No dia 29 de outubro, eles anunciam oficialmente o encontro em um evento para imprensa e convidados, com apresentação dos especialistas no segmento Leandro Brito e Patrícia Liberato, e no dia 30 de outubro, lançam o single “Foguete” em todas as plataformas digitais e Youtube.

A união reflete também a força individual de cada nome. Com 39 anos de carreira, Péricles reúne mais de 1,5 bilhão de visualizações no YouTube, 6,6 milhões de ouvintes mensais no Spotify e mais de 15 milhões de discos vendidos. Foi vocalista do Exaltasamba, venceu o Grammy Latino em 2011 e desde 2012 segue carreira solo, com destaque para projetos como “Pagode do Pericão”, “Céu Lilás” e “Calendário”.

Ferrugem, por sua vez, se consolidou como um dos principais nomes do pagode contemporâneo. O cantor ultrapassa 9,4 bilhões de reproduções nas plataformas digitais e tem quase 10 milhões de ouvintes mensais no Spotify, onde já emplacou sucessos como “É Natural”, “Pirata e Tesouro” e “Apaguei Pra Todos” no TOP 200 da plataforma. Recentemente, lançou o single “Apagar”, que também já consta no ranking das mais ouvidas do país, e prepara seu novo álbum de estúdio.

“A ideia da turnê nasceu da união entre a Faria’s Produções e a Gold Produções, impulsionada também pela amizade de anos que tenho com o Ferrugem — e pela pergunta que não saía da nossa cabeça: por que não unirmos as nossas vozes? Desde o início, tudo tem fluído de forma leve e bonita. É incrível ver as duas equipes trabalhando juntas, se conectando com um único propósito: fazer desse encontro algo emocionante, não só pra nós, mas principalmente pra quem nos acompanha”, afirma Péricles.

Para Ferrugem, a parceria é também uma realização pessoal: “Cresci ouvindo o Péricles, me inspirando nele, aprendendo com cada música, cada interpretação. Estar agora ao lado dele nessa turnê é mais do que um momento da minha carreira — é um sonho realizado. A gente está preparando vários lançamentos juntos e um grande show com verdade, respeito e entrega. Vai ser especial demais”.

O tão aguardado encontro entre Péricles e Ferrugem tem tudo para se tornar um marco na história recente do samba. Os artistas vão dividir o palco em um espetáculo construído a partir de seus sucessos e das canções inéditas que ainda vão lançar juntos. O formato prevê apresentações em diversas cidades do país, com estrutura pensada para grandes públicos, proporcionando uma experiência única que celebra a música, a amizade e a união de gerações.

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Em coletiva de imprensa, ela contou que o Reggae à fez voltar as raizes. “É um estilo musical que convoca a consciência. O Reggae, certamente, faz parte da cultura brasileira. É um gênero que assim como o Samba, tem varias vertentes”.

A mensagem de paz, amor e consciência política continuam presentes nas letras e na sonoridade da cantora. Ela conta, “A critica social e a poesia sempre andaram juntas. O contexto que o nosso país vive faz da nossa musica um instrumento mais consciente possível. Certamente, a maior forma de se fazer uma crítica social é através da arte. O Brasil tem a capacidade de transformar as nossas musicas”.

A incursão em um novo gênero não se trata de um desvio, mas a prova de que sua arte está em constante expansão. A artista, que busca sempre estar muito próxima de seu público a cada passo, carrega consigo a essência de enxergar e absorver o pulso das grandes cidades e levar para sua música. IZA, certamente, se mostra apta a explorar todos os lugares e sonoridades que desejar, porque cada um desses espaços e experiências faz parte de sua identidade e de seu processo criativo.

Com relação aos seus figurinos tanto nos clipes como no dia a dia , ela conta, “Eu busco ser feliz artisticamente, alimenta a minha alma. Eu gosto muito de me expressar através da moda. É um ponto muito importante do meu trabalho”, ela completa, “Talvez no futuro eu tenha uma marca.

Você sempre demonstrou um olhar apurado para a construção da sua estética musical e visual. A paleta visual do projeto foi inspirada nos pigmentos egípcios que simbolizam realeza e espiritualidade. A escolha das cores e texturas levou IZA além das cores conhecidas do Reggae. “Eu queria me reiventar esteticamente também. Pensei nas cores do por do sol, busquei cores na cultura egípcia de alguma forma”.

Além disso, a estética visual é marcada por texturas e um tom mais gráfico e surrealista, dando sentido a símbolos e figuras emblemáticas como as deusas egípcias Bastet (protetora da fertilidade), Nefertiti e Cleópatra, além dos faraós, esfinges e do deserto, que simboliza tanto Kemet quanto os Lençóis Maranhenses. A proposta incorpora ainda a simbologia dos Adinkras, ícones africanos que carregam saberes ancestrais, como o Sankofa.

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Mesmo sem ser muito conhecida da maioria dos presentes, causou euforia na pista, afinal de contas, são 14 anos sem pisar em terras cariocas. Tempo suficiente para o público que compareceu ao show de 2011, sob a mesma lona da Lapa carioca deixar distante a alcunha de “teenage”. O hiato foi compensado com muita simpatia durante todo o show, que não deu espaço para muito papo. Apenas um afável “obrigado” aqui e ali, devidamente anotados em uma colinha posicionada no tablado. Nâo tardou para que se iniciasse o primeiro coro em uníssono da noite, com About You, clássico que abre o excelente Grand Prix, de 1995. Um Circo Voador não totalmente lotado (a parte superior tinha bastante espaço), mas com gente suficiente para fazer tremer a estrutura com cheiro de nova pós-reforma.

Aliás, do Teenage original estão Norman Blake, no vocal e guitarra, eventualmente arrancando solos desconcertantes, Raymond McGinley também na guitarra e no segundo vocal, às vezes assumindo o principal, além de Francis Macdonald (bateria), que esteve na fase inicial, em 1989, mas logo deixou a banda, retornando em 2000. Eles são acompanhados por Dave McGowan (baixo, substituindo Gerard Love desde 2019) e Euros Childs (teclado).

Ao fim de uma música e o início de outra eles se entreolham, Blake arranha a introdução, às vezes precisando retomar o início, em um despojamento típico do indie rock garageiro. A sonoridade do TF pode ser rotulada como redundante para os mais ranzinzas, dado o fato de as músicas obedecerem rigorosamente ao modelo estabelecido há mais de três décadas. A faixa-título do álbum de 2021, “Endless Arcade”, assim como a primeira música do show, poderia estar perdida no meio de Thirteen de 1993, por exemplo. Mas não há como negar que, olhando em retrospecto, na usina sonora um pouco menos distorcida e soturna que a de seus conterrâneos predecessores do Jesus & Mary Chain as evoluções melódicas não negam e atestam que a música envelhece muito bem. E, certamente, podemos dizer que é exatamente sobre isso a atual fase do Teenage Funclub: envelhecer bem, mesmo sem se preocupar com relevância de outrora, quando chegaram a ter seu álbum de estreia, “Bandwagonesque”, de 1991, eleitos pela revista Spin o melhor disco daquele ano, que teve o lançamento do “Nevermind”, do Nirvana. Aliás, o próprio Kurt Cobain classificou os escoceses como a melhor banda do mundo.

Curiosamente, o repertório, de um modo geral bom, não contemplou tantos sucessos como no show de 2011. Na ocasião, Bandwagonesque, que completava 20 anos, e Grand Prix tomavam a maior parte do repertório. Já em 2025, o setlist foi mais distributivo, dando chance à toda a discografia, ainda que faixas fundamentais como “Sparky’s Dream”, “Don’t Look Back” e “Star Sign” tenham sido deixadas de lado, em prol de outras menos conhecidas, frustrando boa parte do público. Mas para o indie de carteirinha carimbada na Matriz (alguns ali até na Bunker) é impossível não se contagiar com o entusiasmo dos tiozões alternativos, Blake se esbaldando em solos, e até trocando a guitarra pelo baixo em 120 mins, e McGinley abusando dos efeitos e eventualmente assumindo os vocais, como em Bad World. “Depois dessa, preciso de uma cerveja”, disse Blake, bem-humorado, tomando um gole de latão após a plena comunhão com a plateia em Neil Jung.

Depois de “The World’ll Be OK”, o vocalista e guitarrista anunciou o fim da apresentação, gerando uma reação imediata da plateia. A clássica “The Concept” fechou, na verdade, o tempo regulamentar. A banda ainda voltaria para o bis. No entanto, a expectativa de um set enfileirando as canções mais pop que faltavam foi quebrada. A abertura com “Mellow Doubt” até alimentou esperanças, mas na sequência vieram “Back In The Day” e “Falling Into The Sun”, dos discos de 2023 e 2021 respectivamente. Por fim, a saideira ficou por conta do primeiro single dos rapazes, “Everything Flows”, de 1990.

Com zero estrelismo, o Teenage Funclub saiu de cena com a mesma simplicidade da entrada, ainda assinando alguns discos de vinil de quem estava no gargarejo. Mesmo não sendo a chuva de hits que muitos esperavam, não deixou de ser a demonstração de grandeza da banda que há 35 anos se tornou presença obrigatória em qualquer rádio e festa college pelo mundo, deixou sua marca, mas segue discreta em sua longevidade. O segredo parece mesmo o gosto pela diversão. Após o show, atenderam fãs, autografando pôsteres, vinis e CDs no cercadinho que separa o backstage, como se estivessem recebendo amigos em uma festa.

 Confira o Setlist:
Tired of Being Alone 
About You 
Endless Arcade 
The Cabbage 
Alcoholiday 
I Don’t Want Control of You 
Everything Is Falling Apart 
120 Mins
It’s All in My Mind 
Metal Baby 
It’s a Bad World 
What You Do to Me 
Come With Me 
Neil Jung 
Middle of My Mind 
I’m in Love 
The World’ll Be OK 
The Concept 
Bis:
Mellow Doubt 
Back in the Day 
Falling into the Sun 
Everything Flows 

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Será uma investida inicial de cinco datas e se o projeto se tornar viável, seguirá viajando. “Ivete Clareou” será ao ar livre. Thiago promete uma experiência diferente. Segundo Ivete, o esquenta vai ser lá e o pós também. “Eu queria ficar lá na entrada recebendo o pessoal, mas eles disseram que não” (risos). O projeto homenageia Nelson do Cavaquinho, Pixinguinha, Cartola, apresentados pelo pai, até Ferrugem.

Na conversa, Thiago Maia contou como o samba entrou em sua vida, “Música era o grande barato. A televisão perdia fácil pra música. Embora a televisão fosse um entretenimento maravilhoso pra gente, mas a música era a nossa prioridade. Então meu pai fazia questão de nos apresentar todos os segmentos da música. Na cabeça dele o gosto dele era por samba, samba-canção, bossa, chorinho. Minha mãe idem. E algumas coisas de serestas. Boleros e serestas. Eu sou a caçula de seis irmãos, e eu sofri uma influência muito grande do samba e de outros segmentos dentro de casa através dos meus irmãos. Então eu vivi aquilo de uma forma muito intensa. 

Além disso, Ivete revela que pretende fazer um registro audiovisual para criar uma relação com o que vai ser mostrado. Ela conta, “Esse projeto de samba audiovisual será gravado em agosto e haverá nomes de pessoas queridas. E a ideia de levar convidados na turnê também é bem-vinda. Sobre ser uma cantora que despontou com o axé enveredar pelo samba.

Ivete completa, “A cantora de axé, que eu sou, que eu tenho maior orgulho disso, ave maria, só Deus sabe a paixão que eu tenho por isso, ela foi construída dentro dessa democracia dentro da minha casa. E a música da Bahia é a música da democracia. Se você for ao Carnaval da Bahia você vai ouvir de tudo um pouco, e essas misturas são muito reveladoras e muito surpreendentes , … desde pequena ouvia muito samba dentro de casa, e eu também peguei uma predileção grande … A minha música me faz sentir tão especial por fazê-la. Não existe uma coisa só, viu gente. Nós não somos uma coisa só, o mundo não tem só uma forma de pensar, uma forma de agir, uma forma de ser. Que seja assim com a música também.”

O pai e a mãe da cantora sempre foram apaixonados por música e a introduziram no universo musical através desse portal. As primeiras referências musicais de Ivete vinham do Samba, do Choro, dos instrumentos de percussão, da bossa e da música nordestina. Toda essa conexão, certamente, foi muito natural para ela. Ainda menina, a primeira música que aprendeu a cantar inteira foi “Conto de Areia”, de Clara Nunes. Com apenas três anos, Ivete trocava algumas palavras da canção, o que lhe rendeu o apelido de “Veveta marexeira”. O ‘Clareou’, que dá nome ao projeto, é em homenagem a Clara Nunes.

Ivete salientou o caráter maternal e agregador do Samba. Mesmo sem ter vivido certas situações, ela conhece histórias reais de outras mulheres. Diz ser “casca grossa” não por ter se tornado assim, mas por já ter chegado ao mundo desse jeito, fruto da criação em um lar com três homens amorosos com as irmãs e filhas.

Aliás, um encontro com Veveta não poderia terminar sem música. Ao fim, ela deu uma pequena mostra do que vem por aí e cantou “Clareou”, “Conto de Areia”, claro, em homenagem ao Bira Presidente, fundador do grupo Fundo de Quintal falecido no último dia 14, cantou “O show tem que continuar”, e encerrou o pocket show improvisado com “Água de chuva no mar”.

“Ivete Clareou” celebra a conexão genuína da artista com o samba, gênero que faz parte de suas raízes musicais. Com estreia marcada para o dia 25 de outubro, em São Paulo, a turnê passará por Belo Horizonte (01/11), Rio de Janeiro (22/11), Salvador (30/11) e Porto Alegre (13/12). Os ingressos começam a ser vendidos no dia 8 de julho, pelo site da Ingresse.

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Logo no início do encontro, foi mostrado um vídeo fazendo uma retrospectiva da carreira e da repercussão da banda, tendo o anúncio do último ritual como narração. A banda conta que tem na cabeça que acabou o processo criativo de Planet Hemp. “Esse Planet Hemp tem uma energia que é só ali. Eu lembro que a gente tava fazendo um show na Fundição Progresso, eu tava chapadaço, dei um pulo e ficou tudo em câmera lenta. E eu comecei a pensar: ‘Eu tô com cinquenta e poucos anos, até quando eu vou conseguir pular assim dentro do Planet Hemp?’. Eu basicamente, para fazer uma metáfora, antes que eu me machuque caindo desse pulo, é melhor parar aqui. A ideia de parar é porque realmente a gente acha que o ciclo se fechou e se vai voltar eu acho muito difícil. A gente é meio cabeça dura em relação a decisões, conta  BNegão.

Perguntado sobre a sensação de chegar a “última ponta”, Marcelo D2 respondeu, Nessa banda nos anos 90 todo mundo sonhou em participar de um movimento que na verdade a gente nem sabia o que era, mas foi atrás e acabou virando O movimento. A gente não só fez parte como fez o movimento acontecer. É um momento de falar: ‘a gente precisa dar uma parada, a gente já fez o que tinha que fazer dentro do Planet Hemp’. Eu e Bernardo falamos: ‘vamos fazer os últimos quatro meses de Planet Hemp!’. Tenho orgulho muito grande e é esse orgulho que leva a terminar a banda. E tudo bem acabar, porque essa honra de ter feito 30 anos de banda e sacudir do jeito que a gente sacudiu a sociedade e o mercado. Todo mundo na banda é uma cabeça muito pensante e isso é motivo de muito orgulho”.

BNegão lembra que a princípio houve um “vai não vai”. “E aí, quando a gente decidiu, acho que tem uma energia clássica, a gente tava falando lá dentro sobre isso, né. Uma energia diferente, que não é aquele final acidental clássico, né”. “Um gurufim”, interveio D2, “Exatamente, um gurufim. Da descendência africana, que a galera comemora, desde a galera que dança pra ir para a guerra, que dança para comemorar a colheita e dança para comemorar o final do ciclo. Isso que tá no gurufim, que tá em New Orleans. Que é o esquema clássico da fita amarela”.

Em tom bem-humorado, D2 comentou que o Planet já está para acabar há 30 anos. BNegão lembra que ninguém achava que iria adiante. Lembraram da morte de Skunk (membro fundador do Planet, morto em 1994, vítima do HIV), e que seguiram com a banda em homenagem a ele. A respeito do que está sendo planejado, D2 declarou: “A gente vai contar a história da banda com esses nossos quatro discos. Tem uma coisa de muitas participações, o Planet sempre teve essa coisa de sempre ter muita gente envolvida. Desde eu e Skunk até Seu Jorge (que tocou percussão e fez com a banda sua primeira turnê internacional), Pitty e tantos amigos”. “Eu entrei na banda dessa forma”, interveio BNegão.

“A gente quer celebrar esses feats famosos e não famosos, que fizeram parte dessa história do Planet. Então acho que esses shows vão ter muitas participações, e é muito legal porque a gente se sente muito honrado, sabe?” continuou D2. “A gente tocou fim de semana passado no João Rock, e o Seu Jorge saiu do palco dele correndo para participar do nosso. O Baiana System tava indo para a Austrália, ficou lá. A gente se sente muito honrado desses amigos fazerem de tudo para participar do show. Tenho certeza de que esses shows vão ter essa energia também. Como é um show de encerramento de ciclo, é meio estranho falar isso, mas a gente vai acabar a banda, e aí a gente quer fazer um show longo, são shows em estádio, tem essa coisa de ser um show maior. O Ganja deu uma ideia de incorporar músicas desses convidados no nosso próprio show. A gente fez isso com a Pitty no último Rock In Rio, a gente tocou música das Mercenárias. Além de esses convidados tocarem com a gente, é lógico que a gente vai passar os hits desses quatro discos, sabe?”, revelou o frontman.

Sobre o legado que fica, D2 diz que o Planet pagou por ser uma banda cheia de ideologia e quer continuar isso, como uma banda que acredita no que faz. “Isso aqui não é uma empresa, é uma banda, uma banda de rock que a gente deu nossa vida por isso. E é legal estar junto aqui e falar vamos terminar esse ciclo, vamosterminar a banda com uma turnê do jeito que a gente nunca fez, com o suporte e com toda essa estrutura que a 30E (produtora de Titãs Encontro e Tempo Rei, de Gilberto Gil) oferece para as turnês e para as bandas”. disse o vocalista.

“A gente erra para c@r@lh0, mas sabemos que nos tornamos artistas íntegros que acreditam muito no que fazem. Ainda corre na veia aquela sensação de que vai mudar o mundo, mesmo que o mundo continue uma merda (risos)”. “Mas demos nossa contribuição também”, comentou BNegão, que lembrou que quis fazer parte da banda.

Além disso, o empresário da banda, Marcos Passarini, que está há apenas três anos, lembrou da necessidade que a banda ter gravado um disco de inéditas depois de 22 anos, “Jardineiros”, que já tinha voltado a fazer shows desde 2012, mas vivendo de greatest hits. 

O grupo ainda falou da importância do Planet Help, para o povo preto. “A gente traz essa coisa, rap, rock. Rock é preto, né? As pessoas se esquecem, mas o rock é preto. O funk. Agente tem uma base nessa musicalidade porque todo mundo aqui cresceu ouvindo música preta, até os brancos da banda (risos). Então eu acho que, dentro do nosso DNA, a música preta foi o que nos trouxe até aqui. Quando eu e o Skunk pensamos em falar de maconha, o primeiro pensamento era sobre isso, a gente queria levar luz àquela comunidade, as favelas do Rio de Janeiro. Você pensam que hoje é violento? Anos 90 era muito violento, com as guerras de facção. E aquilo afetava o nosso povo. e a nossa intenção era essa. Acho que a grande contribuição era essa, jogar luz sobre aquele lugar que ainda é massacrado. A gente viu agora o Santo Amaro. Acho que Planet Hemp tem um legado para o povo preto, essa luz que a gente jogou sobre esse assunto. ò, tem gente morrendo aqui que não tem nada a ver com essa p0rr@. Acho que esse é o legado”. 

Além disso, BNegão considera importante falar de maconha pois está muitas vezes ligada a prisões por mais tempo do que o devido pelo fato de a pessoa estar portando a substância. “Eu já fiz trabalho em presídio de segurançamáxima. E o que eu vi lá de gente que não tinha que estar lá – preta, diz Marcelo – “maioria esmagadora”, replica BNegão. “E sempre a pessoa que estava com um restinho… Meu irmão, tá preso por vinte anos. Então falar de maconha do jeito que a gente fala é falar também sobre essas pessoas”. 

Perguntados sobre o porque de terminar agora, D2 diz que vem de uma linhagem de grandes contestadores, anos 60, guerra dos malês. Até seus vinte anos achava que não era ninguém no mundo e a comunidade hip-hop lhe disse o contrário. “O Planet Hemp é uma banda que gosta da ‘confrontabilidade'”, observa, endossado por BNegão.  

“Eu posso dar milhões de respostas mas a gente tá com o coração sentindo que tá na hora de parar. Acho que a gente fez um belo trabalho, tenho muito orgulho disso, a gente tem milhões de questões, mas a ideia de fechar os ciclo”, concluiu BNegão.

D2 ressalta que os trabalhos em carreira solo seguem em frente e suas vozes continuarão ecoando. Mas essa é a última oportunidade de assisti-los como banda. BNegão ressaltou que eles preferem acabar de forma pontual a ir desvanecendo. Segundo ele, a ideia é ter participações que serão anunciados com anda da carruagem. D2 diz que quer convidar mais influenciados como Major RD e influências como DeFalla e o caso das Mercenárias.

SERVIÇO:
Planet Hemp – A Última Ponta
Realização: 30e 

PORTO ALEGRE
Data: 4 de outubro de 2025 (sábado)
Local: KTO Arena – Av. Severo Dullius, 1995 – Anchieta, Porto Alegre – RS
Vendas online em: eventim.com.br/planethemp

RIO DE JANEIRO
Data: 8 de novembro de 2025 (sábado)
Local: Farmasi Arena – Av. Embaixador Abelardo Bueno, 3401 – Barra da Tijuca, Rio de Janeiro – RJ
Horário de Abertura da casa: 16h
Vendas online em: eventim.com.br/planethemp

SÃO PAULO
Data: 15 de novembro de 2025 (sábado)
Local: Allianz Parque – Av. Francisco Matarazzo, 1705 – Água Branca, São Paulo – SP
Horário de Abertura da casa: 16h
Vendas online em: eventim.com.br/planethemp

SALVADOR
Data: 13 de setembro de 2025 (sábado)
Local: Concha Acústica – Av. Alberto Pinto, 11 – Campo Grande, Salvador – BA
Horário de Abertura da casa: 17h

Venda geral: 18 de junho, 12h (on-line e na bilheteria oficial) 
Vendas online em: www.sympla.com.br

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“Criolo 50” comemora, certamente, a trajetória do artista e marca um novo momento em sua carreira, com novas criações, memórias e colaborações inéditas. “Eu nem estou acreditando que estou chegando nos 50. Estou feliz demais de alcançar esse tempo de vida”, diz Criolo. “Esse projeto não é só sobre mim — é sobre todas as pessoas que me ajudaram a não desistir”, completa.

Entre os conteúdos já confirmados, está um álbum inédito em parceria com Dino D’Santiago e Amaro Freitas — artistas que dividem com Criolo não só uma indicação ao Grammy Latino com a faixa Esperança na categoria Melhor Canção em Língua Portuguesa, mas também o compromisso de construir pontes entre diferentes territórios, sonoridades e experiências. A nova colaboração resgata e amplia a conexão diaspórica, lusófona e artística entre Brasil e Cabo Verde.

Além disso, também está previsto o lançamento de um disco de samba, gênero que sempre esteve presente na trajetória de Criolo e ganha agora protagonismo em meio às comemorações. “O samba me atravessou com tanta admiração que levei quase 18 anos para pensar num disco. Depois, mais 10 para ter coragem de lançar, de tanto respeito que tenho a esse gênero”, conta Criolo.

Outro destaque é o livro inédito em coautoria com Maria Vilani, mãe do artista, escritora, filósofa, poeta e ativista cultural. Cearense radicada no Grajaú, zona sul de São Paulo, ela fundou o Centro de Arte e Promoção Social (CAPSArtes), onde promove encontros literários, oficinas e debates com a comunidade.

“Eu e minha mãe estudamos três anos juntos, na mesma sala. Foi muito importante porque pude enxergar ela para além da personagem mãe”, conta Criolo. A obra conjunta marcará um encontro de trajetórias, linguagens, saberes e gerações de Criolo e Maria Vilani, ampliando o universo poético, político e afetivo presente no cerne da produção do artista.

Por fim, a turnê “Criolo 50” celebra a diversidade musical e a riqueza das influências que moldaram a trajetória de Criolo, com repertório que vai desde Nó Na Orelha até Convoque Seu Buda, além de sambas clássicos como os de Espiral de Ilusões. Com direção musical apurada, estética madura e olhar inovador sobre sua própria obra, o multiartista promete transformar o palco em espaço de celebração, reflexão e potência coletiva, tudo isso enquanto celebra o marco de seus 50 anos de vida. 

Confira agenda completa abaixo: Ingressos: https://linktr.ee/Criolomc

Teresina
20 de julho
Festival Pedro II
Grátis

Recife
01 de agosto
Armazém 14

Fortaleza
02 de agosto
Iguatemi Hall

Brasília
29 de agosto
NA PRAIA Festival

Rio de Janeiro
12 de setembro
Circo Voador

São Paulo
13 de setembro
The Town

Uberlândia
14 de setembro
Em breve

Belo Horizonte
11 de outubro
Em breve

Porto Alegre
17 de outubro
Auditório Araújo Vianna

Florianópolis
18 de outubro
Stage Music Park

Curitiba
19 de outubro
Em breve

Salvador
01 de novembro
Em breve

Petrópolis
02 e 09 de novembro
Rock The Mountain

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Com a praia de Copacabana lotada por fãs de todo o Brasil e de países vizinhos, a noite foi marcada pelo maior da carreira da artista, vencedora de 14 prêmios Grammy. Um ano após Madonna reunir 1.6 milhão de pessoas com a sua “Celebration Tour”, Lady Gaga gerou uma grande expectativa, com a apresentação do álbum “Mayhem”, lançado em março de 2025.  A expectativa era de um público que ultrapasse 1,5 milhão de pessoas, o suficiente para entrar na lista das maiores apresentações já realizadas no país.

Dividida em quatro atos, a noite foi marcada figurinos extravagantes e performances teatrais. O repertório de Mother Monster misturou novos hits como “Abracadabra“, e clássicos como “Judas“, “Alejandro“, “Poker Face“, de seu début “The Fame” (2008).

No palco, vemos o porque de Gaga ser considerada a nova Madonna, sua representatividade é enorme mundialmente, suas músicas falam das nossas dores emocionais, enquanto a perfomance evidencia ainda mais o peso e a força das palavras cantadas. Veja bem, Madonna fez história, abriu muitas portas e possibilidades com suas músicas e, certamente, continua viva na nossa memória, obviamente, porém cabe a Gaga assumir o posto de nova rainha e diva do Pop, agora. A sociedade se abriu a uma nova geração de uma forma absurdamente grande, com novos nomes que nos representam.

Com uma narrativa coesa, a artista costura suas músicas em um espetáculo visual, aumentando o alcance da sua mensagem, numa experiência completamente imersiva. Gaga apresenta um arco narrativo entre luz e sombra, unindo sua estética gótica e industrial com momentos de vulnerabilidade e catarse. Aliás, o repertório de Gaga é cheio de referências, desde Boy George, Freddie Mercury, Elton John, Madonna Michael Jackson, David Bowie, entre muitos outros. É tudo, lindamente, muito bem construído e pensado, com alto impacto visual! 

O show dessa noite foi uma Ópera Rock misturada com os musicais da Broadway, além de muitos solos de guitarra e drums ensurdecedores, capazes de traduzir os barulhos das nossas cabeças, afinal Lady Gaga tem esse poder de traduzir o fato de que só queremos ser aceitos, assim como diz “Was born this Way”, enquanto “bad Romance” mostra o quanto (ainda) somos suscetíveis. 

Com uma cenografia espetacular e um jogos de luzes que se complementam, Lady Gaga domina o palco e o público com suas rimas fortes e coreografia impecável, fazendo os little monsters se deliciarem em uma noite sobre eles! Mother Monster entregou um show emocionante e emotivo. Espetacular desde a sua essência, nos tornamos família de uma grande artista que ainda luta para ser aceita nesse mundo que vivemos ( seja lá quais são os seus motivos). Que mulher incrível e corajosa! Lady Gaga é uma artista completa e brilhante capaz de dar voz a tanta gente, além das nossas metáforas.

Ato I: Of Velvet and Vice

“Bloody Mary”
“Abracadabra”
“Judas”
“Scheiße”
“Garden of Eden”
“Poker Face”

Ato II: And She Fell Into a Gothic Dream

“Perfect Celebrity”
“Disease”
“Paparazzi”
“Alejandro”
“The Beast”

Ato III: The Beautiful Nightmare That Knows Her Name

“Killah”
“Zombieboy”
“Die With a Smile”
“How Bad Do U Want Me”
Ato IV: To Wake Her Is to Lose Her

“Shadow of a Man”
“Born This Way”
“Shallow”
“Vanish Into You”
Bis: Eternal Aria of the Monster Heart

O post Mother Monster está de volta aos palcos em noite marcada por nossas vozes interiores apareceu primeiro em Rota Cult.

Lady Gaga se apresenta em um megashow, exatamente um ano após Madonna reunir 1.6 milhão de pessoas para a última apresentação de sua “Celebration Tour”. A vinda de Gaga gera uma grande expectativa além de todos os números superlativos que envolvem o evento, pois será a  primeira desde o cancelamento de seu show no Rock In Rio 2017. A cantora já havia se apresentado aqui em 2012. 

Como será o show? O que será visto no Rio deve seguir o que foi apresentado no festival Coachella, na Califórnia, no último final de semana e se repetirá neste. Trata-se da turnê de divulgação do álbum “Mayhem”, lançado em março de 2025. Dividida em quatro atos, com duas horas no total, a apresentação traz tudo o que se espera da popstar: figurinos extravagantes, performances teatrais (de dança com esqueletos a luta contra um dançarino vestido de monstro) e muita coreografia e cenografia. O repertório mistura novos hits do trabalho mais recente, como Abracadabra, e clássicos, entre eles Judas, do “Born This Way” (2011), Alejandro eBad Romance, do “The Fame Monster” (2009), e Poker Face, de seu début “The Fame” (2008). Confira abaixo o setlist:

Ato I: Of Velvet and Vice

“Bloody Mary”
“Abracadabra”
“Judas”
“Scheiße”
“Garden of Eden”
“Poker Face”

Ato II: And She Fell Into a Gothic Dream

“Perfect Celebrity”
“Disease”
“Paparazzi”
“Alejandro”
“The Beast”

Ato III: The Beautiful Nightmare That Knows Her Name

“Killah”
“Zombieboy”
“Die With a Smile”
“How Bad Do U Want Me”
Ato IV: To Wake Her Is to Lose Her

“Shadow of a Man”
“Born This Way”
“Shallow”
“Vanish Into You”
Bis: Eternal Aria of the Monster Heart

A estrutura deverá ser maior que a utilizada por Madonna, com um total de 1.260 metros quadrados. Ele estará a 2,20 metros de altura da base na areia para facilitar a visibilidade. Ao fundo, como parte do show, um mega painel de LED de última geração será montado, criando uma experiência visual imersiva. O palco tem 1.260 m² e paineis de LED unidos, formado uma peça única com 60 metros de largura e área total de 806,25 m². O palco está a 2,20 m de altura da areia, para facilitar a visão do público. Já na área ao longo em frente ao palco, serão 16 torres de delay, todas com painéis de LED de 9 metros de altura cada, reproduzindo as imagens do show

Além disso, ao longo da praia, serão instalados dez painéis de LED reproduzindo as imagens da apresentação, para que todos possam ver cada detalhe. Assim como no show de Madonna, a estrutura será erguida na altura Copacabana Palace, que muito provavelmente será utilizado pela cantora e sua equipe como base. Aliás calcula-se algo entre 1 milhão e 1.5 milhão de pessoas.

O planejamento de uma operação especial está sendo definido pelos órgãos públicos. A previsão é de que haverá bloqueios no trânsito e reforço no patrulhamento, além de postos médicos e ampliação das linhas de metrô e ônibus. mais informações ainda serão divulgadas, todavia é esperado que a administração municipal atue em parceria com a Polícia Militar, a Guarda Municipal e o Corpo de Bombeiros para montar uma operação especial para o dia do show.Onde assistir pela TV ou internet?

E para quem não puder estar em Copacabana, ou simplesmente faz parte do grupo que prefere o conforto do sofá, a TV Globo, o Multishow e o streaming Globoplay farão uma transmissão especial do evento. 

Artistas convidados e abertura – O show de Madonna contou com a participação de Anitta e Pabllo Vittar. Ainda não há informações confirmadas sobre possíveis participações especiais no show de Lady Gaga, que, assim como aconteceu na apresentação da Material Girl, deve ficar mesmo como surpresa. Já o show de abertura deverá ser divulgado nos próximos dias.

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Nesse encerramento da turnê brasileira de 2025 (que se iniciou em Brasília no Estádio mané Garrincha, seguindo para o festival Monsters of Rock no Allianz Parque em São Paulo), o vocalista Klaus Meine chamou a Cidade Maravilhosa de “casa” e sempre puxava lembranças do primeiro Rock In Rio, ocorrido há 40 anos. Aquela apresentação marcou os músicos, que ainda voltariam ao festival na edição de 2019, e consolidou a banda alemã entre as mais populares no Brasil, que já tinha alta rotação nas rádios com “Still Loving You”, que integrava a trilha internacional da novela das 20h, “Corpo a Corpo.

Todavia, nesse show que faz parte da turnê comemorativa de 60 anos da banda, as baladas não foram o foco. Foi um show de classic Rock eletrificado, com solos de guitarra, de bateria, riffarama e uma certa virtuose. Quem foi à casa de shows na Barra da Tijuca na noite fria de segunda-feira para ouvir música lenta e radiofônica teve que esperar. Já os fãs de primeira hora se esbaldaram do início ao fim. 

Quando as luzes do Qualistage se apagaram às 22h07, um vídeo de retrospectiva das seis décadas de Scorpions era exibido no telão, incluindo o Rio entre os diversos lugares por onde a banda passou. No final, a frase “E agora está voltando para casa” deixou a plateia em polvorosa antes da entrada dos integrantes iniciando os trabalhos com a sugestiva “Coming Home”. Como se trata de uma turnê comemorativa, o repertório se concentrou entre 1974 e 1990, a fase áurea do conjunto de Hanôver.  Daí, apenas uma música do mais recente trabalho, “Rock Believer”, de 2022, apareceu no setlist. “Gas In The Tank”, que abre o álbum, foi a segunda da noite, seguida de “Make it Rea”l, de 1980, retomando a viagem no tempo.

Mas se engana quem pensa que o quinteto jogou no seguro durante todos os 102 minutos. Com todo um catálogo à disposição, trouxeram de volta “Loving You Sunday Morning”, do álbum “Lovedrive” (1979), que marcou a entrada de Matthias Jabs na banda. A faixa foi retomada nesta tour brasileira após 10 anos de ausência ao vivo. E também não poderia faltar aquele medley setentista remontando à fase com “Uli Jon Roth” (1973-1978), que inclui “Top of the Bill” e “Steamrock Fever. 

As baladas começaram a aparecer ali pelo meio do show (e não foram muitas). A primeira foi “Send Me An Angel”, do álbum “Crazy World”, de 1990, que Meine dedicou a Freddie Mercury, depois de lembrar da honra que foi fazer parte do mesmo line-up que o Queen no RIR 85. Na sequência, a segunda, do mesmo disco, e também o maior hit daquele lançamento, “Wind of Change”, acompanhada em uníssono pelo público. Já a que todo mundo queria ouvir ficou para o bis. “Still Loving You” ficou de fora da apresentação de Brasília, mas retornou no Monsters of Rock e entrou no bis do show no Rio, entre “Blackout” e o hino “Rock You Like” a “Hurricane”, que fechou a noite. Porém, outras músicas lentas como “Holiday” e “Always Somewhere, por exemplo, não tiveram vez.

O Scorpions segue em boa forma. Rudolf Schenker, guitarrista fundador da banda, único remanescente da primeira formação de 1965, parece um garoto, do alto de seus 76 anos. Matthias Jabs, que chegou 13 anos depois, e já estava presente no Rock In Rio 1, também parece ter passado incólume pela ação do tempo, o que, infelizmente, não aconteceu justamente com o vocalista. Klaus Meine, também com 76, assim como Schenker, sofre com uma certa limitação de mobilidade e a voz não é mais a mesma, embora não chegue a comprometer. O treino vocal intenso com um especialista em Viena após perder a voz em 1981 foi tão eficaz que lhe deu uma amplitude vocal maior do que a que tinha anteriormente, e isso sem dúvida o favorece até hoje. O baixista polonês Paweł Mąciwoda, na banda desde 2004, é o mais jovem, tem 58 anos, e segue bastante entrosado, assim como o baterista Mikkey Dee, que, apesar de ter sido o último a ingressar (em 2016), tem um currículo que inclui lendas como o Motörhead e King Diamond. Ele aparenta já estar totalmente recuperado da infecção sanguínea que fez a banda cancelar shows no início do ano, devido à internação hospitalar de três semanas a que o músico precisou se submeter. No entanto, após um intenso solo de bateria, ele precisou se poupar, e seu filho Marcus assumiu as baquetas nas faixas “Tease Me Please Me” e no sucesso “Big City Nights.

No Rio, o Scorpions tinha a plateia nas mãos. O Qualistage estava ávido para embalar nas guitarras vigorosas e soltar a voz nesse show que foi somente para eles (no Rock In Rio 2019 se apresentaram após o Iron Maiden que seria a última atração mas pediu para mudar a ordem), o que faz a diferença. Quem foi em uma das outras datas dessa passagem pelo Brasil sentiu falta do enorme escorpião inflável no meio do palco. Provavelmente pelas dimensões do local, diferentemente de São Paulo e Brasília, que tiveram o show em estádios. Mas foi apenas um detalhe. Esse novo capítulo da história de amor entre o Rio e o Scorpions teve a beleza e a emoção determinada no script. 

Confira o setlist da noite:
Coming Home
Gas in the Tank
Make It Real
The Zoo
Coast to Coast
Medley 70’s
Bad Boys Running Wild
Send Me an Angel
Wind of Change
Loving You Sunday Morning
I’m Leaving You
Jam de baixo e bateria e solo de bateria
Tease Me Please Me
Big City Nights
Bis:
Blackout
Still Loving You
Rock You Like a Hurricane

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Em um Vivo Rio transpirando noventismo, o início se deu pontualmente às 21h, abrindo, com “Everything Zen“, que também abre o debut do Bush, lançado em 1994. Ok, essa é mais conhecida pelos fãs mais dedicados. Mas não demora nada para o bicho começar a pegar de verdade em “Machine Head“, deixando a plateia explodir o gogó. Logo após um salto para os tempos modernos com “Blood River” (do álbum “The Kingdom”, de 2020), a máquina do tempo aciona os controles para 1999 com “The Chemical Between Us“, hit da fase em que o grupo parecia querer se desgarrar um pouco do espectro de Seattle.

O show, embora essencialmente clássico, é relativamente generoso com o repertório saído de trabalhos mais recentes que muita gente não ouviu, como o mais recente “Art of Survival”. Dele saíram três faixas: “Identity“, “Heavy Is The Ocean” e “More Than Machines” com boa recepção do público mais fiel. Do álbum de 2020 entraram ainda “Flowers on a Grave e Quicksand”, todas com a levada perfeitamente identificável do conjunto, mostrando que nos últimos tempos evitaram se arriscar. Aliás, a turnê do Bush leva o nome de “Loaded”, como a coletânea que compreende toda a carreira.

Se o intuito é passar a limpo a carreira da banda, “Sixteen Stone” obviamente merece destaque, com cinco músicas no total. O seguinte, “Razorblade Suitcase” aparece com apenas duas, Greedy Fly e Swallowed. Essa última Gavin canta acapella. O vocalista também tem momento solo, com vocal e guitarra, em Glycerine. Único membro da formação original, ele domina a cena, mas deixa bastante espaço para os companheiros brilharem. Vale notar que ele é o único britânico remanescente do grupo, que muita gente até se esquece da origem, já que, em plena era do estouro do Britpop, que tinha bandas como Oasis e Blur à frente, o quarteto inglês se voltava para um estilo totalmente sintonizado com o que rolava do lado de cá do Atlântico.

Visivelmente mais disposto do que no show do Lollapalooza Brasil 2025, Gavin não economizou na entrega, afinal não se trata de uma apresentação em um palco secundário onde nem era a atração principal, como no evento em São Paulo do último domingo e sim um show exclusivo para os fãs da banda. Dirigindo pouco ao público, quando o fazia era sempre para agradecer o acolhimento, esbanjando simpatia. A voz e o fôlego também apresentaram uma certa melhora ao que fora visto no Lolla, embora o desgaste ainda seja perceptível (mas o baixista Corey Britz  está ali também para dar um reforço nos backings). Nesse ponto, aquele que serviu de inspiração, o vocalista do Pearl Jam Eddie Vedder, segue em vantagem, apesar de ter a mesma idade – na verdade, um ano mais velho. Ainda assim, junto com Britz, Chris Traynor (guitarra) e Nik Hughes (bateria), continua pregando a importância do rock ruidoso e garageiro dos anos 90 (ainda que em uma vertente um mais domesticada) com o apoio dos fiéis.

Confira o setlist:
Everything Zen
Machinehead
Blood River
The Chemicals Between Us
Quicksand
Greedy Fly
Identity
Swallowed
Heavy Is the Ocean
Flowers on a Grave
Little Things
Bis:
More Than Machines
Glycerine
Comedown

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