A exposição tem como principal objetivo avaliar o padrão racial de cada gato, sempre considerando as características genéticas de cada um. “O público-alvo inclui criadores, responsáveis e apaixonados pelo universo felino que desejam conhecer mais sobre criação responsável e melhoramento das raças”, explica Daniella Sother, presidente da Rio Cat Clube, que continua: “Muitos confundem a proposta do evento com um viés estético, mas a proposta é avaliar o quanto cada exemplar se aproxima do padrão oficial da sua raça, sempre considerando saúde, estrutura, temperamento e comportamento. Inclusive, nossa exposição também será aberta para gatos SRDs (Sem Raça Definida), que serão avaliados pelos mesmos juízes da competição e, por critérios como saúde, temperamento, apresentação e condição geral do animal, mesmo que não exista um padrão racial”.

Durante os dois dias de exposição, o público poderá conhecer quase vinte raças diferentes, como Maine Coon, Persa, Bengal e Sphynx, além de raças raras no Brasil, como Russian Blue, Cornish Rex e Don Sphynx. “Entre os destaques estão o Maine Coon, conhecido por ser a maior raça do mundo; o Ragdoll, famoso pelo temperamento extremamente dócil; o Bengal e o Ocicat, com aparência semelhante à de pequenos felinos selvagens; além do Cornish Rex e Devon Rex, com suas pelagens curtas e onduladas. Já entre os viralatinhas, as pessoas vão se encantar com suas misturas, com cores e pelagens diferentes”, comenta Daniella.

Além disso, o evento também pretende ser um ambiente de troca de conhecimento para ajudar a conscientizar o público sobre a importância da guarda responsável, da preservação das raças e dos cuidados adequados e respeito aos animais.”Por isso, somente criadores preocupados com o melhoramento genético e padrão racial participam de exposições, pois requerem muito estudo, dedicação, cuidado e investimento”, esclarece.

Serviço: Dias 20 e 21 de junho, das 10h às 17h / Hebraica Rio, na Rua das Laranjeiras, 346, em Laranjeiras / Entrada gratuita mediante doação de um pacote de leite em pó

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A mostra inaugural, intitulada “Entre”, tem trabalhos de 17 artistas contemporâneos, brasileiros e estrangeiros, e uma seleção de obras de consagrados, que constroem o contexto histórico que sustenta a produção mais recente. Aliás, o título “Entre”, “remete a entrar em nossa casa, entre continentes, entre culturas e entre gerações, entre o moderno e o agora”, define Pedro Nazar.

Nos primeiros ambientes da casa, de 150m2, estão trabalhos de Suzana Queiroga, Marcelo Lamarca, Frida Baranek, Ana Coutinho e Rebeca Sellitti [Brasil], Joana Tubal [Portugal], Seon Ghi Bahk [Coreia do Sul] e Famakan Magassa [Mali], que investigam o corpo, a matéria, a memória e o sagrado, em pintura e escultura com técnicas diversas.

Nos espaços seguintes, obras de Amilcar de Castro e a dobra geométrica como gesto radical, Rubem Valentim e a geometria encantada, Cícero Dias, compadre de Picasso, filho do engenho, pintor de um Brasil que cabia em toda a extensão da imaginação, Abraham Palatnik e a luz como matéria, o movimento como linguagem, Antonio Bandeira e o lirismo informal que transborda fronteiras, Wanda Pimentel e a geometria austera da série “Invólucros” — superfícies precisas que encerram uma tensão silenciosa, Vieira da Silva e o labirinto como forma de pensar o mundo. E mais a figuração de Glauco Rodrigues e seu tropicalismo crítico e irônico e o baiano Genaro de Carvalho, pioneiro de uma brasilidade que se recusa a ser apenas bela.

Serviço: Exposição Entre / 20 junho até 01 setembro 2026 / Local: Rua Alberto Ribeiro 4, Jardim Botânico

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A gastronomia ocupa papel central na experiência do festival. Além de pratos tradicionais, haverá comidas de rua famosas no Japão e ainda pouco encontradas no circuito de restaurantes cariocas. Entre os chefs confirmados está André Kawai, um dos principais nomes da gastronomia japonesa no Brasil, Embaixador da Boa Vontade para a Difusão da Culinária Japonesa pelo Ministério da Agricultura, Silvicultura e Pesca do Japão. O título oficial reconhece profissionais que promovem a cultura alimentar do Japão e seus produtos no exterior.

Detentor de uma estrela Michelin, Kawai é presidente da Nagoya Sushi School — considerada a maior escola especializada em gastronomia japonesa do mundo — e da Associação Geral de Sushi do Brasil. No evento, comandará um restaurante temático com uma experiência premium para o público.

O festival também oferecerá workshops gratuitos de gastronomia com André Kawai, além de outros nomes renomados, como: Alissa Ohara (Embaixadora Honorária de Kyoto/Brasil, Expert em Washoku formada pela Japan Culinary Academy), Eric Ueda (CEO e chef executivo dos restaurantes Casa Ueda e Kakurenbo), Laura Kiyoko (professora de Gastronomia Asiática da Universidade Federal do Rio de Janeiro), Mayumi Muto (chef do Hinata Bufê e presidente do departamento feminino da Associação Nikkei de Niterói), Eduardo Nakahara (CEO do Nakahara Sushi School) e  Nao Hara (Chef Mais – Rooftop Hotel Nacional Rio). Uma das atrações especiais será um workshop de onigiri, bolinho de arroz japonês moldado à mão, conduzido por senhoras japonesas entre 70 e 80 anos.

Inspirado nos festivais populares japoneses que celebram cultura, convivência e comunidade, o Carioca Matsuri 2026 propõe uma experiência que atravessa linguagens e gerações. Ao longo dos três dias, o público poderá acompanhar apresentações de taikô, danças tradicionais, workshops culturais, demonstrações de artes marciais, shows musicais e atrações da cultura pop japonesa, incluindo concurso de cosplay, dubladores, bandas de anime songs e painéis temáticos.

Entre as atrações confirmadas estão a Orquestra Show YuYu20, celebrando os quase 30 anos de Yu Yu Hakusho no Brasil, a participação dos prestigiados dubladores Guilherme Briggs e Wendel Bezerra, os grupos de taikô Wadan Taiko Ensemble e  Ryuka Sousaku Eisa Taiko, e dos grandes nomes da canção japonesa e anime songs Karen Ito, Susana Sano, Serginho Tanigawa, Pamela Yuri, entre outros.

A Sato Company marca presença com exposição de armaduras a partir de trajes icônicos de séries como Kamen Rider Black e  Jaspion. Haverá ainda workshops gratuitos de mangá com o mangaká Fabio Shin, à frente do Japan Sunset – Escola de Mangá, com Miriam Tatsumi, fundadora da Oshibana Art, pioneira na difusão da técnica de oshibana (arte com flores e folhas prensadas) no Brasil; e com Emiko Ide, praticante da escola Sogetsu, referência de Ikebana (arranjos florais).

Há também demonstrações de artes marciais, como Aikido e Kendo, com participação do público, atividades de undokai, gincanas lúdicas para toda a família, concurso de cosplay com a maior premiação do Rio de Janeiro, uma área de games com jogos tradicionais gratuitos e o espaço Kimono Experience, em que os espectadores podem vestir Kimonos e Yukatas originais do Japão. 

O evento conta com Rodrigo Coelho, o “Coelho no Japão”, como Embaixador Otaku do festival. Uma das maiores referências em Nintendo e cultura japonesa no Brasil, Rodrigo construiu uma grande comunidade nas redes sociais compartilhando experiências no Japão, curiosidades culturais e os bastidores do universo gamer. Durante os três dias, ele estará no palco principal comandando conteúdos sobre cultura otaku e games, além de receber criadores de conteúdo, convidados e fãs no Lounge VIP.

Além disso, outro eixo central do Carioca Matsuri 2026 é a construção de uma experiência cenográfica inspirada na dualidade entre tradição e futuro, marca registrada do imaginário japonês. A proposta é reunir, em um mesmo espaço, manifestações culturais históricas ao lado de ativações tecnológicas e elementos da cultura otaku oriental.

A atração internacional Sky Bridge Experience, da Japan Foundation,  conecta o evento a essa experiência tecnológica no Rio de Janeiro. O Sky Bridge, originalmente desenvolvido para os planetários no Japão, foi convertido especialmente para a plataforma VR (realidade virtual), e faz parte de uma série de projetos de arte cênica de cooperação internacional da Fundação Japão. O projeto trata do intercâmbio cultural em sua totalidade, ou seja, artes plásticas, música, poesia e trabalho em conjunto. Neste caso, as relações entre japoneses e brasileiros, juntos, organizando um projeto não só para o Japão e o Brasil, mas para o mundo.

“O Carioca Matsuri nasce da vontade de criar uma experiência cultural ainda mais completa e surpreendente para o público carioca. Existe um desejo muito grande de aproximar as pessoas de aspectos da cultura japonesa que elas normalmente só encontrariam em grandes festivais internacionais ou até mesmo no próprio Japão”, afirma Takao Sato, CEO da Tasa Eventos, realizadora do festival ao lado da Agência Siga.

Antes mesmo do lançamento oficial da programação, o evento já demonstra a força de sua comunidade: cerca de 2 mil ingressos disponibilizados na pré-venda esgotaram em menos de uma semana.

O Carioca Matsuri é idealizado a partir do legado do Rio Matsuri, festival que construiu forte conexão afetiva com o público ao longo dos anos e aconteceu pela última vez em 2020, reunindo historicamente mais de 120 mil pessoas. Em nova fase, com nova identidade e nova gestão, o projeto se consolida como uma das principais celebrações imersivas da cultura japonesa no Estado do Rio de Janeiro.

SERVIÇO
Carioca Matsuri 2026
Data: 31 de outubro, 1 e 2 de novembro de 2026
Horário: 11h às 22h
Local: Riocentro – Rio de Janeiro (RJ) Ingressos: disponíveis pela plataforma Ticketmaster a partir de 5 de junho
Realização: Tasa Eventos e SIGA.AG
Site oficial: https://cariocamatsuri.com.br/
Instagram: https://www.instagram.com/cariocamatsuri/

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A mostra se debruça sobre a vida e a obra do cantor, ressaltando o impacto de seu comportamento libertário e inspirador nas lutas contra a normatividade, o autoritarismo e o desrespeito à natureza. Mais do que revisitar sua contribuição para a história da música brasileira, “Eu Prefiro Ser” busca refletir sobre a sua influência no imaginário cultural do país desde os anos 1970 e evidencia como a trajetória do artista segue inspirando artistas de diferentes gerações e linguagens.

“Ela trata da força inspiradora do trabalho do Ney e do impacto da obra dele na cultura brasileira. Não é uma exposição cronológica ou biográfica, não vamos contar linearmente a história de vida e da carreira do artista. Nos últimos anos, tivemos livros, documentários, filmes, até enredos de escola de samba que já cumpriram essa missão. O que essa mostra faz é propor uma imersão experimental nesses mais de 50 anos de criação, pensando sobretudo no impacto dele na nossa sociedade e na cultura visual brasileira.” explica Bernardo Mosqueira, diretor artístico do Solar e um dos curadores da mostra.

Ao longo de mais de cinco décadas de carreira, Ney construiu uma obra singular, marcada pela recusa às classificações, pela invenção constante de si mesmo e pela defesa radical da liberdade. Ao afirmar o mutante e o inclassificável como forma de existência, tornou-se uma figura fundamental para sucessivas gerações de artistas, expandindo as possibilidades de expressão do corpo, da sexualidade, da arte e da própria experiência humana.

“O Ney sempre inspirou comportamentos não hegemônicos. É uma figura que questionou as normas de gênero, de sexualidade, de comportamento, da própria musica brasileira”, ressalta Mosqueira. “No processo da exposição, foi incrível conversar com os artistas das mais diversas regiões e gerações e descobrir que cada um deles tinha uma memória fundamental e definitiva sobre como foram impactados pela obra do Ney, tendo suas vidas e trabalhos marcados pelo artista.”

“Eu Prefiro Ser” coloca em diálogo obras históricas, acervos públicos e privados e produções contemporâneas de mais de quarenta artistas brasileiros e internacionais. Os trabalhos reunidos na mostra abordam temas que atravessam a trajetória de Ney, como transformação, desejo, natureza, dissidência, coletividade e imaginação.

SERVIÇO: Período: 20 de junho a 17 de outubro de 2026 / Local: Solar – Mercado Central (Rua do Senado, 48 – Centro) / Entrada gratuita

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A exposição parte da ideia de que as imagens e objetos não pertencem apenas ao passado, nem devem ser vistos como documentos arqueológicos ou registros isolados de uma tradição. Eles aparecem como presenças ativas, capazes de construir leituras próprias sobre a história, o território e as relações entre humanos, natureza e espiritualidade. O percurso propõe um olhar para a produção visual latino-americana, a partir do acervo de arte andina da Casa Museu Eva Klabin, como um campo de pensamento, no qual formas, matérias e símbolos seguem disputando sentidos no presente.

Orientada pela noção de temporalidade ch’ixi, formulada pela socióloga boliviana Silvia RiveraCusicanqui, a exposição se estende a campos de coexistência, em que o ancestral e o contemporâneo não se sucedem, mas se mantêm em tensão. Desta forma, cerâmicas, grafismos, pinturas e imagens fotográficas não são evocadas como vestígios de um passado apenas, mas, sobretudo, como presenças que respiram e seguem moldando o agora. “Nossa América”reconhece a coexistência de múltiplas temporalidades e celebra a força própria das narrativas visuais das Américas, que se expressam com total autonomia.

A pluralidade de “Nossa América” ganha forma em obras de artistas e coletivos como Ateliê Arte Mangue Marajó, coletivo de ceramistas da Ilha do Marajó; Billy Hare, fotógrafo peruano; Cisco Merel, artista panamenho que trabalha a abstração a partir da arquitetura e dos contrastes sociais; Emilia Estrada, argentina radicada no Rio; Gabriella Marinho, que desenvolve pesquisa com barro, argila e terra; Jaider Esbell, artista Macuxi; Julia Isidrez, ceramista paraguaia ligada a uma tradição de matriz Guarani; Laíza Ferreira, artista visual e educadora que investiga relações entre corpo, botânica, memória e arquivo; Martín Chambi, referência da fotografia andina; Olinda Silvano, artista Shipibo-Konibo e maestra do kené; Uýra, artista de Santarém radicada em Manaus; Yael Martínez, fotógrafo documental e artista visual mexicano, membro pleno da Magnum Photos, que aborda violência, ausência e memória a partir de intervenções em suas imagens; Yaka Huni Kuin, integrante do MAHKU; entre outros nomes e produções vinculadas a diferentes povos e territórios das Américas.

Ao promover esse encontro, a exposição torna-se também um convite para a expansão dos horizontes de sua própria vitrine, a Casa Museu Eva Klabin, ampliando o vocabulário de suas raízes mais clássicas e afirmando as produções latino-americanas como modos próprios e persistentes de conceber o mundo.

Esta é uma exposição organizada pela Casa Museu Eva Klabin, com o apoio de Everaldo Molduras. A Mostra tem como fornecedores oficiais a ArtQuality e a Peppermint Eventos e conta com a parceria de mídia da Revista Piauí.

SERVIÇO Visitação: 11/06 a 06/09 – Quarta a domingo, das 14h às 18h / Local: Casa Museu Eva Klabin (Av. Epitácio Pessoa, nº 2480 – Lagoa Rodrigo de Freitas) Entrada gratuita

Classificação: Livre

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“A repetição é certamente algo com o qual sentimos proximidade. É um conceito com relação ao cotidiano. Ela permite não somente o desenvolvimento de práticas através da própria repetição, mas também complexifica a ideia de “progresso” enquanto algo linear, já que durante o repetir, o novo emerge enquanto diferença”, afirma Dereck Marouço.

Os trabalhos encontram ressonâncias entre si, e mutuamente se potencializam ao lidarem com ideias onde o próprio conceito da mostra é fecundo: libido, ritmo, e gestos de composição são algumas das categorias que dão estrutura à exposição.

Serviço:
Local: Danielian RJ
Endereço: Rua Major Rubens Vaz, 414 – Gávea
Abertura: 11 de junho das 18h às 21h
Período expositivo: De 11 de junho a 30 de agosto de 2026
Horários: Segunda à sexta das 11h às 19h | Sábado das 11h às 17h
Entrada: Gratuita
Mais informações: https://danielian.com.br/ | Instagram: @danielian_galeria

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Projeto concebido pela Triennale Milano, com curadoria de Damiano Gullì – curador de Arte Contemporânea e Public Program da instituição milanesa –, a mostra é viabilizada pelo estreito trabalho conjunto das instituições que coordenaram sua realização na cidade brasileira.

Terceira etapa da turnê internacional – que teve sua primeira exposição em Buenos Aires e a segunda em Brasília –, a mostra representa um momento-chave de valorização da pintura italiana contemporânea e de diálogo com o público brasileiro, em linha com a missão do Instituto Italiano de Cultura do Rio de Janeiro. A presença da artista ítalo-brasileira Giulia Mangoni, que já realizou obras site-specific também para as etapas de Buenos Aires e Brasília, favorece ainda o intercâmbio direto entre as cenas artísticas e contribui para fortalecer os já excelentes laços culturais entre os dois países.

“’Pintura italiana hoje’ segue seu percurso expositivo na América Latina com esta terceira etapa no Rio de Janeiro, confirmando a cultura como um meio extraordinário de fortalecimento das relações entre a Itália e os demais países do mundo”, comenta Maria Letizia Santangelo, Chefe do Escritório VI da Direção-Geral para o Crescimento e a Promoção das Exportações. “A colaboração com a Triennale Milano permite valorizar no cenário internacional uma seleção de jovens artistas capazes de estimular reflexões sobre os percursos contemporâneos e sobre a capacidade das expressões artísticas de reafirmar os sólidos vínculos históricos e culturais entre a Itália e o Brasil”.

“Estou muito feliz e entusiasmado por poder receber em breve, em nossa Casa d’Italia no Rio de Janeiro, graças ao excelente trabalho realizado pelo nosso Instituto Italiano de Cultura, esta extraordinária exposição de pintura”, declarou o Cônsul-Geral da Itália no Rio de Janeiro, Massimiliano Iacchini. “Junto ao IIC do Rio decidimos promover no Rio o projeto MAECI / Triennale di Milano, pois a arte pictórica representa um valor cultural e de excelência fundamental, capaz de unir os povos, sobretudo quando se envolvem nessas iniciativas novas gerações de artistas italianos, apoiando seus percursos de crescimento e promovendo sua internacionalização. Especialmente no Rio de Janeiro, que conhece e aprecia de maneira particular a arte italiana. A presença da artista ítalo-brasileira Giulia Mangoni aqui no Rio nos permite ainda valorizar ainda mais o especial vínculo cultural e a histórica relação de amizade entre os dois países. A exposição da Triennale será apresentada à imprensa do Rio em uma data simbólica para a Itália, ou seja, o dia da fundação da República, em 2 de junho, e abrirá suas portas ao público no dia 4”. 

Damiano Gullì, curador da mostra, afirma: “Estamos felizes em apresentar no Rio de Janeiro a terceira etapa da itinerância da exposição Pintura italiana hoje: um exemplo extraordinário de diplomacia cultural tornado possível graças ao apoio fundamental do Ministério das Relações Exteriores e da Cooperação Internacional e da rede de Embaixadas, Consulados e Institutos Italianos de Cultura, aos quais somos gratos. A exposição nasce de uma grande mostra sobre o estado da pintura italiana contemporânea apresentada pela primeira vez na Triennale em 2023, inserindo-se em um percurso de promoção da cena artística italiana que a instituição vem desenvolvendo há tempos. É, portanto, uma grande honra para nós podermos agora estar com a mostra no Rio de Janeiro, após as etapas de Buenos Aires e Brasília em 2025, e ter assim mais uma oportunidade de valorizar o trabalho de jovens artistas italianos em contextos internacionais”.

“Pintura italiana hoje. Uma nova cena” desenvolve-se a partir da mostra coletiva homônima apresentada na Triennale Milano em 2023 e propõe um foco na cena emergente italiana de artistas nascidos entre 1990 e os anos 2000 e que se expressam por meio da pintura. O objetivo da mostra é evidenciar, promover e valorizar a riqueza e a complexidade da pintura italiana em todas as suas declinações e facetas. O projeto insere-se no percurso de promoção e valorização da arte contemporânea italiana que a Triennale vem desenvolvendo há anos com exposições individuais e coletivas, eventos e novas aquisições destinadas à coleção da instituição. 

Na mostra, estão expostas obras de 27 artistas: Beatrice Alici, Bea Bonafini, Roberto de Pinto, Alice Faloretti, Alessandro Fogo, Andrea Fontanari, Giorgia Garzilli, Genuardi/Ruta (dupla composta por Antonella Genuardi e Leonardo Ruta), Emilio Gola, Cecilia Granara, Diego Gualandris, Viola Leddi, Giulia Mangoni, Andrea Martinucci, Pietro Moretti, Ismaele Nones, Jem Perucchini, Edoardo Piermattei, Aronne Pleuteri, Giuliana Rosso, Davide Serpetti, Mario Silva, Sofia Silva, Marta Spagnoli, Maddalena Tesser e Eva Chiara Trevisan.

Organizada em cinco seções – Sozinhos / juntos; História, histórias e tradição; Metafísica do cotidiano; In Between; Formas, cores, tempo, matéria – a exposição aborda os temas da representação e da autorrepresentação, da relação com o panorama objetual do cotidiano, das contaminações e deslocamentos disciplinares, da releitura e subversão de técnicas e iconografias da tradição, das trocas fluidas entre abstração e figuração e da nova abstração. O resultado é uma restituição prismática das múltiplas facetas do fazer pictórico hoje na Itália.

Serviço: Visitação: de 4 de junho a 26 de setembro de 2026 Endereço: Av. Pres. Antônio Carlos, 40 (térreo) – Centro / Funcionamento: de segunda a sexta, das 8h às 19h; aos sábados, das 10h às 17h

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O espaço é ocupado com uma grande tapeçaria-mapa construída a partir de objetos naturais e materiais descartados, convidando o público a mergulhar em uma experiência sensorial sobre imaginação, matéria e percepção.

Reconhecida por sua pesquisa que transita entre escultura, instalação e performance, Sandra Lapage desenvolve um trabalho que ressignifica resíduos e elementos encontrados, convertendo-os em narrativas visuais carregadas de simbolismo. Em suas obras, materiais descartados ganham novos significados e passam a integrar composições que evocam tanto vestígios de um futuro possível quanto referências a universos míticos e ancestrais.

Em “O dragão e a lua”, cápsulas de café, elemento marcante da história e da cultura brasileira, dividem espaço com outros materiais orgânicos e sintéticos em uma composição de grande impacto visual. O contraste entre natureza e plástico evidencia questões relacionadas ao consumo e ao descarte, ao mesmo tempo em que seduz pelo brilho, pela textura e pela complexidade formal da obra.

O dragão e a lua, que dão nome ao trabalho, não aparecem de forma literal. As imagens surgem por meio da pareidolia, fenômeno psicológico que leva o observador a reconhecer figuras familiares em formas dispersas. Dessa maneira, a artista propõe uma experiência aberta, em que cada visitante é convidado a completar a obra a partir do próprio olhar. Sua produção investiga justamente as fronteiras entre natureza e cultura, matéria e imaginação, ordem e transformação. Ao reorganizar elementos descartados em novas configurações, Lapage cria espaços de fabulação que sugerem outras formas de relação com os objetos, com o ambiente e com os excessos produzidos pela sociedade contemporânea.

Serviço: Período: 06 de junho a 09 de agosto Local: ArtWall – Shopping Leblon Endereço: Av. Afrânio de Melo Franco, 290 – Leblon

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O projeto é o resultado de uma intensa residência artística de seis meses que reuniu 40 jovens artistas das favelas e periferias do Rio de Janeiro — entre MCs, dançarinos, atores, cantores, artistas visuais, músicos e poetas —, todos bolsistas em um vigoroso laboratório criativo. Esses jovens vêm de diversas regiões da cidade, da Zona Sul à Zona Oeste, incluindo comunidades como Pavão-Pavãozinho, Complexo do Alemão, Cidade de Deus, Praça Seca, Rodo, Cesarão e Madureira, provando a força criativa que pulsa em todos os cantos do Rio.

Batizada carinhosamente de “cinema de ouvir”, a experiência propõe uma escuta individual e reflexiva. Com direção artística e curadoria de Valquiria Oliveira, a metodologia é centrada nas pessoas e traduzida em 10 peças sonoras. Na prática, as obras exploram temas universais e urgentes através da intimidade da voz: assuntos como transformação, gênero, espiritualidade, fantasia, amor, luto, cidade, vida artística e sonhos de consumo, produzidos para serem apreciados individualmente através de fones de ouvido.

Para guiar o espectador nessa jornada sensorial, a expografia aposta em uma cenografia lúdica e interativa. O espaço é dividido em ilhas independentes que remetem ao universo dos sonhos. Nelas, o público se depara com objetos que dialogam diretamente com as peças sonoras e fones de ouvido que caem poeticamente do alto remetendo ao céu, convidando à imersão completa e criando uma conexão sensível e acolhedora com os relatos.

Aliás, a atual temporada reforça a ocupação de espaços culturais públicos e democratiza o acesso à arte feita pela nova geração de criadores da cidade. Além disso, em paralelo à exposição, o projeto desenvolveu a primeira série piloto de podcasts em parceria com a escola de comunicação da UERJ, com três episódios já lançados, e planeja uma segunda série com mais seis episódios, visando ampliar o alcance das vozes desses artistas para um público nacional.

Serviço: Período da temporada: 03 a 28 de junho / Classificação: 12 anos / Dias e Horários de visitação: Terça a Domingo, das 09h às 18h

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Curada por Raquel Barreto, a exposição reúne uma instalação composta por 999 réplicas em gesso da Taça Jules Rimet, dispostas em uma arquibancada, em uma configuração que remete tanto à arena esportiva quanto à formação de uma multidão ritualística. O trabalho parte da trajetória histórica do troféu criado pela Fifa na década de 1930, incorporado ao imaginário brasileiro após a conquista do tricampeonato mundial, em 1970, e roubado da sede da CBF, no Rio de Janeiro, em 1983, sem jamais ter sido recuperado. A abertura da exposição acontece paralelamente à realização da Copa do Mundo.

A partir desse objeto desaparecido, Froiid desenvolve uma reflexão sobre futebol, memória popular, propaganda política e cultura de massa. Instrumentalizada pela ditadura militar como símbolo de unidade nacional e triunfo econômico, a Taça Jules Rimet ultrapassou o campo esportivo e se tornou uma imagem amplamente disseminada na cultura popular brasileira. Mesmo após sua desaparição, continuou sendo reproduzida em chaveiros, canecas, pingentes, estampas e souvenires, convertendo-se em um ícone simultaneamente político, afetivo e popular.

De acordo com Raquel Barreto, “Froiid desloca referências históricas da arte brasileira a partir de experiências profundamente ligadas às culturas urbanas. Sua obra transforma jogo, encontro e improviso em formas de pensamento e invenção coletiva, produzindo uma leitura da cultura brasileira que escapa às hierarquias tradicionais entre erudito e popular”.

“Me interessa entender essa taça como um objeto de culto, algo que permanece dentro do imaginário coletivo mesmo depois do desaparecimento”, afirma o artista. “Trazer isso para o gesso, material associado às imagens religiosas produzidas em série, cria uma relação direta entre memória, repetição e presença.”

Em seus objetos, ações e instalações, o artista elabora relações entre jogo, arte e cultura periférica. Desde 2014, desenvolve uma pesquisa sobre futebol de várzea, sinuca, jogo do bicho, videogame pirata e outras formas populares de sociabilidade, compreendendo o jogo como espaço de invenção, sobrevivência e construção coletiva de subjetividades. Além de investigar o futebol como símbolo nacional, Froiid se interessa pela maneira como o Brasil reinventou o esporte em seus modos de jogar, torcer e produzir imaginário coletivo.

O título da exposição retoma a frase popularizada durante a Copa de 1970, quando a conquista do tricampeonato foi mobilizada pela propaganda oficial do regime militar. Ao reativar essa expressão décadas depois, Froiid evidencia suas ambiguidades: o “caneco” era nosso, mas desapareceu. Entre pertencimento e perda, celebração e violência, a instalação desloca o troféu do campo esportivo para o museu, propondo uma leitura crítica sobre os modos como imagens, objetos e mitologias coletivas continuam operando na cultura brasileira no presente.

SERVIÇO: Abertura: 20 de junho de 2026
Encerramento: 20 de setembro de 2026
Ingressos: https://www.mam.rio/ingressos
Espaço Petrobras / Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro
End: Av. Infante Dom Henrique, 85
Aterro do Flamengo
Rio de Janeiro | RJ

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