A turnê que chega ao Brasil leva o nome do 13º álbum de estúdio de Robbie Williams, lançado em 16 de janeiro deste ano e definido por ele como “o álbum que gostaria de ter escrito e lançado após a saída do Take That, em 1995”. Cru, mais carregado de guitarras e com a energia do britpop que marcou aquela década, o trabalho tornou-se o 16º álbum de Robbie a alcançar o primeiro lugar das paradas britânicas, levando o artista a superar um recorde estabelecido pelos Beatles em 2000. Primeira turnê de estádios do entertainer em sete anos, a BRITPOP 2026 Tour acompanha essa dimensão: são 39 apresentações em 23 países e mais de 1,3 milhão de ingressos vendidos.

A relação de Robbie com seus fãs sempre foi uma parte importante de seus shows, mas o reencontro com o público brasileiro carrega uma memória particular. “Let Me Entertain You”, “Rock DJ”, “Supreme”, “Millennium”, “She’s the One”, “Feel” e “Angels” atravessaram rádios, televisão e trilhas de novelas no país, fazendo com que seu repertório permanecesse familiar mesmo durante as duas décadas em que o artista esteve longe dos palcos brasileiros.

Mas conhecer as músicas é apenas parte da experiência de assistir a Robbie Williams ao vivo. Em cena, ele conversa, provoca, improvisa e brinca até com a própria performance. E, embora a BRITPOP 2026 Tour tenha sido concebida para grandes estádios, com telões, passarelas, efeitos visuais e diferentes configurações de palco, toda essa estrutura gira em torno de um elemento difícil de reproduzir: o próprio Robbie. 

O show está marcado para o dia 13 de outubro, no Nubank Parque, em São Paulo. Ainda restam poucas entradas no site da Eventim (acesse aqui)

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No próximo mês, o grupo dá início à “NEVER ENOUGH TOUR PT. 2”. Com 16 datas, a turnê terá uma programação especialmente selecionada para cada cidade, com nomes como Clipse, Ceremony, Thundercat, Slayyyter, Hatebreed, Vince Staples, Die Spitz, Pennywise, Cold World e Texas Is The Reason, entre muitos outros. A série de shows também contará com parcerias com organizações locais sem fins lucrativos, que estarão presentes nas respectivas apresentações. Ingressos e mais informações sobre as próximas datas estão disponíveis no site oficial da banda.

Lançado no ano passado, “NEVER ENOUGH” marcou uma evolução inquieta e eletrizante da sonoridade do TURNSTILE, ampliando ainda mais a mistura de gêneros que caracteriza sua música. O trabalho também rendeu ao quarteto seus dois primeiros Grammys, nas categorias Melhor Álbum de Rock e Melhor Performance de Metal, esta última pela faixa “BIRDS”.

O projeto ganhou ainda o filme “TURNSTILE: NEVER ENOUGH”, dirigido pelos integrantes Brendan Yates e Pat McCrory, que teve exibições nos cinemas ao redor do mundo.

Desde então, o grupo vem levando esse repertório aos palcos de diferentes países, com apresentações para grandes públicos em festivais como Coachella, Primavera Sound, Bonnaroo, Lollapalooza e Outside Lands. A agenda ainda prevê passagens pelo All Points East, Austin City Limits e Camp Flog Gnaw Carnival, entre outros eventos.

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Gravado em São Paulo, com o pôr do sol de fundo, no início de maio deste ano, o “Sertanejinho do Teló 2” reúne músicas que fazem parte da memória afetiva do público, reinterpretadas com novas combinações de arranjos e com a energia, a musicalidade e a identidade de Teló. “O dia da gravação foi muito especial, com uma energia muito bonita”, lembra.

O cantor propõe não apenas uma volta ao passado, mas um reencontro entre gerações. O álbum traz alguns medleys emocionais e outros mais festivos e, segundo ele, lançar um projeto novo é sempre muito especial. “A gente passa um período grande idealizando, trabalhando em cima do repertório, dos arranjos, e no Sertanejinho, em especial, foi muito divertido porque eu me reuni com a minha banda e com o Newtinho que me ajudou a produzir esse projeto, e a gente saiu tocando todos os estilos de música que vieram na nossa cabeça”, conta Michel. “Peguei a sanfona e fui transformando tudo isso nesse batidão sertanejo dançante. Não vejo a hora das pessoas ouvirem e de poder levar esse repertório para a estrada”, completa.

O lançamento oficial do álbum “Sertanejinho do Teló 2” será no mesmo lugar e na mesma data onde há 17 anos Michel Teló lançou sua carreira solo: dia 29 de agosto, no palco da Festa do Peão de Boiadeiro de Barretos.

“Voltar para Barretos e cantar exatamente no mesmo dia do primeiro show da carreira solo é realmente muito especial, passa muita coisa pela cabeça. Eu lembro da emoção daquele dia, mesmo com tanto tempo de estrada em grupo. Encarar o público sozinho foi desafiador, mas tinha muita vontade, muito querer e muitos sonhos”, lembra Michel. “Estou feliz em voltar, 17 anos depois, e ver quanta coisa eu conquistei, o quão abençoado eu sou. O frio na barriga ainda existe, a alegria de subir no palco também. Sem dúvida é um momento muito importante da minha história, um dia para celebrar todo esse tempo de carreira e, ao mesmo tempo, começar esse novo capítulo”, finaliza.

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As sessões acontecerão simultaneamente no Shopping Jardim Sul, em São Paulo, e no UCI New York City Center, na Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro.

Gravado em 25 de novembro de 1995, durante a Made in England Tour, o show reuniu aproximadamente 40 mil fãs no Estádio do Flamengo, no Rio de Janeiro, marcando uma das primeiras grandes apresentações de Elton no Brasil.

O repertório percorre alguns dos momentos mais celebrados de sua carreira, com clássicos como “I’m Still Standing”, “Sacrifice”, “Daniel”, “Don’t Let the Sun Go Down on Me”, “Bennie and the Jets”, “Rocket Man”, “Can You Feel the Love Tonight” e “Your Song”, além de músicas do então recém-lançado álbum Made in England.

Mais de três décadas depois, o show retorna às telonas em um momento especialmente significativo. Aliás, apenas uma semana após as sessões, em 7 de setembro, Elton John fará seu aguardado retorno aos palcos brasileiros como headliner do Palco Mundo do Rock in Rio. Será sua única apresentação no Brasil e seu primeiro show no país desde 2017, marcando seu retorno após quase uma década.

As sessões especiais criam, assim, uma ponte entre passado e presente: uma oportunidade para os fãs revisitarem um capítulo histórico da relação de Elton John com o Brasil poucos dias antes de um novo momento dessa história ser escrito no Rock in Rio.

SERVIÇO Data: Segunda-feira, 31 de agosto de 2026
Horário: 20h

RIO DE JANEIRO
UCI New York City Center
Barra da Tijuca

SÃO PAULO
Shopping Jardim Sul

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Intitulada “Bloody Paradise (English Ver.) Feat. Luísa Sonza”, a nova versão apresenta os vocais marcantes, profundos e envolventes de Luísa, adicionando uma dimensão inédita ao som potente da faixa e oferecendo uma nova perspectiva sobre a versão original.

Originalmente lançada como single principal do 8º mini álbum do “ENHYPEN, THE SIN : BLISS“, “Bloody Paradise” explora o paradoxo da liberdade que dois amantes encontram em seu momento mais sombrio. Produzida por JULiA LEWiS, a música avança por novos territórios sonoros ao incorporar a energia ousada e imprevisível do Funk brasileiro, combinando texturas de bateria e um refrão com a narrativa cinematográfica característica do grupo.

A colaboração acontece enquanto o ENHYPEN amplia sua conexão com o público brasileiro. Em julho, o grupo deu início à sua primeira turnê pela América Latina com um show esgotado no Nubank Parque, em São Paulo, que reuniu aproximadamente 43 mil fãs. A nova versão aproxima ainda mais o trabalho recente do ENHYPEN da vibrante cena pop brasileira, unindo a sonoridade potente do grupo à identidade artística singular de Sonza.

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Antecipando o lançamento, a segunda faixa extraída de Queen Budapest é “Who Wants To Live Forever”, que já pode ser assistida e ouvida aqui. A canção foi composta por Brian May para a trilha sonora do filme Highlander e faz parte do álbum A Kind Of Magic. Lançada como o último single do álbum em setembro de 1986, a música alcançou o Top 10 em diversos países da Europa. A poderosa balada embala uma das cenas mais marcantes do filme, em que o imortal Highlander vê sua amada envelhecer e morrer enquanto ele permanece jovem para sempre. Desde então, a música ganhou novas interpretações de artistas como Sarah Brightman, Katherine Jenkins e Giorgia Fumanti, além de aparecer na aclamada série britânica “It’s A Sin” e no trailer da temporada final de “Stranger Things”, da Netflix.

Filmado em 27 de julho de 1986, no estádio Népstadion, em Budapeste, durante a turnê The Magic Tour, Queen Budapest registra a última apresentação do Queen filmada com Freddie Mercury, capturando a banda em seu auge nos palcos, apenas cinco shows antes da última apresentação da turnê. O filme inclui clássicos como “We Will Rock You”, “We Are The Champions”, “Under Pressure” e “Bohemian Rhapsody”, além de uma versão acústica da tradicional canção folclórica húngara “Tavaszi Szél Vizet Áraszt”. O concerto representou um marco histórico, já que o Queen se tornou a primeira banda de rock ocidental a realizar um show em estádio atrás da Cortina de Ferro, em um período de profundas transformações culturais e políticas. Além dos 80 mil ingressos esgotados, estima-se que outras 45 mil pessoas acompanharam a apresentação do lado de fora do estádio, incluindo fãs que viajaram de localidades tão distantes quanto Rússia e Polônia. O show foi registrado em película de 35 mm por alguns dos melhores cinegrafistas da Hungria, utilizando 17 câmeras e aproximadamente 40 quilômetros de filme. Toda a operação foi aprovada pelo governo húngaro, algo inédito para um Estado comunista.

Queen Budapest será lançado para celebrar o 40º aniversário desse momento decisivo na história da banda. O filme passou por um processo minucioso de restauração em 4K a partir das filmagens originais em 35 mm, realizado pela empresa Park Road Post Production, de Sir Peter Jackson, na Nova Zelândia, além de receber novas mixagens de áudio a partir das gravações multicanal originais. O projeto também ganhará lançamento em múltiplos formatos de áudio pela Legacy Recordings, divisão de catálogo da Sony Music, e pela Hollywood Records nos Estados Unidos e Canadá, em 30 de outubro. A trilha sonora, remixada pela equipe de estúdio do Queen a partir das fitas originais, será lançada juntamente com as edições em Blu-ray, DVD, CD e digital, além de uma edição especial em vinil triplo (3LP), disponibilizada pela primeira vez.

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A edição comemorativa será lançada em todos os formatos na sexta-feira, 23 de outubro de 2026, poucos dias antes do 20º aniversário da data de lançamento original do álbum, sexta-feira, 27 de outubro de 2006.

“Back to Black”, a obra-prima musical e lírica profundamente pessoal de Amy, não foi apenas sensação entre a crítica, mas também um imenso sucesso comercial. No Reino Unido, o disco estreou na terceira posição e, posteriormente, alcançou o #1, tornando-se o álbum mais vendido de 2007. O álbum já vendeu mais de 4,5 milhões de cópias no Reino Unido e acumula quinze Certificações de Platina. Nos EUA, estreou na sétima posição da Billboard 200, alcançando depois o segundo lugar, após a histórica conquista de cinco prêmios GRAMMY®.

Naquela noite memorável, em 10 de fevereiro de 2008, Amy brilhou ao conquistar os prestigiados prêmios de Gravação do Ano e Canção do Ano, além de Melhor Álbum Vocal Pop, Artista do Ano e Melhor Performance Vocal Pop Feminina, com “Rehab”. 

Vinte anos depois, “Back to Black” tem Certificado Duplo de Platina da RIAA (Associação da Indústria de Gravação dos Estados Unidos) e já liderou as paradas em toda a Europa — incluindo Áustria, Bélgica, Alemanha e Suíça —, com mais de 25 milhões de cópias vendidas mundialmente.

Em comemoração aos 20 anos uma edição especial em vinil transparente (3LP) e uma versão em 3CD reúnem o universo do álbum em sua forma mais completa. O material inclui quatro demos inéditas, lados B raros, faixas da edição deluxe e a histórica apresentação realizada no Paradiso, em Amsterdã, em 8 de fevereiro de 2007, durante a turnê do álbum. O show também será disponibilizado pela primeira vez na íntegra em vinil e nas plataformas digitais. Essas edições apresentam arte de capa alternativa totalmente nova, uma imagem dos arquivos de Mark Ronson com letras escritas à mão por Amy, além de fotos inéditas dos fotógrafos da versão original do álbum, Mischa Richter e Alex Lake, e textos exclusivos de Mark Ronson e Salaam Remi. 

Para completar a coleção de formatos comemorativos, as variações em edição limitada do álbum original em LP simples incluem um vinil colorido em padrão chalkboard marble e mais um vinil zoetrope, que cria um efeito de animação visual durante a reprodução do disco, exclusivo da loja virtual, com imagens em movimento de Amy. Todos os formatos físicos e digitais serão lançados pela UMR/Island na sexta-feira, 23 de outubro.

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Ouça “Hazel Eyes”, de Sam Smith, já disponível pela Capitol Records, AQUI. O projeto já está em pré-venda na UMusic Store.

“De muitas maneiras, este álbum fez com que eu me aproximasse de quem sou mais do que nunca“, conta Smith. “Ele me ensinou a acolher aquilo que surge naturalmente em mim como artista e a valorizar a música que mais amo, que é o pop atemporal capaz de criar conexão com pessoas das mais diversas origens. Também me mostrou que ser vulnerável não significa apenas expor a própria dor — demonstrar romantismo abertamente pode ser igualmente vulnerável. E, no mundo em que vivemos hoje, cantar sobre o amor queer com total honestidade e franqueza me parece muito importante.”

O novo single de Smith, “Constant Companion”, vai se revelando com todo o perigo e o suspense de um clássico do faroeste, contrapondo vocais de tom grave a uma vasta e sombria trama de guitarras e cordas arrebatadoras criada por Rob Moose (Bon Iver, The National). Filmado na Espanha sob direção de Albert Moya e com coreografia de (LA)HORDE, o videoclipe dá vida ao universo da canção. Ouça AQUI e assista AQUI.

Fruto de três anos de trabalho com amor, “Hazel Eyes” nasceu quando Smith atravessava um período de grandes transformações, incluindo se apaixonar e trocar a Inglaterra por Nova York. Após o álbum “Gloria”, de 2023 — que trouxe o sucesso global “Unholy”, com Kim Petras —, Smith se uniu aos coprodutores Simon Aldred (Avicii, Liam Gallagher) e David Odlum (Glen Hansard, Josh Ritter) em busca de uma abordagem orgânica e de uma sonoridade enraizada em experiências reais e na beleza da colaboração.

O trabalho passou por espaços lendários como o Electric Lady Studios, em Nova York, e reuniu um círculo próximo de colaboradores de visão singular, incluindo a ícone do indie pop Feist, o multi-instrumentista Shahzad Ismaily (Damien Rice, Yoko Ono), Moose e, entre outros nomes, o coletivo vocal TwoCity Chorus, formado por 28 integrantes. O resultado é uma sonoridade deliberadamente orgânica, mas infinitamente encantadora, que conduz uma narrativa iniciada às vésperas de uma paixão — com a faixa de abertura, “Everlasting Love” — e percorre os primeiros anos de um relacionamento. Batizado a partir da canção de amor mais franca que Smith já escreveu, “Hazel Eyes” ilumina o caminho para uma vida pautada pela confiança na alegria, pela entrega sem defesas e por uma sinceridade radical.

Antecipando a chegada do álbum e celebrando os então recém-lançados “My Guy” e “Hazel Eyes”, Sam apresentou uma série de performances, incluindo a estreia mundial de “My Guy” na primeira edição do MAJ Awards, no Japão (assista aqui), além de uma marcante primeira apresentação da faixa no Reino Unido, no programa “Later… with Jools Holland”, da BBC Two. Somando ainda mais força a esse momento, “Oh Mother” e “When He’s Gone” também ganharam uma apresentação memorável no programa “Radio 1 Live Lounge”, com Jack Saunders, além de conquistarem um cobiçado lugar na A-List da Radio 2.

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Dexter, MC Livinho, Xênia França, MC Cabelinho, Budah, Júlia Mestre, TZ da Coronel, Don L, VANDAL, Tasha & Tracie, Grag Queen, Bela Maria e Maurício Pazz estão entre os artistas que participam do projeto. As faixas transitam por rap, trap, funk, R&B, samba, soul e nova MPB, levando as composições de Chico para diferentes sonoridades sem perder de vista a força das obras originais.

A proposta de “Chico 2.0” é aproximar uma obra que atravessou gerações das linguagens e dos artistas que movimentam a música brasileira contemporânea. As versões partem das composições de Chico, mas ganham novas identidades a partir das referências de cada intérprete.

Para Felipe Poeta, diretor musical do projeto ao lado de Alê Siqueira, Celso Athayde, Preto Zezé, Fábio Almeida, a releitura passa justamente pela possibilidade de criar uma ponte entre a obra de Chico e a música urbana atual.

“Desde o começo, a ideia foi criar essa ponte entre a obra do Chico e a música urbana de hoje. Mesmo sendo letras escritas em outros contextos, as histórias, os amores e os temas que ele aborda continuam muito atuais. Então, trazer essas músicas para artistas de diferentes gerações e estilos fez muito sentido. A gente quis inovar sonoramente, mas sempre com muito respeito pela obra, principalmente pelas harmonias e melodias do Chico. Acho que o mais legal é justamente conseguir levar essas histórias, que já são tão conhecidas, para uma geração mais nova que acompanha a música urbana”, afirma Felipe Poeta.

A conexão com a música urbana é um dos pilares de “Chico 2.0”. Artistas como MC Cabelinho, MC Livinho, Dexter, Tasha & Tracie, TZ da Coronel, Don L e VANDAL levam suas próprias referências para canções que atravessaram gerações, aproximando a obra de Chico Buarque de diferentes vertentes do rap, trap e funk.

Em “Cálice”, MC Cabelinho revisita o clássico de Chico e Gilberto Gil, em uma versão que o artista define como diferente de tudo o que já fez. MC Livinho aparece em “Construção” e “Pivete”, enquanto Dexter também participa de “Construção”, levando sua identidade para uma composição que considera atemporal. Já Tasha & Tracie levam sua linguagem para “Deus Lhe Pague”, em uma releitura que aproxima a faixa do universo da dupla.

O encontro entre diferentes regiões do país também ganha espaço. Em “João e Maria”, Júlia Mestre divide os vocais com TZ da Coronel, em uma combinação que aproxima diferentes gerações e universos musicais. Don L e VANDAL, por sua vez, se unem em uma faixa que conta ainda com a participação de Milton Nascimento e do próprio Chico Buarque. Para os artistas, a experiência também representa uma oportunidade de apresentar a obra de Chico a novos públicos.

Don L destaca a possibilidade de aproximar o repertório do compositor de uma geração mais jovem, enquanto VANDAL celebra a parceria com o rapper e a conexão entre diferentes vozes do Nordeste.

“Eu sou um grande fã da obra de Chico, então recebi o convite muito honrado, pra interpretar uma música muito importante na história do Brasil e importante de ser lembrada no momento atual e pra sempre. Resolvi fazer uma interpretação mais malandra, mais rap, sempre citando a melodia original, ao lado do VANDAL que é uma voz das ruas de Salvador, um cara que eu tenho grande admiração. É também um convite ao nosso público mais jovem a conhecer a obra do Chico”, afirma Don L.

VANDAL também destaca a parceria: “Estou de coração preenchido e grato por participar de um projeto tão importante, ao lado de nomes tão relevantes da música brasileira. O que mais me toca é poder interpretar uma faixa com Milton Nascimento e o próprio Chico Buarque. Também fico muito feliz em dividir esse momento com Don L, uma voz nordestina que admiro. Essa conexão entre dois artistas do Nordeste era muito esperada e, para mim, representa uma entrega muito especial ao nosso povo.”

Se o rap aproxima Chico da música urbana, “Chico 2.0” também abre espaço para artistas ligados ao R&B, ao pop e à nova MPB. Xênia França, Budah, Grag Queen, Júlia Mestre e Bela Maria revisitam diferentes momentos da obra do compositor a partir de suas próprias referências, mostrando como essas canções continuam encontrando novos caminhos na música brasileira.

Xênia França, que já havia se aproximado da obra de Chico em uma homenagem ao compositor, celebra a oportunidade de trazer suas canções para o presente. “Para mim, é uma honra participar desse projeto. Chico é um dos grandes mestres da música e da cultura brasileira, e sua obra sempre esteve no meu imaginário. Adorei a proposta de trazer suas crônicas para o presente, mostrando como elas continuam atuais na voz de artistas contemporâneos. Me sinto muito lisonjeada de fazer parte dessa homenagem e de interpretar canções tão profundas.” Nas referências do R&B, Budah encontra espaço para imprimir sua identidade à releitura e também enxerga no projeto uma oportunidade de aproximar clássicos da música brasileira de uma geração mais jovem.

A diversidade de linguagens ganha outra dimensão em “Geni e o Zepelim”, interpretada por Grag Queen. A artista leva para a canção elementos de seu próprio universo como drag queen e intérprete, explorando a força e a atualidade de uma obra que aborda temas como julgamento, desejo, marginalização e hipocrisia.

“Foi uma experiência muito singular e de muita responsabilidade, mas também uma oportunidade de contar novamente essa história a partir da minha linguagem. Como drag queen e intérprete, pude levar para a música meu universo, meu deboche, meus cacos e minha perspectiva, respeitando a essência de uma obra que atravessa gerações”, afirma Grag Queen. Em “João e Maria”, Júlia Mestre aposta no encontro com TZ da Coronel para criar uma leitura que atravessa gêneros e gerações, aproximando a delicadeza da composição de Chico de uma sonoridade contemporânea.

Fechando esse recorte, Bela Maria revisita “Meu Caro Amigo”, música que faz parte de sua formação, explorando tons e ritmos que já fazem parte de seu universo pessoal. “Foi uma honra das grandes dar uma nova roupagem a um clássico que escuto desde pequena. Me diverti muito explorando tons e ritmos que não costumo lançar, mas que fazem parte da minha vida. E, para mim, homenagear quem abriu portas para nós e valorizar a riqueza da música brasileira é sempre um ato necessário. Chico democratiza isso da maneira mais bonita possível: ele canta nossa história.”

Além dos encontros musicais, “Chico 2.0” parte da ideia de aproximar a obra do compositor da produção cultural contemporânea. Celso Athayde, fundador da Central Única das Favelas (CUFA) e um dos idealizadores do projeto, destaca a responsabilidade de trabalhar com um repertório tão conhecido e a importância de dar continuidade à tradição da música popular brasileira a partir de novos olhares: “Dirigir artisticamente o projeto Chico 2.0 é uma responsabilidade imensa com a história da nossa música. Os grandes clássicos do gênero sempre beberam na fonte da cultura popular. O que estamos fazendo aqui é dar continuidade a essa linhagem, garantindo que a nova geração de artistas e ouvintes ocupe esse espaço com propriedade, qualidade técnica e autonomia narrativa.”

Preto Zezé, presidente da CUFA é uma das lideranças à frente do projeto, reforça a proposta de conectar a obra de Chico Buarque à estética e à produção cultural do Brasil atual: “O conceito de Música Popular Brasileira precisa acompanhar a velocidade e a estética do Brasil de hoje. Nossa direção artística partiu do princípio de que a obra de Chico Buarque, por exemplo, não pertence a um grupo seleto: ela é fruto da vivência popular. Este projeto não é um resgate nostálgico, é uma afirmação de futuro, conectando a sofisticação do gênero com a potência, o ritmo e a visão de mundo da favela contemporânea.”

Fábio Almeida destaca o caráter coletivo da construção do álbum e a troca entre diferentes gerações e linguagens musicais: “Desde o início, o Chico 2.0 foi pensado como um encontro entre gerações, linguagens e diferentes formas de fazer música. A escolha de cada artista e de cada canção foi construída coletivamente, buscando respeitar a essência da obra do Chico e, ao mesmo tempo, permitir que esses artistas trouxessem suas próprias identidades para esse repertório. O mais potente desse projeto é justamente essa troca: aproximar uma obra atemporal de uma nova geração, sem perder sua força, mas revelando novas possibilidades de escuta.”

Para Paulo Lima, presidente da Universal Music Brasil, o projeto representa uma oportunidade de colocar a obra de Chico em diálogo com novas vozes e perspectivas da música brasileira: “Detentor de múltiplos talentos, Chico Buarque é um dos maiores artistas vivos da cultura popular brasileira. Como compositor, sua obra é hoje lembrada, e até estudada em escolas e universidades do Brasil e além. Com sua alta sensibilidade poética, Chico traz em seu vasto repertório músicas sobre crítica política e social, faz um retrato do cotidiano e das classes populares brasileiras, revela o universo feminino sob diferentes perspectivas, além de contar inesquecíveis histórias de amor. Tendo nas mãos essa riquíssima obra, esses talentosos artistas da cena urbana contemporânea trouxeram suas novas vozes, sonoridades e vivências para o álbum “Chico 2.0″, projeto que dialoga com essas impactantes canções do mestre. Cada um desses jovens talentos imprime sua personalidade nas músicas, sem deixar de lado a essência e a grandeza das obras originais. A música de Chico Buarque nunca deixou de ser atual. E esse projeto mostra justamente quantos novos caminhos podem nascer a partir de uma obra tão rica. Para a Universal Music Brasil, é uma grande honra participar desse encontro, aproximar esses dois universos e contribuir para que essas canções continuem chegando a novos públicos e novas gerações”. A primeira parte de “Chico 2.0” chega às plataformas digitais no dia 21 de agosto, às 00h. A segunda etapa do projeto está prevista para outubro.

TRACKLIST: “CHICO 2.0” 

1. Construção (Chico Buarque) – Dexter, Maurício Pazz, MC Livinho, Felipe Poeta

2. O Que Será (À Flor da Terra) (Chico Buarque) – VANDAL, Don L, Felipe Poeta

3. Olê, Olá (Chico Buarque) – Xênia França, Felipe Poeta

4. Meu Caro Amigo (Chico Buarque/Francis Hime) – Bela Maria, Felipe Poeta

5. Pivete (Chico Buarque/ Francis Hime) – MC Livinho, Felipe Poeta

6. Roda Viva (Chico Buarque) – BUDAH, Felipe Poeta

7. João e Maria (Chico Buarque, Sivuca) – Julia Mestre, TZ da Coronel, Felipe Poeta

8. Deus Lhe Pague (Chico Buarque) – Tasha & Tracie, Felipe Poeta

9. Cálice (Chico Buarque, Gilberto Gil) – Xênia França, MC Cabelinho, Felipe Poeta

10. Geni e o Zepelim (Chico Buarque) – Grag Queen, Felipe Poeta

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O lançamento é uma nova interpretação em português da canção italiana “Quanno Chiove”, composta e originalmente gravada por Pino Daniele em 1980, que Laura também regravou para a tracklist original do Io Canto 2. A nova versão em português, baseada na releitura de 1994 na voz de Patricia Marx, chega como um presente aos fãs brasileiros, confirmando mais uma vez o quão profunda é a relação de Pausini com o país.

“Eu adoro cantar com a Sandy! Já nos encontramos e cantamos juntas no Brasil. Ela tem uma voz muito doce, um timbre muito lindo mesmo. Quando pensei em gravar ‘Quando Chove’ em português, pensei nela imediatamente! Fiquei muito feliz que ela aceitou o convite e veio até Milão gravar o clipe comigo. Além de ser uma artista incrível, ela é uma bonequinha, meiga, educada. Nos divertimos muito nessa colaboração. Mais uma vez, ela me mostrou que eu nunca estive errada em admirá-la tanto. Também fico muito feliz por, durante sua estadia em Milão, ter tido a oportunidade de conhecer sua família, à qual já me afeiçoei muito”, disse Laura.

E Sandy retribuiu, “Foi uma surpresa muito linda quando chegou este convite da Laura pra mim! Aceitei na hora e amei a experiência de ir até Milão pra gravarmos o clipe juntas. A música que ela escolheu já tinha uma memória muito afetiva pra mim, da época da infância e início da adolescência. E tô muito feliz com o resultado da nossa releitura. Admiro muito a Laura desde sempre e estarmos juntas neste dueto é mais do que especial pra mim! Espero que toque as pessoas como nos tocou.”

Laura recebeu Sandy em Milão para a gravação do videoclipe que traduz visualmente a atmosfera intimista da canção, destacando a conexão artística entre as duas intérpretes.

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