Reconhecida por transformar a dança em linguagem cultural, Aline Maia vive um dos momentos mais potentes de sua trajetória depois de subir nos palcos de grandes festivais e estrelar uma turnê pela Europa. Sua conexão com Seda vem se consolidando ao longo do ano, com a sua presença no Baile do Brilho e quando a coreógrafa assinou a performance da embaixadora da marca, Rebeca Andrade, em um encontro simbólico entre potência corporal e representatividade. 

As aulas acontecem no Espaço Mova. É uma oportunidade para quem quer aprender o passo a passo do viral que já ultrapassa 31 milhões de visualizações, protagonizado por Aline Maia, com participação especial de Dan Dan Firmo, referência no samba e também coreógrafa.

Além disso, durante o evento, a marca leva o seu lançamento Seda Amino-Silk com distribuição gratuita do óleo capilar da linha, reforçando a conexão entre performance, movimento e cuidado. O produto, que conta com uma tecnologia proprietária, entrega cabelos macios e suaves como seda por até uma semana, além de eliminar o frizz. 

A iniciativa abre as atividades de verão de Seda, fortalecendo seu posicionamento como uma marca que é a cara do Brasil.

Serviço: Aula 1: Sábado (20) das 10:00 às 12:00. Aula 2: Domingo (21) das 11:00 às 13:00. Aula EXTRA: Sábado (20) das 14:00 às 16:00 / Local: Espaço Mova R. Hermenegildo de Barros, 73 – Glória / Ingressos podem ser adquiridos pelo Sympla.
 

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Sendo o único grupo com este perfil no país, a OBS apresenta agora uma releitura de suas produções. Ao mesmo tempo em que apresenta novas criações, está sempre mirando o futuro, reverência e se alimenta do passado. Incorporando também novos intérpretes, este espetáculo avança na pesquisa de linguagem que sempre marcou sua trajetória. A partir de seu vasto repertório, a OBS apresenta aqui novos formatos de encenação e novas sonoridades.

Como sempre foi característico do grupo, a música é ao vivo, nesse caso formado por um grupo de três músicos que se unem a oito sapateadores, como dois naipes de uma orquestra.

O roteiro priorizou os números mais emblemáticos, não só pela inovação que trouxeram, mas também pelo encantamento que causaram no público. A nova leitura desses números, os renovam, permitindo também a descoberta e caminhos estéticos inusitados.

SERVIÇO: Sessões: 07, 08 e 09 de novembro, sexta e sábado, às 21h, e domingo, às 19h / Local: Teatro Fashion Mall – Sala Rosamaria Murtinho – Estrada da Gávea, 899 / Ingressos:  https://bileto.sympla.com.br/

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Com uma maturidade cênica impressionante, o grupo leva ao palco o resultado de uma pesquisa sensorial sobre movimento, explorando intermitentes momentos de suspensão da notação e abrindo espaço para um jogo contínuo entre os intérpretes.

“Matéria nos provoca para a necessidade de conexão, nos impulsiona para o sentido de pertencimento em vez do medo e do controle. Sem pretensão, faz emergir a capacidade de nos maravilharmos com o Universo, com o mistério e a complexidade da rede da vida”, explica a responsável pela concepção,coreografia e direção  da performance, Esther Weitzman.

O colaborador artístico Alexandre Bhering também destaca: “É inspirador testemunhar a dedicação e a excelência que a Esther Weitzman Companhia de Dança mantém por mais de um quarto de século, consolidando um trabalho de profunda relevância no âmbito artístico, educacional e de pesquisa da dança no Brasil. Em Matéria, os meios de construção da dança resultam em uma enorme liberação e compreensão da energia associada ao movimento, transformando a cena em uma dança vigorosa”.

Serviço:   Data: De 10 a 19 de outubro (quinta a domingo), às 20h30 / Local: Sesc Copacabana – Mezanino (R. Domingos Ferreira, 160 – Copacabana) / Ingressos na bilheteria do teatro / Classificação : 12 anos

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Fundado há mais de 10 anos no bairro de Colégio, Zona Norte do Rio de Janeiro, o Projeto Intercessão já impactou mais de mil pessoas por ano, formando dançarinos, professores e desenvolvendo coreografias autorais reconhecidas em bailes charme de todo o Brasil. 

“Mais do que dança, o espetáculo é um retrato da potência social que nasce nas favelas. “O Charme da Favela” é a resistência. Cada movimento carrega histórias de superação diante da violência e da perda, mas também de conquistas, união e novas oportunidades. Como define a própria Companhia: “É o Social em versão Arte, é a Arte pelo Social!”, destaca Marcus Azevedo, diretor artístico e de coreografia.

Serviço: Dia e hora: 14 de setembro, domingo, às 17h / Local: Teatro Firjan SESI Jacarepaguá – Av. Geremário Dantas, 940, Freguesia (Jacarepaguá), Entrada: Gratuita  / Rede social: @intercessaoprojeto

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A obra coreográfica mergulha no campo emocional de um casal, com cenas amorosas de duas pessoas imersas num ambiente de fantasias, dois corpos enroscados em movimentos sutis travando confissões entre eles. No palco, essa história de amor é interpretada por Ana Amélia Vianna e Domenico Salvatore – bailarinos de longa data na companhia –, como dois amantes, viajantes que se perdem em suas emoções, sem autonomia, encontrando algo que ainda não haviam despertado em si mesmos. 

Embalado por músicas do cancioneiro romântico brasileiro dos anos 30 e 40, em “Piquenique, variações amorosas”, o casal vive cenas de um romance que os vira ao avesso. Assim como em seus trabalhos anteriores, a trilha sonora assinada por Marcia é fruto de uma extensa pesquisa que resgata a memória musical de artistas brasileiros. Neste espetáculo, destaque para as vozes de Carmen Miranda, Clementina de Jesus, Orlando Silva, Francisco Alves, Lamartine Babo e Pixinguinha.

A companhia tem 28 obras coreográficas, além de quatro óperas, seis vídeos-dança e projetos em arte performance e educação. O cerne das obras consiste em falar sobre laços humanos, estabelecendo uma forte ligação com as memórias sonoras e culturais brasileiras, desde o barroco até ao samba. “Me encanta neste novo trabalho falar mais uma vez sobre o sensível, sobre este lugar da fantasia que está dentro de nós. Ela é fundamental para entendermos as nossas próprias raízes, esse lugar no fundo das nossas memórias”, diz Marcia.

Parceiras de vida e de trabalho, Marcia convidou a irmã, a artista plástica Beatriz Milhazes, para criar um cenário que dialogasse com a montagem, assim como nos dois primeiros espetáculos da trilogia. Para isso, a artista criou uma obra inédita, um enorme painel de 9,5 metros de extensão por 6 metros de altura.  A pintura é composta por desenhos cheios de contornos despertando no público um mergulho visual onírico e misterioso. “O painel corrobora com esse mundo de fantasia, com desenhos muitos sutis criando uma sensação meio caleidoscópica”, diz Marcia Milhazes.

SERVIÇO Temporada: 14 a 24 de agosto de 2025 / Dias e horários: Quinta a domingo, às 20h30 / Local: Mezanino do Sesc Copacabana (Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana) / Ingressos na bilheteria

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 “Sagração” estreou no dia 21 de março de 2024 no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Fundada em 1994, a Companhia realizou mais de duas mil apresentações em mais de 100 cidades de 35países, totalizando um público de cerca de 4 milhões de pessoas em todas as suas performances.

O processo criativo de “Sagração” durou dois anos e meio. O espetáculo é uma livre adaptação de “A Sagração da Primavera”, obra composta pelo russo Igor Stravinsky, que ganhou projeção mundial pela montagem estreada em Paris em 1913, com coreografia de Vaslav Nijinsky e produção de Sergei Diaghilev para os Ballets Russes. A composição musical éconsiderada revolucionária por introduzir estruturas rítmicas e harmônicas nunca antes utilizadas em partituras.

“Quando decidi recontar esse clássico, pensei que teria de ser a partir da cosmovisão de povos originários do Brasil”, lembra Deborah, que também é pianista. “Stravinsky foi responsável por pontos de ruptura e provocação entre o erudito e o primitivo. ‘A Sagração da Primavera’ representa esses pontos de evolução da humanidade”.

Foi em uma viagem para o Xingu, durante o Kuarup, e no encontro com as aldeias indígenas Kalapalo e Kuikuro, que Deborah conheceu Takumã Kuikuro. O cineasta contou à ela como o povo do chão recebeu o fogo do Urubu Rei. Essa história é dançada e acompanhada por narração do próprio Takumã e faz parte da coleção de cosmogonias que a diretora reuniu para montar a dramaturgia do espetáculo.

“Tudo só poderia ter começado com uma mulher. Uma avó. A avó do mundo”, conclui Deborah, que, com a assessoria de Nilton Bonder, revisitou a mitologia judaico-cristã. Do livro”Gênesis”, as passagens sobre Eva e a serpente e também Abraão ganham cenas que destacam momentos de ruptura. “São dois mitos que elaboram sobre a consciência humana: pela autonomia de uma mulher que desperta para caminhos interditados e transgride; e de um homem que sai da sua casa e cultura em direção a si mesmo”, destaca Nilton Bonder. Além das alegorias bíblicas, a coreógrafa também buscou referências na literatura científica.

“A versão mais recente da nossa espécie é a Homo sapiens sapiens que, assim como outros seres, precisa se adaptar constantemente”, pontua Deborah, destacando a presença das personagens que representam bactérias, herbívoros e quadrúpedes no espetáculo. “Nossa dramaturgia é feita da poesia presente em mitos e teorias que pensam a existência da vidaem nosso planeta”. A coreógrafa, em parceria com o diretor musical Alexandre Elias, introduziu à partitura instrumental de Stravinsky a sonoridade pujante das florestas e ritmos brasileiros.

Boi bumbá, coco, afoxé e samba foram introduzidos à criação de Stravinsky. Aos acordes de instrumentos de orquestra, o diretor musical adicionou flauta de madeira, maracá, caxixi etambores. Os paus de chuva também entram em cena no arranjo executado ao vivo pelos bailarinos. Para dar vida às narrativas e trajetórias do espetáculo, o cenógrafo Gringo Cardia incorpora 170 bambus de 4 metros de altura que simbolizam resistência e flexibilidade.

Serviço: Data: 17 de julho a 17 de agosto, de quinta a domingo / Teatro João Caetano Praça Tiradentes, s/n – Centro / Ingressos em Funarj

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O livro dá nome ao espetáculo homônimo que reúne uma coleção de poesias da autora sobre as dores e delícias da nossa contemporaneidade, sob um viés anti-niilista. “É para se abandonar pesos. Tirar e jogar fora, produzir leveza. Viver mais o agora e deixar de lado o passado e o futuro. Afinal, viver é bom sem os excessos de explicação e medo que nos rodeiam”, afirma Viviane Mosé. 

Em cena, as intérpretes-criadoras Ana Carbatti, Ana Paula Novellino e Letícia Medella, entre os ossos e as emoções, dão vida aos ensaios poéticos de Mosé sobre como encarar o mundo de hoje e suas contingências nessa nossa existência atribulada. Os corpos aqui falam tanto quanto as bocas. 

“Escolhi os poemas que mais me atravessaram e me puxaram para o lado cênico. Tem uma dialética na obra da Viviane, que é essa necessidade grande de nos relacionarmos e buscarmos alguém com quem compartilhar a vida e a vontade de ficarmos sós. O trabalho parte da fisicalidade das três atrizes, das criações corpóreas de cada uma”, conta a diretora, Duda Maia. 

Para dar forma e movimento a essas histórias no palco, a figurinista Karen Brusttolin criou uma roupa-instalação que faz as vezes de cenário. “Gosto quando o figurino faz parte da construção da dramaturgia. Apelidamos de “bololô”. É como um emaranhado, são várias peças que podem ser colocadas e retiradas ao longo do espetáculo. Vão desnudando camadas, revelando partes, desconstruindo, com texturas. É um deleite”, explica ela. 

Para Ana Carbatti, “Desato” vai mexer e muito com o público: “Quem não está preocupado com a própria existência está aonde?”, ri. “A poesia da Viviane traduz momentos nossos, é mais livre, abstrata. Transformar isso em drama está sendo muito interessante, assim como poder comunicar com o corpo. Os textos que falam de amor e de separação me tocam muito”, continua Ana. “Viviane é porosa, acende a minha fogueira, me emociona, aciona o meu músculo, meu imaginário”, completa Letícia Medella. “Podermos nos expressar fisicamente, com a dança, faz todo o sentido neste espetáculo, com a condução da Duda”, faz coro Ana Paula Novellino. 

Essa experiência “desatadora de nós”, como define a autora, promete levar o público além. “É o puro gesto de existir que precisa ser resgatado. As pessoas precisam voltar a ter honra em habitar esta terra. Proponho livramentos, desatar as mesquinharias”, define Viviane. A idealização do projeto é de Marilia Medina. 

Serviço: De 28 de março a 13 de abril de 2025. 
Sex e sáb, às 20h. Dom, às 19h.  / Local: Teatro Ipanema Rubens Corrêa / Rua Prudente de Moraes 824, Ipanema / Ingressos na bilheteria

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No Irã, a dança foi oficialmente proibida desde o início da Revolução Islâmica (1979). Todas as companhias de dança foram forçadas a cessar suas atividades.Muitos dançarinos e coreógrafos fugiram para o exterior. Aqueles que ainda vivem lá precisam ser muito engenhosos. Como eles estão mantendo sua forma de arte viva? Como estão lidando com a proibição da dança? Como praticam sua profissão, que perigos eles enfrentam, por quais liberdades eles estão lutando? 

Em “Isto não é uma dança”, Nastaran Razawi Khorasani apresenta uma performance de dança que lida com a censura. É uma homenagem ao corpo que quer se mover, um tributo à arte que simplesmente deve ser feita, de qualquer maneira ou formato. O que pode ser mostrado, o que deve permanecer oculto? À medida em que a música e as luzes se transformam em um frenesi, Nastaran tenta manter seu corpo dançante sob controle, enquanto traz para o palco as vozes de coreógrafos e bailarinos que vivem no Irã. 

Nastaran nasceu no Irã e emigrou para a Holanda ainda criança, onde cresceu e pôde desenvolver seu talento para a dança e a performance. O espetáculo “Isto não é uma dança” foi indicado ao Prêmio VSCD Mime/Performance 2024, e o júri destacou sua homenagem ao movimento e à arte.

Com curadoria e produção de Cesar Augusto e Jonas Klabin, CÂMBIO é um projeto de programação artística que realizou diversas ocupações, festivais e curadorias entre 2010 e 2015, no Rio de Janeiro. A primeira edição ocupou o Teatro Estadual Glaucio Gill, de 2010 a 2011; e a segunda, o Teatro Municipal Café Pequeno, de 2012 a 2015. Nos dois teatros, os palcos foram reestruturados e a curadoria criou programações diversificadas, incluindo teatro, música, dança, cinema e festivais. Na primeira edição, foram 60 espetáculos, 394 sessões, 23 mil espectadores e uma nomeação na categoria especial do Prêmio APTR de 2011. Já na segunda, foram cerca de 100 espetáculos, 720 sessões e 60 mil espectadores.

SERVIÇO 

Únicas apresentações: dias 28 e 29 de novembro, às 16h.

Local: Sede da Cia. dos Atores  Endereço: Escadaria Selarón (Rua Manoel Carneiro, 12 – Lapa) 

Entrada franca. Retirada dos ingressos pelo site https://linktr.ee/cambioartbr (Sympla) 

Classificação indicativa: 14 anos / Duração: 60 min.

Idioma: Farsi, com legendas em português. Algumas entrevistas não podem ser ouvidas, só podem ser lidas nas legendas. Obs: Contém luzes estroboscópicas.

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Com direção artística e coreografia de Renato Vieira e texto de Renato Vieira e Higor Campagnaro, “Gaveston & Eduardo” traz à tona as intrigas, repressões e preconceitos que, embora enraizados em outra época, refletem as sombras de nosso cotidiano social e político. Com cenas provocadoras e emocionantes, a obra alia a dança contemporânea com elementos brechtianos, oferecendo ao público uma experiência sensorial e reflexiva, que transcende o tempo e nos desafia a repensar nossas escolhas. Em cena, estão o bailarino Bruno Cezário, como Gaveston, o ator Higor Campagnaro, como Eduardo II, e os bailarinos Felipe Padilha, Hugo Lopes, Mônica Burity, Rafael Gomes e o músico, Rafael Kalil, que apresentam solos, duos, trios e conjuntos. 

“O espetáculo, livremente inspirado na história de Gaveston e Eduardo, propõe uma reflexão sobre o momento de retrocesso pelo qual estamos passando. Toca em temas como padrão versus diversidade, liberdade versus opressão, poder versus traição, e como essas dualidades ressoaram ao longo do tempo”, explica o coreógrafo Renato Vieira. “Começamos com Gaveston voltando do exílio, mas não seguimos uma ordem cronológica. A obra é toda marcada pelo diálogo que fazemos com o presente, lembrando episódios de homofobia e intolerância”, completa.

Higor Campagnaro conta que a experiência é uma novidade e um desafio em sua carreira. “Tem sido um período muito fértil de trocas criativas. Nesta obra, dança e o teatro se reconhecem, se farejam numa coreografia intensa e vibrante; o que, certamente, toca e transforma o ator que sou. Também espero poder tocar meus parceiros em cena e as pessoas que nos assistirão”, comenta. 

Bruno Cezário celebra a experiência de ser, ao mesmo tempo, bailarino e ator. “É algo incrivelmente prazeroso. Estar nesses dois lugares me proporciona novos estímulos, tirando-me do meu estado de conforto habitual. O ato de trocar experiências com outro ator como Higor Campagnaro me desafia e amplia minha visão sobre o palco, o corpo e a interpretação. Cada interação é um aprendizado, uma construção conjunta, quando a minha bagagem da dança encontra o universo da atuação. Essa troca é um processo vivo, que enriquece tanto o espetáculo quanto nossa própria trajetória artística”, acrescenta.

Renato Vieira dirige há mais de 30 anos a companhia de dança que leva seu nome,sempre movido pelo desejo de unir o erudito e o popular e pesquisar uma linguagem demovimentos que leve à cena o que conceituou como dramaticidade da condiçãohumana. “Buscamos sempre mais do que uma narrativa dançada. Queremos proporcionar um mergulho nas complexidades da vida e nas questões universais da existência. Neste espetáculo, convidamos o público a refletir sobre a diversidade, a compreensão e o respeito por diferentes ideias e perspectivas, desafiando a linha entre o ser e o outro, revelando a essência de nossa humanidade”, acrescenta Renato Vieira.   

  Serviço: Temporada: de 31 de outubro a 10 de novembro /   Dias e horários: de quinta a domingo, às 20h / Arena do Sesc Copacabana: Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana / Classificação: 18 anos / Venda de ingressos: na bilheteria. Horário de funcionamento: terça a sexta, das 9h às 20h; domingos, das 14h às 20h.

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A Ópera de Pequim tem suas raízes no século XIII, durante a dinastia Yuan. Naquela época, a ópera era uma forma de entretenimento popular entre as classes mais baixas da sociedade chinesa. No entanto, a Ópera de Pequim começou a se desenvolver como uma forma de arte mais sofisticada durante a dinastia Ming (1368-1644). No reinado do imperador Qianlong (1736-1795), a ópera ganhou popularidade entre a elite chinesa e se tornou uma parte importante da cultura imperial.

A Companhia Nacional da Ópera de Pequim foi fundada em 1955, concebida como uma organização performática da Ópera de Pequim e diretamente ligada ao Ministério da Cultura e Turismo da República Popular da China.

As apresentações no país passarão por Brasília (CCUG, 15 de novembro), Rio de Janeiro (Teatro Riachuelo, 19 de novembro) e São Paulo (Theatro São Pedro, 21 de novembro). Os ingressos para as apresentações estão disponíveis em dellarte.com.br.

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