No ethos de Bel, a simbiose afetiva plena exige respeito, coisa que existe entre os pombinhos de “Vermes Radiantes”. Jill e Ollie se gostam e se querem pacas, até debaixo d’água e no meio dessa história há um neném vindo se somar aos dois, na barriguinha. Tudo vai bem. Tudo dá match! 

Porém, o bagulho só enfeia quando rola a chance de eles irem para uma casa nova. Uma casa que parece feita sob encomenda para o futuro ser próspero. Só que tem um mas nessa jogada… sempre tem. 

Se Jill e Ollie tivessem lido Bel Hooks, ali onde ela diz  “quando somos ensinados que a segurança está na semelhança, qualquer tipo de diferença parece uma ameaça”, nosso estimado casal teria evitado uma baita encrenca. Não deu para evitar, mas, pelo menos, eles curtiram uma festa, e que festa!

Vale dizer que o trecho da montagem brasileira da saga de Jill e Ollie – no original, “Vermine Radiant” – dedicado à tal micareta, é um engenho cênico de fazer a plateia quicar na poltrona. Uma vez que Maria Eduarda de Carvalho está a cara da Laura Dern (e atua com tanto magma quanto a estrela dos EUA) e Rui Ricardo Dias investe num modo Nicolas Cage de explodir em cena, fica difícil olhar para os palcos sem pensar em Coração Selvagem, a Palma de Ouro de 1990.

Os dois fazem de “Vermes Radiantes” a peça mais David Lynch do teatro brasileiro atualmente. O duo de atores é, certamente, lynchiano não pela estranheza, mas por sua semiótica. Cada gesto dos dois nos leva a um novo signo a ser decifrado com foco nas opressões mais silenciosas que existem na contemporaneidade 

Daí se fazer menção aos ensaios de Bel Hooks, aríete da luta contra o sexismo e oráculo nas batalhas antirracismo. O intuito de trazê-la à tona, para se falar da (orto)grafia dramatúrgica do inglês Philip Ridley, parte de uma licença poética despertada pela sociologia depurada por essa escritora em sua mirada sobre microfísicas de poder. O trator que tenta esmagar Jill e Ollie tem seu alicerce na gentrificação. A nova planificação dos lares é um convite – na lógica do capitalismo – ao redesenho das gentes que a ocupam. 

Ridley esgueirou-se sob um precipício similar em “The Pitchfork Disney” (1991) e em “The Fastest Clock in the Universe” (1992). Seu estilo, o In-yer-face Theatre (uma plenária de piquete na qual ação é agressão, ou seja, combate verbal), é uma triagem contínua das armadilhas políticas para pasteurizar subjetividades e converter gente inquieta em gado servil. Trocando em miúdos, é o mesmo mal que Bel içou em sua obra e expôs para debate.

Raivoso como todo o bom Ridley já encenado pelo planeta, “Radiant Vermin” chega sob uma luminosa tradução feita por Diego Teza, o texto faz rir a granel sem diluir o castrofismo de seu autor na gargalhada. Além disso, a montagem Alexandre Dal Farra impede que a fera fique civilizada e perca sua conexão coma a natureza apocalíptica do dramaturgo britânico.

Tudo é o que vemos é uma reminiscência dos trovões que rugiram no céu de Jill e Ollie na mudança. Ouvimos a versão deles, nunca a da figura que serve como um agente imobiliário para a tal casa sonhada, figura desenhada por Marcos França, que, na reta final da temporada passa a ser vivida por Pedro Precisa. 

Pavimentado sob uma cenografia dionisíaca, com assinatura de Stéphanie Fretin e Camila Refinetti, “Vermes Radiantes” entra em erupção conforme Rui e Maria Eduarda deslocam as placas tectônicas da inércia moral. A iluminação apolínea de Lucas Brandão oferece aos dois uma atmosfera ideal para uma pesquisa cênica hilária.

Saiba mais sobre a peça!

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Lançado originalmente em 2001, o longa-metragem se tornou uma das obras mais aclamadas de Lynch, consolidando sua posição como um dos maiores cineastas da História do cinema. A trama, que segue a história de Betty (Naomi Watts), uma jovem atriz que chega a Los Angeles com grandes sonhos de fama, e Rita (Laura Harring), uma mulher que perde a memória após um acidente, se desenrola em uma espiral de mistério, surrealismo e introspecção psicológica. 

A restauração em 4K não se limita a uma simples atualização tecnológica, mas é um trabalho minucioso que recupera cada detalhe da cinematografia e das cores de Lynch. A profundidade visual, agora mais vibrante e precisa, dá nova vida aos aspectos mais sombrios e sublimes do filme, enquanto a tensão crescente e o suspense psicológico ganham um impacto ainda maior. Para aqueles que já conhecem a obra, essa versão oferece a chance de redescobrir minuciosos detalhes que passaram despercebidos por muitos. “A restauração em 4K de Cidade dos Sonhos permite a experiência cinematográfica que a obra-prima merece! A cópia está linda e a Retrato está muito feliz em poder dar esse presente para os cinéfilos poderem redescobrir a obra e novos públicos tenham contato com a genialidade de David Lynch”, relatam Daniel Pech e Felipe Lopes, fundadores da Retrato Filmes.

Além da ousada e enigmática narrativa, CIDADE DOS SONHOS também se destaca por sua crítica à indústria cinematográfica de Hollywood. Através de uma abordagem irônica e muitas vezes perturbadora, Lynch revela os bastidores sombrios de Los Angeles, a “cidade dos sonhos”, e os enganos e desilusões que cercam aqueles que buscam o estrelato. Em uma época em que o glamour e o sucesso são frequentemente vendidos como promessas inalcançáveis, o filme serve como um lembrete pungente sobre as desventuras de quem se arrisca nesse jogo de ilusões.

Sua restauração em 4K promete impressionar tanto os admiradores antigos quanto os novatos na obra de Lynch, consolidando sua relevância no cenário cinematográfico contemporâneo. CIDADE DOS SONHOS entra em cartaz nos cinemas brasileiros em 17 de abril com distribuição da Retrato Filmes.

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A programação especial para as salas do CCBB seguirá até setembro deste ano. Com curadoria de Ruy Gardnier, a mostra sobre David Lynch (1946-2025) revisita sua obra. Cineasta, roteirista, produtor, artista visual e músico, revolucionou as relações entre cinema e televisão, e criou um imaginário visual em que a candura da cidade pequena estadunidense dos anos 1950 contrastava com o horror absoluto da violência que vinha dela mesma. Seu primeiro grande projeto foi Eraserhead (1977), um filme experimental sobre ansiedade paterna. O sucesso artístico do título permitiu que Lynch fizesse em seguida seu primeiro filme hollywoodiano: O homem elefante (1982), que acabou indicado a oito Oscars. 

É Veludo azul (1986), no entanto, que dá facetas definitivas ao estilo de Lynch, incorporando a seu cinema elementos do noir e do suspense hitchcockiano, e encontrando a semente do mal no meio da mais pacata cidadezinha dos EUA. 

Junto com o roteirista Mark Frost, Lynch adapta sua visão de mundo para a TV na pioneira série Twin Peaks (1990-91) que, por trás da intriga do whodunnit, criava um universo perturbador, atmosférico e denso, sem paralelo no mundo. Foi efetivamente o primeiro autor de séries de tv. No mesmo ano de Twin Peaks, Coração selvagem ganhava a Palma de Ouro no Festival de Cannes. 

Mas é sua obra posterior que o leva ao panteão da arte cinematográfica. Estrada perdida (1997) e Cidade dos sonhos (2001) dão nó na cabeça do espectador e afirmam a autonomia da cena em relação à trama, criando um universo em que a lógica linear é ultrapassada e dela brotam seres fantásticos, impossíveis, maravilhosos. A trama agora é apenas o pretexto para figuras oníricas e surreais, encanto e horror. 

Twin Peaks: O retorno, de 2017, carrega essa radicalização para a TV e novamente Lynch revoluciona a série televisiva produzindo uma obra fragmentada e vanguardista que encantou tanto quanto desorientou. Hoje, o termo lynchiano se estende do cinema às artes visuais, dominando o mundo. Uma obra dessa envergadura merece ser vista numa tela de cinema, e parte substancial dessa trajetória poderá ser vista nessa homenagem.

A mostra gratuita “Homenagem a David Lynch” exibe, entre quarta (29) e sexta-feira (31), nove trabalhos do diretor.

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Particularmente, só tive chance de conferir a obra de David Lynch nos cinemas de maneira regular a partir dos seus três últimos títulos. Nada disso impediu que seu olhar fosse crucial para que se formasse em mim um embrião que me traria até aqui, com a humilde missão de falar sobre sua trajetória, e o quanto ele é responsável pela cinefilia que igualmente formou o jornalista e o crítico de cinema que vos escreve. 

Nascido em 20 de janeiro de 1946 em Montana, seus avós migraram da Finlândia e da Suécia para os Estados Unidos no século 19. Por causa da colocação do pai Donald, um cientista que trabalhava para o Departamento de Agricultura, sua família foi obrigada a se mudar muitas vezes durante sua infância, o que contribuiu para sua timidez. Após um rápido namoro, David Lynch casou-se com a namorada Peggy aos 21 anos, e logo posteriormente sua filha Jennifer nasce, que se tornaria cineasta como ele. Ainda em 1967, lançaria seu primeiro curta metragem, Six Men Getting Sick (Six Times), o primeiro de muitos que viria a dirigir durante sua carreira, e o primeiro dos sete lançados antes justamente de Eraserhead.

Aliás, as reações ao filme, muito incensado dentro de sua radicalidade narrativa, desde a estreia foram observadas como um rasgo de autoralidade dentro de uma observação crítica. Comparado automaticamente a Luis Buñuel, a relevância de Eraserhead foi tão imediata que apenas três anos depois, uma major (no caso, a Paramount Pictures) abria suas portas para sua entrada entre os “maiores” , e assim David Lynch correspondeu com o segundo de seus clássicos, O Homem Elefante. Indicado a oito Oscars, vieram daí suas duas primeiras indicações, como diretor e roteirista. 

Talvez tenha sido essa, ainda criança, minha primeira reunião com o cineasta. Tive medo, isso eu lembro bem – a imagem de John Hurt muito maquiado encenando a vida real John Merrick eram planos que demoraram a sair da minha memória. Mas estava de alguma forma semeada ali uma característica que Lynch dominou como ninguém em sua filmografia: a alegoria do medo, representada pelo desconhecido, pela exacerbação do real, pela ilusão. 

Após isso, seu único fracasso, foi reconfigurado ao longo dos anos, a primeira adaptação de Duna, lançada em 1984, foi a última vez, vejam só, que o cineasta conviveu com a incompreensão coletiva, em uma espécie de faroeste futurista. Porém, nem deu tempo de sentir qualquer estrago, Veludo Azul é lançado apenas dois anos depois e com nova indicação ao Oscar e a primeira passagem por Cannes, onde ganharia o prêmio máximo, a Palma de Ouro, quatro anos depois, por Coração Selvagem. 

Enfim, surge o primeiro registro do Lynch pop como conhecemos, e o que é considerado por muitos como sua obra-prima, “Twin Peaks” trouxe um sopro de frescor à TV americana que não passou despercebido. As duas primeiras temporadas trouxeram muito mais do que a frase ‘quem matou Laura Palmer?’; para um público sedento por dramaturgia, essa foi uma forma de entrar nos meandros de uma cidade amoral, ambígua, cheia de costumes inusitados e personagens sem conceitos morais para reger suas trajetórias. Era uma amostra do que se passava pela sua imaginação sem freios. 

Mas Lynch queria e podia mais. Se nada teria nos preparado para Estrada Perdida, Cidade dos Sonhos foi um experimento que nasceu maldito e quase cancelado, para dar lugar ao símbolo máximo do novo milênio no que se refere a cinema de vanguarda. O mundo cinematográfico não seria o mesmo depois de conhecermos a história de Betty e Rita, duas mulheres que se conhecem em circunstâncias surreais para estabelecer um elo crescente que revela um tanto sobre Hollywood e sua máquina de aparências. É muito mais do que isso, na verdade, o que não é nenhuma surpresa para quem conhece obra e autor, de um lado o retrato mais referendado acerca do Cinema nos últimos 25 anos e do outro… bem, seu Criador. 

Aliás, minha primeira sessão de Cidade dos Sonhos, foi em maio de 2002, certamente, revelador de uma imagem de futuro, pra mim. O cinéfilo que se arriscava já existia bem antes da estreia brasileira do filme, mas através dessa sessão é que todas as conexões foram enfim desenhadas e definidas. Perdi a conta de quantas vezes assisti Mulholland Dr. (seu título original), a mais recente no ano passado na melhor tela possível. É através desse filme, e da genialidade de seu diretor, que consigo regularmente tornar a me encontrar, perceber o cinéfilo que há em mim, e através dele me reconfigurar para uma próxima temporada. 

Ainda teria uma sessão no Festival do Rio sentado no chão para conferir Império dos Sonhos – um filme que merece e clama por uma redescoberta – e, bem antes do apagar das luzes, a Netflix foi a responsável por suas últimas teclas de audiovisual, e nada foi o mesmo (mais uma vez) após a derradeira temporada de Twin Peaks, talvez o evento cinematográfico mais comentado do ano em 2017 – sem ser necessariamente cinema. E ainda assim, sendo em absoluto. 

Hoje, Lynch nos deixou depois de relatar uma luta contra um enfisema causado pela nicotina irreparável. Ao repetir que não existirá outro como ele na História do Cinema, é aceitar que não teremos uma mínima porcentagem de sua originalidade no corpo, mas também perceber que sua sua filmografia não cabe em qualquer escopo que seja. É maior que agregadores de notas, que premiações e que quadros de consulta; maior que ‘finais explicados’ e maior que alguma definição possível. Sua contribuição é da altura do que fez David Bowie na música, Liv Ullman na atuação, Salvador Dalí nas artes plásticas, Stephen Hawking na ciência. Sem que qualquer um ousasse ou conseguisse lhe “pedir emprestado”, está na veia de quem o assistiu, sua permanência. 

No entanto, hoje, silêncio. No hay banda. 

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