O texto (um dos mais maduros do ano nas artes cênicas cariocas) está em cartaz no Teatro Firjan Sesi Centro (av. Graça Aranha), o espetáculo trança reflexões, viveres, saberes, reflexões, cicatrizes e curas. Renato Livera contracena com imagens em projeção, investiga os limites entre a escrita de si e a escrita de um povo, num jogo performático a partir das inquietações de Bolaño.

Em conversa com o diretor, Luiz Felipe Reis, ele conta ao Rota Cult da relevância geopolítica e sentimental do escritor por trás de “As Agruras do Verdadeiro Tira” e “O Gaúcho Insofrível”. A cada resposta, ele explica seu processo criativo com Livera, que vem impressionando plateias com suas estratégias para importar a palavra literária para o coração da cena.

Qual é o Chile de Bolaño e o que desse território dele transborda literatura afora na prosa de livros como “Estrela Distante” e “Chamadas Telefônicas”? 
Luiz Felipe Reis: É difícil saber qual é o Chile de Bolaño. São muitos e, acima de tudo, mutantes e contraditórios. Não há uma imagem que se estabilize ou que se feche. Nesse curto arco de 50 anos de vida, entre 1953 e 2003, Bolaño viveu muitos Chiles, marcados por diferentes contextos políticos, afetivos e culturais, estando ele sempre, geograficamente, mais fora do que dentro do país, porém afetivamente continuamente imerso nas questões culturais e políticas chilenas. O que sabemos do Chile de Bolaño é apenas a partir do que ele deixou espalhado em seus livros, entrevistas, poemas, conferências e outros textos; uma série de pistas nem sempre confiáveis e bastante complexas, contraditórias, em relação a esse recorte territorial que chamamos de Chile. O que podemos dizer é que era uma relação intensa, paradoxal e conflituosa, marcada por afetos muito intensos. Nostalgia e horror, orgulho e vergonha, atração e repulsa em níveis muito concentrados.

Que olhares (que máscaras, que personas) aparecem na escrita dele?
Luiz Felipe Reis: Nesse contexto acidentado, podemos destacar o Bolaño apaixonado e devotado ao legado dos poetas chilenos como Nicanor Parra, Enrique Lihn, Jorge Teillier, Vicente Huidobro, Gabriela Mistral, assim como o Bolaño impiedoso, ácido e corrosivo que criticava violentamente os romancistas chilenos. Criticava não apenas por sua extrema exigência enquanto leitor, mas sobretudo por aquilo que ele qualificava como um desvio ético daqueles que se aproximam da literatura a partir de um viés utilitário, como um meio de obtenção e acumulação de capital social, uma forma de alcançar respeitabilidade, prestígio, fama, dinheiro, em detrimento de uma busca mais fundamental e, para Bolaño, inegociável: a literatura que surge de um pacto existencial com a excelência poética, artística — o que para Bolaño, é importante dizer, não significava “escrever bem”, realizar uma obra “bem acabada” etc., mas sim ter a coragem de olhar o real, isto é, o desconhecido, o mistério, a morte, em suma, tudo o que mais nos inquieta e assusta.

Sua peça sugere um termo, “coragem”, como o sendo o substantivo essencial da prosa, da poesia e do ensaio de Bolaño. O que seria essa “escrita corajosa”?
Luiz Felipe Reis: Para Bolaño, viver e escrever exigiam uma única disposição humana: coragem. A coragem de olhar. De olhar o abismo e de mergulhar nesse abismo de olhos abertos e encarar seja lá o que você encontrar. Como ele disse em um dos seus escritos, a literatura é como uma arena com um samurai encarando outro samurai, mas que esse outro samurai não é um samurai, ele é um monstro, uma coisa, o desconhecido, forças supra-humanas, muito maiores e mais fortes do que cada um de nós. Em suma, o humano diante das forças monumentais do natural cósmico-terreno. Encontramos aí a dimensão trágica da existência, e o poeta, em Bolaño, toma para si essa ética do poeta trágico, de lidar e enfrentar a condição trágica da existência humana sem desvios e negação em relação ao real, ao incognoscível, ao incomensurável. 

Como a geografia afetiva de Bolaño, no espelho invertido a partir do qual sua peça o enquadra, reflete o Brasil?
Luiz Felipe Reis: Para Bolaño olhar o real significa, precisamente, inverter ou deslocar esse espelho que nos revela uma imagem enquadrada, estabilizada — o espelho da História e da Cultura oficiais —, e apontá-lo para outra direção, para que possamos ver a outra imagem, a imagem que falta. É tentar ver o que está fora de quadro, para além do quadro-imagem que o espelho histórico-cultural oficial reflete. Em outras palavras, tentar tornar visível-perceptível, na medida do possível, aquilo que é colocado na obscena, fora do campo das percepções.  Talvez mais do que inverter o espelho, Bolaño buscava, de fato, quebrar esse espelho, o espelho histórico-cultural, as imagens constituídas e normalizadas pelo poder e pelo status quo, mas não apenas estilhaçar esse espelho e, sim, furar de fato o espelho, produzir um furo na imagem para que possamos tentar — porque é sempre uma tentativa limitada — acessar/olhar o que está por trás da imagem que aparece à superfície — o reflexo do mesmo, a imagem duplicada, pleonástica. O que ele busca olhar/acessar — e através da sua obra nos convida fazer o mesmo — é o que está por trás do “espelho”, da imagem enquadrada pelo poder, o que está por trás dessa imagem, por trás do teatro de sombras da caverna de Platão. Esta é uma das grandes obsessões de Bolaño. O olhar como um dispositivo de perfuração e desestabilização do mundo das aparências, do “real aparente”, conformado em imagens estabelecidas pelo poder; imagens aceitáveis e reconhecíveis. Para ele, é este o gesto poético-político-existencial fundamental. A coragem do desvelamento, a vontade de olhar o real, sem desvio e negação. Com medo, sim, claro, às vezes trincando os dentes, mas sobretudo com desejo e com coragem. É aí que reside a operação ética-estética da sua obra e do seu imaginário: a metamorfose do olhar, ou seja, a mudança dos modos de ver, perceber e interpretar o real — a vida, a História, a nós mesmos etc. É assim, com esse olhar que questiona e desestabiliza a História e a Cultura oficiais, que ele olha para o Chile, para a América Latina e, portanto, acaba desvelando também algo do Brasil.

Como funcionou a dinâmica da direção de Renato Livera para fugir da mímese e criar um Bolaño próprio, seu, de você? 
Luiz Felipe Reis: Antes do trabalho de direção propriamente dito, há a pesquisa e o trabalho de imaginar que ator poderia trazer ao processo aquilo que a dramaturgia e o projeto da encenação requerem. Assim que se estabeleceu o fato de que meu antigo projeto de encenar o “2666”, iniciado em 2017, não seria mais viável, tive que pensar num outro caminho e, em novembro de 2023, surge esta nova premissa. Em vez de encenar “2666”, imaginar os últimos anos da vida do Bolaño, durante os quais ele lidava com o avanço de uma doença hepática crônica e, diante da iminência da morte, empenhava todas as suas energias à escrita e à tentativa de concluir a sua obra-prima final, “2666”. A partir daí compreendi que “Deserto” teria uma estrutura mais fragmentada, como se mergulhássemos num lugar que é um misto de memória, consciência e inconsciente poético do autor, em que cada cena seria algo como a irrupção de uma memória, a lembrança de uma situação ou experiência significativa da sua vida. É como se toda a peça fosse uma espécie de “filme imaginário”, aquele filme que se passa na tela mental de cada um de nós durante os segundos que separam a consciência de que vamos morrer e a consumação da morte factual.

Qual é o lugar da finitude nessa dinâmica?
Luiz Felipe Reis: A peça como um todo é uma espécie de ultra dilatação desses instantes que separam a compreensão de que se está morrendo e a morte. A partir daí comecei a ler e reler não só a obra literária e poética do Bolaño, mas também suas crônicas, notas, ensaios, entrevistas, conferências, certas etc.; e nesse mergulho compreendi que não buscaríamos representar Bolaño em cena, mas experimentar como o seu imaginário e sua criação poética afetariam um ator e ver o que o resultaria deste encontro.

Qual era a busca a ser empreendida por você e Livera no processo?
Luiz Felipe Reis: O que me interessava era ver, através do processo, como as palavras e o imaginário do Bolaño afetavam um corpo e uma subjetividade. Então a cada texto, em cada cena, as palavras de Bolaño ressoavam de uma determinada forma no corpo-subjetividade do Renato e nos levavam a uma certa direção, a uma resposta, a uma forma de performatividade muito específica. Então não trabalhamos com a noção de representação. Eu raramente trabalho nessa chave. Gosto de trabalhar a partir de uma chave performativa algo dialética, isto é: colocar em relação – em jogo, em atrito – um texto e um ator e, a partir daí, ver o que resulta desta fricção, que faíscas, que energias e formas se manifestam, irrompem, e a partir daí, claro, vem todo o trabalho de modelar e ajustar as qualidades, os estados, os tempos, ritmos e sonoridades da atuação. Nesse sentido, o que resulta é um Bolaño indissociável do performer e da pessoa Renato Livera.

A que amálgama você e seu protagonista chegaram?
Luiz Felipe Reis: O corpo de Renato, sua personalidade, suas memórias, tudo é atravessado pelas palavras do Bolaño e resultam numa terceira coisa, que não é nem só Bolaño e nem só Renato, mas o resultado dessa transfusão de energias. Trabalhamos no deslizamento contínuo entre essas duas polaridades complementares, Bolaño e Renato, pessoa e personagem, assim como em outros deslizamentos, como o trânsito entre o narrar e o atuar, em que, ao longo da peça, o Renato acaba sendo uma espécie de “narrator”, deslizando entre narração, representação e livre performance. Acima de tudo, o que há em cena é um corpo e uma subjetividade mobilizados por diferentes ideias, palavras, imagens e sons que afirmam a necessidade vital da criação poética e artística para a existência humana. Se a criação, a fabulação e a imaginação não fossem fundamentais à saúde do psiquismo humano, certamente tais disposições já teriam desaparecido ao longo da evolução. Acredito em boa medida na perspectiva de (Johan) Huizinga (linguista holandês), que propõe que, mais do que homo sapiens, somos homo ludens. Seres animados e mobilizados pelas forças e vontades de criação, e pelo ardente desejo de sermos maravilhados e encantados, como propunha (o filósofo francês Georges) Bataille.

Luiz Felipe Reis também é autor e diretor de “A Inútil Biografia De Um Homem Qualquer” (2014) e “Estamos Indo Embora…” (2015),.

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Eleito pelo The New York Times como um dos maiores romancistas do século XXI, pelas obras “Os detetives selvagens” e “2666”, Bolaño tem sua obra revisitada e recriada em DESERTO, a partir de uma dramaturgia que propõe uma reflexão coletiva “acerca das condições de possibilidade para a existência da poesia e dos poetas no mundo contemporâneo, em meio à ordem neoliberal vigente e suas inúmeras formas de violência”, diz o diretor.

Em cena, Renato Livera se aproxima da figura do escritor, emprestando corpo e voz às suas palavras, extraídas de obras emblemáticas como “A universidade desconhecida”, “2666”, “O gaúcho insofrível”, “Entre parêntesis” e “Bolaño por si mesmo”. A partir destes diferentes textos e materiais — poemas, crônicas, conferências, entrevistas —, DESERTO compartilha com o público suas reflexões autobiográficas e artísticas — sua relação com a escrita e com a poesia, com a História política da América Latina, com a violência do machismo e do sistema capitalista —, em suma: suas mais recorrentes preocupações éticas e estéticas, políticas e poéticas. Propondo um jogo de atravessamentos entre arte e vida, DESERTO olha para Bolaño e para seu compromisso com o fazer literário a fim de questionar qual o lugar da poesia e dos poetas em meio à violência do mundo contemporâneo.

“DESERTO reverbera o grande ponto de interrogação, de questionamento, que se encontra ao longo da obra de Bolaño, que se indaga continuamente sobre a viabilidade da poesia, ou da criação artística, em meio à disseminação da violência, da opressão e da devastação que marcam nosso mundo atual”, diz Luiz Felipe Reis.

Resultado de uma extensa pesquisa na obra de Bolaño,DESERTO aborda, sobretudo, os últimos anos de vida do escritor. Diagnosticado com uma doença hepática crônica, em 1992, Bolaño passou sua última década de vida lidando com uma doença de certa forma silenciosa, enquanto se dedicava à conclusão de obras como “2666”, sua obra-prima final, e “O gaúcho insofrível”, sua última coleção de contos. Neste sentido, DESERTO acompanha um poeta diante da morte — enquanto aguarda um transplante de fígado —, porém afirmando, até o fim, a vida em contínua criação.

“Toda sua trajetória, e sobretudo seus últimos anos de vida representam, de certa forma, a batalha cotidiana dos artistas no mundo contemporâneo, uma luta contínua contra diferentes forças de restrição e de opressão, contra o processo de desertificação das subjetividades e de desvitalização do imaginário a que estamos sendo submetidos pelo mundo neoliberal e digital”, diz o diretor. “Sua obra, assim como nossa peça — ao menos é o que esperamos —, apresentam o que chamo de contra-cenas ao estado atual do mundo, ou seja, cenas que se levantam criticamente e propositivamente em relação ao estado atual do mundo, em ao estado desértico a que o mundo ruma, à disseminação irrestrita do horror e das forças de destruição que se alastram e englobam a Terra: violência neoliberal, necropolítica, ecocídio, feminicídios, fascismos e autoritarismos que vicejam por todos os lados, nas Américas e além”.

Ao passo que acompanha de perto a etapa final da vida do escritor, DESERTO também é atravessado por flashes de diferentes momentos da impressionante jornada de vida de Bolaño, que saiu do Chile para o México aos 15 anos, atravessou as Américas para retornar ao Chile nos anos 1970, mas após o golpe em Salvador Allende, em 1973, retorna ao México para, então, se fixar de vez na Espanha a partir de 1977. DESERTO é a recomposição de rastros dessa aventura, e recria em cena passagens importantes desta trajetória, marcada por seu espírito inquieto e contestador, inconformado com a opressão das normas, das injustiças e com a violência humana.

DESERTO, por fim, reflete a aventura de ser poeta em meio a um mundo globalmente colonizado e dominado pelo imperativo dos números e do lucro, da utilidade e da eficácia a serviço do capital; um sistema de mundo marcado pela exploração e pela devastação de tudo que é vivo. Por sua vez, em contraponto a esta pragmática e destrutiva lógica de mundo, Bolaño se afirma, através da sua vida e sua obra, como um poeta e um cidadão pactuado com Eros e com o Cosmos, ou em outras palavras: com as forças de criação.

“Sua obra e sua vida afirma uma ética, uma forma de existência: Bolaño enxerga a poesia, a aventura poética, como uma forma de vida, como uma forma de escapar e de se contrapor ao conjunto de normas e hábitos, muitas vezes opressores, impostos pelo regime totalitário do capitalismo em sua forma contemporânea, neoliberal, marcada pela intensificação do desamparo, dos conflitos, do sofrimento psíquico, da exaustão ambiental, em suma, pela desertificação de tudo que é vital e fundamental à vida”, diz o diretor. “DESERTO é, em boa medida, uma contra-cena que se levanta contra o atual processo de desertificação e de desvitalização dos nossos corpos e subjetividades, e que afirma a poesia como uma forma de vida: mais lúdica e criativa, e que potencializa, acima de tudo, a viabilidade da nossa existência”.

Atualmente, pode-se dizer que Roberto Bolaño já é reconhecido como um verdadeiro “clássico contemporâneo”, mas ainda hoje, no Brasil, sua obra é menos conhecida e lida do que se pode imaginar. Ao recriar em cena fragmentos da vida e da obra do autor, DESERTO pretende contribuir para a difusão da obra de Bolaño no país e atuar, também, como porta de entrada ao fascinante universo literário do autor de “Os detetives selvagens” e de “2666”, considerado por muitos o maior expoente das letras latinas desde o grande boom dos anos 1960-70 que apresentou ao mundo nomes como Gabriel García Márquez, Julio Cortázar, Carlos Fuentes e  Mario Vargas Llosa.

Serviço:

Local: Teatro Firjan SESI Centro – Avenida Graça Aranha nº 1, Centro.

Temporada: 05 de setembro a 06 de outubro de 2024, quintas e sextas às 19h, sábados e domingos às 18h

Classificação indicativa: 16 anos

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