Alessandra Maestrini e Denise Stoklos assinam a direção juntas. Segundo as diretoras Alessandra Maestrini e Denise Stoklos, o espetáculo é um manifesto, e vai além do aprisionamento da personagem: “Todos sonhamos com o desligamento das questões opressivas que o texto traz de formas metafóricas, mas que nós conhecemos em diferentes níveis na sociedade atual. É um espetáculo muito contemporâneo”, explicam.

Gabriela Duarte completa, “Eu queria fazer algo em que pudesse falar um pouco de mim e da minha busca por identidade”, conta a atriz, que se apaixonou pelo conto e o descreve como “extremamente simples, objetivo, lúdico e político”. E nele encontrou o que buscava: “Eu acho que quando uma mulher fala de si, ela acaba falando de todas. E é aí que o tema se amplia”. Aliás, para a atriz, esta não é uma conversa só de mulheres, mas uma oportunidade de abrir o diálogo e convidar os homens à reflexão. A peça é, certamente, política na medida certa, com toques de ternura e poesia.

A cenógrafa Márcia Moon criou uma prisão transparente: um ambiente minimalista e simbólico, representando tanto uma prisão invisível quanto um espaço de libertação. Diferentes tipos de papel interagem com o corpo da atriz. Fragmentos de papel amarelo caem lentamente sobre a personagem ao longo da ação, aumentando de tamanho e quantidade, e criando um ambiente opressor. Boa parte do texto surge em voz gravada da própria atriz, que contracena consigo mesma como se interagisse com as vozes dentro da sua cabeça.

Os figurinos de Leandro Castro buscam simbolizar as várias camadas de opressão sobre o corpo feminino, com referências a diversas culturas. A trilha sonora, a cargo de Thiago Gimenes, combina elementos acústicos com o universo eletrônico e dos games, remetendo à opressão contemporânea por meio das tecnologias e redes sociais. E o desenho de luz de Cesar Pivetti é pensado como mais um personagem da peça, com a capacidade de oprimir e libertar.

SINOPSE – A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.  

S E R V I Ç O: 08 de agosto até 21 de setembro / Local: Teatro I Love Prio / Jockey Club Brasileiro Av. Bartolomeu Mitre, 1110 / Ingressos em https://site.bileto.sympla.com.br/teatroprio/  CLASSIFICAÇÃO: 12 anos

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Uma adaptação de um conto homônimo de Stephen King, lançado em 1980, a trama traz os irmãos gêmeos Hal e Bill Shelburn, na infância vividos por Christian Convery e na fase adulta por Theo James. Eles herdam do pai, um comandante de voos comerciais que os abandonou com a mãe, Lois (Tatiana Maslany), o boneco de um macaco que toca bateria – vocês já devem ter visto um por aí, é um brinquedo relativamente bem fácil de achar. De aparência boba e inofensiva, o bicho, na realidade, é o protótipo de um cramunhão feito de plástico, tecido e circuitos, tudo isso abastecido com duas pilhas Rayovac bem parrudas. Para o diabo fazer sua mágica, basta girar a chave que está em suas costas e… pronto! Em breve, alguém, em algum lugar, irá morrer. Sim, de forma implacável e sem qualquer chance de contestação. 

O prólogo do filme, apresentado por uma voz over, em que um homem, Hal, fala sobre uma herança maldita herdada do pai, determina, logo de cara, o tom de tudo o que veremos ao longo dos próximos 98 minutos. Petey, o pai dos gêmeos, vivido pelo ator Adam Scott, tentar passar o boneco para frente em uma loja de penhores. Ele explica a maldição para o proprietário que, obviamente, não acredita em nada. A consequência é fruto do desdém, como se o brinquedo entendesse exatamente o que os humanos falam. Em uma sequência que parece saída da franquia Premonição, uma série de acontecimentos bizarros resulta na extirpação do dono do estabelecimento. Tudo com muitíssimo sangue farsesco e tripas voando para todos os lados. 

Mortes após mortes, um belo dia, os garotos conseguem sumir com o boneco e acreditam terem se livrado da maldição. No entanto, ele é inquebrável, praticamente indestrutível, e vinte cinco anos se passam até que eles tenham notícias, mais uma vez, do filhote de cramunhão. Esse hiato remete a uma das coisas que talvez possam ser vistas como um problema ou um incômodo para parte dos espectadores: o fato de que O Macaco não fornece qualquer explicação para a origem do brinquedo e da maldição que esse carrega. Somos jogados no cerne da história do nada, se supetão e as coisas são do jeito que elas são, é melhor aceitarmos que dói menos. Eu tenho zero problema com isso, ainda mais que é sempre importante lembrar da existência de uma coisa chamada de “suspensão da descrença”. Por outro lado, o bom de ser jogado neste turbilhão de ação e inevitáveis gargalhadas, afinal, há muitas cenas engraçadas pelo modo como foram feitas, é não ter muita brecha para pensar no que está acontecendo. 

A julgar pelo tempo entre o inicio e o final do filme, mais o fato de que é possível ver um celular na fase adulta, dá para imaginar que a história se passa no começo dos anos 2000. Porém, em momento nenhum aparece uma data sequer localizando temporalmente a trama. O que é interessante e instigante. Os créditos iniciais do longa-metragem, em cores vivas e pela tipologia em si, transmitem a sensação de que estamos diante de uma autêntica película oitentista. As roupas das crianças na escola dos gêmeos Shelburn também são peças que tranquilamente veríamos na série de televisão “Stranger Things”, assim como o vestuário, hoje, cafona dos tios Chip, Oz Perkins em participação especial, e Ida, interpretada por Sarah Levy. Essas coisas me levam a pensar que tudo, talvez, faça parte de um limbo temporal, nada impossível para um autor como Stephen King. Mas não, provavelmente, estou viajando.  

Aliás, a trama de terror de O Macaco, mesmo com todos os seus momentos cômicos e sangue farsesco, possui um pano de fundo muito mais sério: uma história de bullying. Desde a primeira cena, da primeira voz over, fica clara a relação tóxica entre os dois irmãos. Bill, como nasceu antes, julga-se superior a Hal e explora isso ao máximo. Ele não perde uma chance de maltratar o outro e de culpá-lo por tudo de errado que acontece. É tão nocivo, que Hal chega a tentar usar o brinquedo para matar Bill. Essas situações possibilitam que os dois atores, Christian Convery e Theo James, cada um em sua parte do filme, se destaquem. Aí, é importante chamar atenção para James que surgiu na trilogia Divergente e foi bastante criticado na época. Alguns anos e algumas séries televisivas depois, “Magnatas do Crime” e “The White Lotus”, seu talento parece ter amadurecido e se ele ainda não pode ser chamado de um ator brilhante, carismático é um adjetivo que lhe cai muito bem. 

Maleabilidade, lá em cima, eu utilizei essa palavra para adjetivar o gênero de terror e alguns dos cineastas que transitam por ele. Apesar de já ter feito um rápido paralelo entre os dois últimos filmes de Osgood “Oz” Perkins, “Longless” e O Macaco, é necessário voltar a tal comparação para enfatizar o valor do trabalho do diretor. O primeiro, foi classificado por alguns como o mais assustador filme em sei lá quanto tempo. Apesar de ter gostado, entendido a proposta e tal, não achei tão aterrorizante assim – talvez tenha problemas com obras que cheguem com este hype, pois o mesmo ocorreu com Hereditário, de 2016. Por outro lado, o segundo, apesar do trailer que o vende errado, tem uma proposta completamente diferente e igualmente válida. Seu humor bizarro, que nem todo mundo vai achar graça, pode ser exemplificado por uma cenas em que alguém pergunta: “O que Deus diz quando um ônibus cheio de estudantes cai de uma ponte?” A resposta: “Fiz mais um strike”. Estão vendo? Eu achei graça e gostar deste ou daquele tipo de filme, é algo muito particular. Contudo, testemunhar um cineasta com esta qualidade e maleabilidade em ação, é um privilégio de todos nós. 

Desliguem os celulares e excelente diversão. 

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A trama se constrói a partir do encontro do espectador com o narrador da história, um viajante solitário. Desde que deixou Omelas, ele percorre o mundo contando a história desse lugar de nome exótico, desconhecido por todos. A peça ficará em cartaz, às terças e quartas-feiras, às 20h.

Num primeiro momento, Omelas parece ser o lugar da utopia: solar, belo, alegre, livre. Mas, na verdade, ele esconde um segredo, uma feiura e tragédia quase distópicas. Ao revelar esse segredo, a sombra de Omelas aparece, tornando aquele lugar familiar a todos. O relato feito pelo viajante, em detalhes minuciosos, funciona como uma espécie de espelho, onde cada espectador ao se ver refletido, percebe que é parte integrante da distopia de Omelas. Talvez a narrativa do viajante tenha até um caráter de maldição, uma necessidade permanente de dividir com todos a sua própria perplexidade: “Se eu terei de viver para compreender isso que parece incompreensível, vocês também terão…”, diz o personagem para o público. 

Com tom de fábula moral filosófica, a narrativa apresenta uma trama repleta de paradoxos: beleza e sofrimento, liberdade e opressão, justiça e injustiça, dor e prazer. O espectador se vê envolvido por um turbilhão de imagens e acontecimentos, que vão sendo narrados pelo viajante, e mediados por esse jogo de opostos incômodos. A história que está sendo contada, em alguma medida, pode ser a história de qualquer um que esteja ali sentado, ouvindo aquele curioso relato.

“O que é belo e profundo neste texto é que ele pode ser uma metáfora para diversas esferas da nossa vida, tanto questões íntimas quanto das nossas bolhas e também mundiais. O que é Omelas? É uma cidade fictícia ou a nossa realidade diária?”, observa o ator João Pedro Zappa. “Nossa ideia na peça é plantar uma indagação que possa gerar uma reflexão no espectador. E essa reflexão vai ser diferente para cada um”, completa.

Estreando na direção teatral, João Maia P constrói uma cena crua e direta apoiada no trabalho minucioso da construção de imagens poéticas feitas pelo ator-narrador, e por uma cenografia e um figurino minimalistas.  “A urgência de contar essa história no Brasil de hoje está ligada à necessidade de se pensar sobre como é complexa a estruturação de uma sociedade mais justa. A quebra da ilusão utópica como caminho para lidar com a turbidez da realidade da experiência social humana no mundo”, avalia o diretor. 

Serviço: Temporada: 14 de janeiro a até 26 de março/ Dias e horários: terças e quartas-feiras, às 20h. / Teatro Poeirinha: Rua São João Batista, 104 – Botafogo /Classificação etária: 14 anos / Venda de ingressos: pelo site Sympla e na bilheteria do teatro, de terça a sábado, das 15h às 21h, e domingo, das 15h às 19h.

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