seus pais um tanto distantes, e entre eles próprios. Ao combinar atuações notáveis e as observações irônicas e características de Jarmusch sobre a vida cotidiana, a obra mais recente deste icônico diretor independente serve como um lembrete oportuno de que podemos escolher nossos amigos e amantes, mas não podemos escolher nossa família.

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A franquia já inspirou atrações em parques temáticos, videogames, exposições em museus e até uma série animada. Nos últimos dias, a NBCUniversal anunciou a produção de uma série de TV baseada na história. 

Em 2026, a coleção celebra 25 anos desde a estreia do seu primeiro longa-metragem, VELOZES E FURIOSOS (2001), dirigido por Rob Cohen e protagonizado pelo querido quarteto formado por Vin Diesel, Michelle Rodriguez, Jordana Brewster e Paul Walker. Falecido em 2013, Walker foi homenageado na saga, que continua a lembrá-lo por meio de seu icônico personagem Brian O’Conner, além da música de VELOZES E FURIOSOS 7, See You Again, de Wiz Khalifa e Charlie Puth. 

Com o passar do tempo, a saga incorporou grandes nomes de Hollywood como Dwayne Johnson, Charlize Theron, Idris Elba, Helen Mirren, Jason Momoa, Jason Statham e Brie Larson, entre outros. “Me sinto orgulhoso de Velozes e Furiosos“, afirmou seu protagonista e produtor, Vin Diesel. “Uma das razões do seu sucesso é que você pode estar em qualquer lugar do mundo, olhar para a tela e sentir que há um lugar para você à mesa da família“, declarou em entrevista ao Den of Geek, referindo-se à diversidade do elenco e à mensagem de família escolhida.

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Sinopse: Na Roma da década de 1970, Clara e Felice acabam de se mudar para um novo apartamento. Eles não se amam mais, mas também não conseguem se separar e a criação dos filhos parece ser a única coisa que os mantêm juntos. Adriana, a filha mais velha, rejeita o seu nome e o seu gênero de nascença, o que torna a relação entre os membros dessa família ainda mais complexa.  

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O lançamento antecede a aguardada estreia de Man I Love, o décimo longa-metragem de Ira Sachs, estrelado por Rami Malek e que será exibido na competição principal do Festival de Cannes 2026 no final deste mês.

O Dia de Peter Hujar estreou no Festival de Sundance de 2025 e teve lançamento internacional no Festival de Berlim de 2025, na seção Panorama. O filme é inspirado em Peter Hujar’s Day, um livro de 36 páginas que apresenta a transcrição recém-descoberta de uma conversa gravada em áudio, em 1974, entre a autora Linda Rosenkrantz e seu amigo íntimo, o fotógrafo Peter Hujar (1934–1987).

Como parte do projeto de Rosenkrantz para documentar um dia na vida de artistas, incluindo amigos como Chuck Close, Hujar visitou o apartamento dela em 19 de dezembro de 1974 e relatou seu dia anterior com detalhes vívidos, do acordar ao dormir. Seu relato mistura observação aguçada, autorreflexão franca e humor, dando vida tanto à energia criativa quanto às realidades precárias da Nova York dos anos 1970, além de apresentar um retrato do próprio Hujar como exigente, sagazmente engraçado e profundamente apaixonado por sua arte.

Ira Sachs abordou o livro de Rosenkrantz com uma admiração de longa data por Peter Hujar, artista queer pioneiro, conhecido por sua fotografia em preto e branco e seu foco em temas profundamente pessoais, incluindo seu círculo de amigos próximos e amantes, bem como paisagens, nus e animais. Figura central na cena de vanguarda do Lower East Side nas décadas de 1970 e 1980, Hujar ficou marcado por seu rigor artístico e independência.

Tendo chegado a Nova York em 1988, Sachs reflete sobre aquela geração como destemida e profundamente comprometida. “Eles estavam criando obras muito honestas e que, em sua honestidade, tornaram-se radicais”, observa. Embora não estivesse inicialmente à procura de um tema para um filme, Sachs o encontrou no livro: “Na última página, eu soube que queria fazer um filme a partir deste material”.

Rodado em filme Kodak 16mm texturizado, O Dia de Peter Hujar foi produzido por Jordan Drake, Jonah Disend e Fred Burle. A representação do centro de Nova York nos anos 1970 foi vividamente realizada pelo designer de produção Stephen Phelps (Anora).

Sinopse – Peter Hujar foi um dos fotógrafos mais vitais e intransigentes de sua geração. Em 1974, ele se reuniu com sua amiga, a escritora Linda Rosenkrantz, e descreveu seu dia para uma série de entrevistas planejadas com artistas. O aclamado cineasta Ira Sachs baseia-se nessa conversa real gravada, transformando uma única tarde em um retrato de um artista, de uma amizade e da cena cultural do centro de Nova York, que moldou a ambos.

Ambientado inteiramente no apartamento de Linda em Manhattan, o filme recria de forma imaginativa essa troca íntima e sinuosa enquanto Hujar relata as 24 horas anteriores com detalhes vívidos — um encontro com Allen Ginsberg, um telefonema de Susan Sontag, as negociações sobre arte, dinheiro e sobrevivência na Nova York dos anos 1970. O que começa como o retrato de um dia transforma-se inesperadamente em uma reflexão ao estilo Bloomsday, tanto sobre a vida de um artista quanto sobre o próprio tempo.

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A Graça é uma ampla exploração sobre amor, dever e liberdade pessoal. Toni Servillo interpreta o fictício presidente em fim de mandato da Itália, Mariano De Santis, enfrentando dilemas morais e pessoais com a ajuda de sua confidente e filha, Dorotea (Anna Ferzetti).

Com a visão poética característica de Sorrentino e uma trilha sonora evocativa, esta obra comovente é uma meditação íntima sobre paternidade, consciência e a questão duradoura: a quem pertencem os nossos dias?

A Graça estreou como filme de abertura do Festival de Cinema de Veneza de 2025. O filme deu a Toni Servillo a Coppa Volpi de Melhor Ator.

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Baseado em uma ideia original de Paulo Gustavo e Marcus Majella, o roteiro de Fil Braz acompanha a trajetória de dois agentes que não têm quase nada em comum: Jeff (Marcus Majella), um policial destemido e confiante, e Johnny (Pedroca Monteiro), um funcionário medroso e atrapalhado, que vive sob os cuidados da mãe. Os dois acabam juntos em um treinamento para entrar no COIP – Centro de Operações de Inteligência da Polícia. Lá, a dupla recebe uma missão inusitada: infiltrar-se em uma penitenciária para desmantelar o temido Bando da Onça, quadrilha chefiada por uma misteriosa criminosa, vivida por Dira Paes. Com uma série de percalços, perigos e aventuras, eles precisam bolar um plano para escapar da prisão, mas também capturar os criminosos e a sua líder.

Essa divertida comédia de ação abre fogo contra os “estereótipos de afetação” flagrados por Moreno ao dissecar a nossa História nas telas ao longo do século XX. A partir de “Augusto Aníbal Quer Casar” (1923), a identidade queer virou um tema. Aliás, alguns trataram dela com preconceito e alguns (sobretudo as chanchadas) se limitaram a padrões que, à luz de uma abordagem sem tato com a inclusão, viraram caricatas. 

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