Farol dentro da ilha em que esse dedicado professor de Redação transformou seu corpo, beirando cerca de 200 quilos e isolando-se do mundo, Melville cunhou a frase ideal pra quem ensina o verbo “perseverar”: “É melhor falhar na originalidade do que ter sucesso na imitação”. É o que Charlie diz a estudantes via Zoom, sem ligar a câmera de seu computador, alegando falha no hardware. A fala vem da incapacidade que ele tem em se aceitar. Em aceitar a dor que o levou à condição retratada no inquietante “The Whale”, título original do drama de Hunter, que virou filme – e que filme! – em 2022, pelas lentes (geniais) de Darren Aronofsky. 

Foi o mais encantador de todos os concorrentes ao Oscar de 2023, sobretudo pela forma como seu protagonista, Brendan Fraser, imola-se diante da câmera. Talvez por sua magnitude, ver a forma como José de Abreu se sai no mesmo papel é algo tentador. Fraser foi um ídolo para quem adolesceu ou iniciou a vida adulta na década de 1990, sobretudo depois de “George da Selva” (1997) e “A Múmia” (1999). 

Viveu um estrelato gigante e decaiu, atomizado por uma série de conflitos pessoais e profissionais. Quando ganhou a estatueta de Hollywood, há dois anos, por seu desempenho como Charlie, disse “Isso aqui é o multiverso!”, sem acreditar no próprio comeback. Sua vitória carregava a mítica da redenção. Sua interpretação tinha mel, apesar de todo o fel de Charlie. 

Aliás, a montagem brasileira conta com tradução e direção de Luís Artur Nunes, e atuação colossal de José de Abreu. Estamos diante de um dos mais talentosos atores do Brasil (e em qualquer mídia), que ajudou a fazer de “Antes Que Eu Me Esqueça” (2017) e de “Anjos do Arrabalde – As Professoras” (1987) filmes seminais. Seu Charlie não requer comparações com o de Fraser. Eles não se eclipsam. Cada um é astro num sistema solar próprio, que tem na carpintaria dramatúrgica de Hunter seu sol.  

O que dói em Charlie não são os quilos da obesidade mórbida que estão conduzindo-o para a morte, conforme a amiga e enfermeira Liz (Luisa Thiré, numa afetuosa composição) alerta. O que lhe dói é a incapacidade (aparente) de fazer com que a filha com quem ele pouco tinha contato, Ellie (Gabriela Freire), possa se aceitar no turbilhão hormonal de sua adolescência. A culpa que Charlie carrega , certamente, não vem da escolha de ter deixado seu casamento com a mãe de Ellie, Mary (Alice Borges, em radiante participação), para se casar com um ex-aluno por quem se apaixonou. A culpa em seu peito entupido de colesterol vem do fato de não ter conseguido fazer o rapaz, seu amado, aceitar-se, livrando-se de todas as ataduras moralistas de seu culto religioso. 

O tal culto volta a bater em sua porta, agora que sua saúde está com o prazo de validade contado, na figura de um missionário (Eduardo Speroni), num momento em que Ellie reaparece, pedindo ajuda em Gramática. É um momento no qual a foice do excesso parece pesar sobre sua cabeça.

No cinema, “excesso” é a palavra mais essencial para entender a adaptação da grafia teatral de Hunter, uma vez que sua versão para as telas é esculpida por Aronofsky, o diretor de “Cisne Negro” (2010). Desde 1998, quando rasgou cartilhas de convenções cinéfilas ao lançar “Pi”, ele concretizou uma reputação singular como “O” cronista de tudo o que é excessivo. Do excesso de entorpecentes (em “Réquiem Por Um Sonho”) ao excesso de vaidade (abordado no estonteante “The Wrestler – O Lutador”, que lhe rendeu o Leão de Ouro em 2008), Aronofsky fala sobre pessoas no limite do aceitável, no transbordamento de seus desejos, no limiar do tolerável. A saúde de Charlie não tolera mais nenhuma das asinhas de frango frito que ele devora, nem as fatias de pizza gotejantes de óleo que adora. Exceder-se é uma forma de ele se proteger e superar obstáculos.

Não existe esse traço do “excesso” em Luís Artur Nunes, um meticuloso pensador do espaço cênico. Em seu histórico autoralíssimo na direção, ele traduziu a gravidade moral que nos empuxa e nos aterra a partir de soluções gráficas requintadas, vide sua montagem de “A Mulher Sem Pecado”, em 2000, e seu cartunesco “A Vida Como Ela É” de 2002. Seu “A Baleia” se preocupa mais com alianças, as possíveis e as derradeiras. O Melville citado por Hunter dizia: “Acredito que meu corpo não passa de um abrigo para meu melhor ser. Na verdade, que leve meu corpo quem quiser, pois ele não é quem eu sou”. É do sentido existencialista da palavra “ser” – no caso, “ser pai” – que “A Baleia” de Luís Artur fala, lindamente. 

Nos afluentes em que o verbo viver se mete (ou se perde), a paternidade pode ter um peso de Moby Dick e esmagar relações partidas. Pode também, contudo, ter a leveza que o mamífero aquático de Melville por vezes demonstrava e transformar abraços em abrigos. Nessa bifurcação de caminhos, Luís Artur opta por águas quentes, de afetuosidade e de reconciliação. No borbulhar delas, José de Abreu inscreve sua atuação na Eternidade, na luz outonal da iluminação de Maneco Quinderé. Luz que nos inebria.  

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