A peça autoficcional, “Aqueles cartões que guardei comigo” , narra a jornada de uma atriz em uma sala de ensaio, onde sua trajetória se desdobra entre o cômico e o trágico, a partir das memórias que moldam nossas relações. Ao explorar os aspectos mais íntimos de sua história, a personagem confronta a perda de memória progressiva de seu avô. O espetáculo nasce da necessidade da atriz de externalizar suas questões ao descobrir a condição de seu avô. É, certamente, um mergulho no imaginário coletivo sobre o que escolhemos guardar e sobre o que um dia, inevitavelmente, não poderemos mais.

A peça gira em torno de uma personagem que revisita objetos esquecidos, usando de fragmentos de um passado que insiste em escapar. À medida que tenta reconstruir histórias e nomes, o público é conduzido por um emaranhado de lembranças tênues, silêncios e lacunas. A perda da memória, aqui, não é apenas um esquecimento clínico, mas um processo emocional de desvanecimento da identidade, dos afetos e dos vínculos. Um espetáculo sobre o que se perde  e sobre o que, misteriosamente, insiste em permanecer.

“Essa peça é uma tentativa de resgate, de atravessar o diagnóstico do meu avô por meio das memórias que compartilhamos e que permanecem vivas em mim. O ponto de partida para essa história foram os cartões que sempre recebi, especialmente dos meus avós, em todo tipo de data comemorativa. Neles, pequenos mundos se abriam, carregados de histórias e momentos especiais que vivemos juntos. Esses cartões se tornaram o fio condutor para falar sobre o que permanece, quando tudo o mais se desfaz,”, afirma Laura Vaz.

SERVIÇO: De 24 de maio a 29 de junho / Local: Teatro Cândido Mendes Endereço: Rua Joana Angélica, 63 – Ipanema / Classificação etária: 12 anos / Ingressos pela Sympla

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Com uma abordagem leve e divertida, a obra nos convida a refletir sobre os rótulos que limitam as pessoas à medida que envelhecem. Através dessa trama, o espetáculo ousa quebrar barreiras intelectuais ao desmistificar o gênero da comédia, demonstrando que ela pode ser um poderoso instrumento de transformação social. Ao criar uma identificação profunda, entre a personagem de ficção e a realidade dos espectadores, “MODERNINHA promove uma reflexão sobre o cotidiano de uma mulher, que alcançou a terceira idade, e vive a experiência de ser avó. 

As reflexões, conclusões e pensamentos, que emanam da personagem de Rosane Gofman, ressoam com o público de todas as idades, tocando o coração daqueles que já passaram por situações semelhantes, com suas próprias famílias e amigos.

“Ao desvendar a humanidade, nas experiências da terceira idade, a peça consegue conectar-se profundamente com cada indivíduo, presente na plateia. “MODERNINHA é uma jornada cativante, que nos lembra que as limitações impostas pela sociedade, não devem determinar quem somos, independentemente da idade. Com a dose certa de humor e emoção, a peça nos ensina a valorizar a autenticidade, e a importância de abraçar quem realmente somos, desafiando estereótipos e inspirando uma nova visão, sobre o envelhecimento e as relações familiares.

SERVIÇO: Temporada: de 22 de março a 6 de abril de 2025 / Horários: sábados e domingos, 18h30 / Local: Teatro Fashion Mall – Sala Rosamaria Murtinho Endereço: Estrada da Gávea, 899, 2 piso, São Conrado / Ingressos pela Sympla

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“” “Sidarta é um desses projetos que te chamam para algo a mais do que a criatividade artística puramente dita. É um chamado também espiritual. Foi assim que recebi o convite do Angel Ferreira para estar junto. E como a espiritualidade está ligada a um movimento interno de conexão que vai para além de nós mesmos, entendemos que o resultado que tivemos com a iluminação seguiu o princípio desse sopro, dessa troca, da escuta e da generosidade. É uma luz muito simples, mas ela habita e dá lugar à imensidão da história contada. Isso foi reconhecido e resultou na indicação, a qual agradeço imensamente ao Angel, ao João Gioia e à Thatyane Calandrini. Sem esse coletivo inspirado e inspirador, nada disso teria acontecido”, comenta Livera.

A peça, ambientada na Índia no período de vida do Buda histórico, é livremente inspirado no livro homônimo de Hermann Hesse, vencedor do Prêmio Nobel de Literatura, que narra, de forma ficcional, uma viagem que o próprio autor realizou em sua juventude, abarcando temas de valor existencial e mergulhos na ambiguidade entre os pólos sagrado-profano, sucesso-fracasso, prazer-privação, solidão-pertencimento.

SINOPSE – Nesta história, acompanhamos Sidarta, inteligente filho de Brâmane, a deixar a casa dos pais. Seguido por seu melhor amigo, Govinda, ambos aderem aos samanas, vertente espiritual que busca a iluminação através da mortificação do corpo. Em seguida, desconfiado e desiludido com as doutrinas, Sidarta conhece o próprio Buda e dele também se afasta, determinado a encontrar seu próprio caminho ou a morte. Estabelece relação com uma cortesã da cidade, torna-se comerciante, embrenha-se no vício e no materialismo, para novamente deixar tudo para trás e retornar à simplicidade, junto a um barqueiro que se revela um mestre e amigo. Continuamente, encontramos ao longo do texto dramaturgias de aprisionamento e libertação, que descortinam suas ilusões e aprofundam sua subjetividade.

O espetáculo fica em cartaz de 7 de março a 27 de abril, com sessões de quinta a sábado, às 20h, e domingo, às 19h. Os ingressos estão disponíveis no Sympla ou na bilheteria do teatro.

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No aniversário de 500 anos de Luis de Camões, foi a peça de um brasileiro que roubou a cena em Portugal. Gregorio Duvivier, que não estreava uma peça nova há cinco anos, fez essa peça pra homenagear sua língua-mãe. Encontrou, ao fazer a peça, uma legião de pessoas que compartilham dessa paixão. “Gregorio Duvivier é um artista completo, no sentido mais renascentista do termo”, disse Miguel Esteves Cardoso, o maior cronista de Portugal, no jornal O Público.

“A poesia é uma fonte de humor involuntário, motivo de chacota”, reconhece o ator, que cursou a faculdade de Letras na PUC do Rio de Janeiro e publicou três livros sobre o gênero literário. “Escrevi uma peça que pode ajudar alguém a enxergar melhor o que os poetas querem dizer e, pra isso, a gente precisa trocar os óculos de leitura”. 

A direção é da atriz Luciana Paes, parceira de Gregório no espetáculo de improvisação “Portátil”. Se no seu solo anterior, “Sísifo” (2019), escrito junto com Vinicius Calderoni, Gregório subia uma grande rampa dezenas de vezes, agora, o que se tem é uma encenação desprovida de qualquer cenário. 

No palco, totalmente limpo, o instrumentista Pedro Aune cria ambientação musical com o seu contrabaixo, e a designer Theodora Duvivier, irmã do comediante, manipula as projeções exibidas ao fundo da cena. O resto é só o comediante e sua devoção pelas palavras. “Acredito que o Gregório tem ideias para jogar no mundo e, com essa crença, a coisa me move independentemente de qualquer rótulo”, diz Luciana, uma das fundadoras da celebrada Cia. Hiato, que estreia na função de diretora teatral.  

“O Céu da Língua” não é um recital. Por outro lado, garante Luciana, a dramaturgia de Gregório não deixa de ser poética. “O stand-up comedy aqui é uma pegadinha pra falar de literatura”, como ela bem define. “A peça fica na esquina do poema com a piada”, arremata o ator.

Serviço: de 6 a 24 de fevereiro de 2025./ Local: Teatro Carlos Gomes / Ingressos em RioCultura

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Misturando elementos autobiográficos e ficcionais, a peça, que já na escolha do título faz referência a uma situação vivida com o seu nome de batismo – e que é explicada em cena -, apresenta um monólogo íntimo, costurado a algumas canções, entre hits e paródias, cantadas e tocadas ao vivo, marcando transições importantes da narrativa, onde o autor recria personagens que representam figuras significativas nas duas primeiras décadas da sua vida, mantendo, ao mesmo tempo, a privacidade de sua própria história.

Com uma abordagem sensível e profunda, a obra convida o público a refletir sobre a importância da autocompreensão e do existir de cada um. “Meu Remédio” destaca como o nome, muitas vezes imposto, carrega histórias que conectam o indivíduo ao passado e iluminam seu futuro, e convida a todos a olhar para dentro, entender melhor a própria caminhada e perceber como a arte pode ser um remédio. A peça é uma mistura de comédia e drama, resultado de um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar momentos de sua própria trajetória, especialmente sua relação com seu nome e sua herança cultural.

Com “Meu Remédio”, Mouhamed Harfouch celebra 30 anos de carreira e transforma um projeto profundamente pessoal em uma expressão artística única, tanto no palco quanto fora dele.

Em “Meu Remédio”, que ele se reinventa, assumindo diversas funções e se desafiando na autoexposição. O espetáculo traz à tona questões do universo árabe, relembra episódios importantes que fizeram parte de sua jornada e revela, de forma sincera e orgânica, o impacto de suas escolhas em sua trajetória profissional e na vida pessoal.

“‘Meu Remédio’ nasce da minha vontade de entender e compartilhar a relação com o meu nome, com minha história de vida, com a mistura de culturas que carrego. Sou filho de imigrantes – sírios por parte de pai e portugueses por parte de mãe. Crescer com um nome tão emblemático em um Brasil dos anos 70, em que o preconceito e a dificuldade de aceitação eram muito presentes, não foi fácil. A peça é uma comédia, mas carrega uma reflexão sobre aceitação e pertencimento, sobre entender que, muitas vezes, o maior remédio é aceitar quem somos”, explica Harfouch, que busca, com o espetáculo, tocar o coração do público ao falar sobretudo, como cada ser é único e especial em sua individualidade, origem e essência.

Embora a ideia de levar “Meu Remédio“ aos palcos tenha surgido há dois anos, uma inquietação sobre o tema já acontecia desde a novela “Órfãos da Terra”. Durante as gravações, Harfouch foi levado a olhar mais profundamente para sua própria história, sua relação com o pai e com os muitos imigrantes que o cercam. Esse desejo de explorar sua ancestralidade e as dificuldades vividas ao lidar com seu nome e identidade se intensificou ao longo das apresentações da peça “Quando Eu For Mãe Quero Amar Desse Jeito”, estrelada ao lado de Vera Fischer. A reflexão do ator durante a turnê foi o impulso que consolidou a ideia do monólogo e depois de meses de escrita, finalmente, o projeto tomou forma, desafiando-o para além da atuação solo.

A decisão de assumir a produção do monólogo, que é um dos maiores desafios da sua carreira, foi um passo corajoso. “Meu Remédio” não é apenas uma obra autoral, mas também o reflexo de sua visão como criador. “Já tinha produzido no começo da minha carreira, mas agora, com mais maturidade, me senti mais preparado para enfrentar esse desafio. Produzir e atuar ao mesmo tempo é uma tarefa árdua. A maior dificuldade foi lidar com as duas funções e ainda me manter fiel à ideia que queria transmitir. Mas, com o apoio de grandes amigos e parceiros como Tadeu Aguiar e Eduardo Bakr, senti que tínhamos força para fazer isso acontecer”, revela ele, que viu na soma de funções um grande desafio ao ter que equilibrar seu tempo entre o papel de ator e o de produtor.

Já a parceria com o diretor João Fonseca foi outro pilar fundamental para tirar o sonho do papel. Com vasta experiência à frente de obras biográficas, a exemplo dos Musicais sobre a vida de Tim Maia, Cazuza, Cássia Eller, Elvis Presley e Tom Jobim, a condução do criativo trouxe à cena a delicadeza necessária para que o espetáculo equilibrasse o tom de comédia e a profundidade emocional da história. “João Fonseca é um amigo e um grande diretor. Ele segurou a minha barra de maneira sensível e honesta, e acreditou no meu projeto desde o início. Sem ele, não sei se teria conseguido fazer essa transição entre o autor e o ator de forma tão tranquila”, comenta ele sobre Fonseca, com quem repete a parceria afinada em “Homem de Lata“, monólogo online criado durante a pandemia.

 “Um nome nunca é só um nome. É uma jornada, fala dos que vieram e dos que virão. Poder enxergar melhor os caminhos de fora e nossos desejos é algo que me move. ‘Meu Remédio’ foi um ponto de partida, pois aceitar quem somos é curativo e a arte salva”, finaliza.

SERVIÇO: Temporada: 10 de janeiro a 16 de fevereiro  / Sessões: Quinta a Sábado 20h | Domingo 19h / Local: Teatro Ipanema Rubens Corrêa (Rua Prudente de Morais, 824 – Ipanema) / Ingressos Bilheteria Local e site Eleven Tickets: https://riocultura.eleventickets.com / Classificação: 10 anos

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Nessa terceira e última parte de “Os Sertões”, Euclides criou uma simbologia poderosa, abandonando a linguagem acadêmica para traduzir jornalisticamente uma guerra de ideias: a luta entre as forças republicanas, que traziam a modernidade, contra o obscurantismo religioso, que alicerçava a monarquia; os brasileiros do litoral contra os do interior; as elites contra o povo; a fé contra a razão, para concluirmos que os dois lados acabaram se unindo pela intolerância e a violência. 

O personagem conta, em uma longa prosa épica, as batalhas ocorridas em Canudos, em 1896, entre os homens e mulheres chefiados por Antônio Conselheiro e as forças militares da República, recém-proclamada no Brasil (1889). Aliás, Lorenzo foi indicado aos prêmios Cesgranrio e Fita de Melhor Ator pelo trabalho.

Os rapsodos cantavam a Ilíada e a Odisseia, de Homero, mantendo essas longas epopeias vivas pela fala e a memória, antes de poderem ser escritas. Da mesma maneira, podemos imaginar a Guerra de Canudos, segundo a visão de Euclides da Cunha, sendo narrada por um “contador de história” diante de uma plateia. Um só ator, usando a fala e o corpo, conta as sucessivas investidas do exército brasileiro contra o arraial e a reação de seus habitantes. 

“Este texto fala da construção da identidade brasileira. O que me impressiona na obra do Euclides da Cunha é a riqueza de detalhes. É como se você sentisse o cheiro daquela guerra, você sentisse o cheiro daquelas pessoas. E nossa adaptação tem o objetivo de levar essa narrativa poderosa a mais gente. Muitos vão ao teatro porque me conhecem pela televisão, mas acabam tendo uma aula de história, e se emocionam. Quando a gente entende de onde veio, tem mais possibilidades de construir um futuro melhor”, analisa Amaury Lorenzo.

“O espetáculo “A Luta” retrata um momento em que duas narrativas que sempre permearam nossa história entraram em conflito: o obscurantismo religioso e a prepotência militarista. É uma guerra arquetípica, mitológica, portanto será sempre atual para entender a formação do Brasil. É uma peça para nos questionar enquanto sociedade. O retumbante fracasso dos dois lados, a violência sem sentido de ambas as partes, é o resultado da nossa triste ignorância, que infelizmente perdura”, descreve a diretora Rose Abdallah.

Serviço: Datas: 11 e 12 de janeiro. / Dias e horários: sábado, às 21h, e domingo, às 20h30 / Local: Teatro Clara Nunes (Endereço: Shopping da Gávea, Rua Marquês de São Vicente, 53, loja 370) / Classificação: 14 anos/ Duração: 1h /Ingressos: https://bileto.sympla.com.br e na bilheteria / Instagram: @a.luta.espetaculo

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Quem se lembra do próprio nascimento? Ninguém. Mas eu me lembro do meu. Lembro de todos os detalhes do meu nascimento e da minha infância. E posso garantir: eu era muito mais feliz antes de nascer! Vida boa era a minha quando eu estava guardado ainda dentro da minha mãe! Silêncio, sossego, serviço de quarto… Aqui fora: barulho, bagunça, bando de ladrões… Eu me sinto exilado no mundo. Mas se viver não tem remédio, temos ao menos o consolo da comédia.

Serviço:
Temporada: De 03/01/2025 à 23/02/2025 – Sexta às 20:00h, Sábado às 20:00h, Domingo às 19:00h
Local: Teatro das Artes (Rua Marques de São Vicente, 52 – Gávea)
Classificação Indicativa: 16 anos
Ingressos em Divertix
Duração: 75 minutos

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O monólogo surge da tese de doutorado de Tatiana Henrique, articulando História e Filosofias Africanas da Arte e História do Teatro Africano, fundamentado no Teatro Ritual de Máscaras. E o palco para a celebração da dádiva dos saberes ancestrais que vivem ao longo dos tempos é o Teatro Ruth de Souza, no Parque Glória Maria.

Nele, a encenação, a dramaturgia e o pensamento crítico se fundem em uma palestra-performance onde Òrò parte de um ìtàn (lenda ou mito africano) que conta sobre o início de tudo e do nada. Oludumare (a Força da Criação para o pensamento iorubano) sugere que Ogbon (a sabedoria), Oye (o conhecimento) e Imó (a compreensão) venham viver na Terra. Ao fazerem isso, as três forças se juntam em uma força maior nomeada Òrò: a palavra, que antes mesmo de ser enunciada, já é potência de tudo que poderia vir a ser criado. 

Como define Tatiana Henrique, que dirige, produz e atua no espetáculo: “Òrò traz o poder da palavra na cultura iorubá e como ela se relaciona com as artes cênicas, fazendo dessa relação, uma ponte do Brasil com o continente africano”. Com o objetivo de repovoar o imaginário, ampliando a dimensão simbólica das filosofias de matrizes africanas, o monólogo tem classificação livre e intérprete de LIBRAS, e se coloca como um convite a todos que desejam uma experiência repleta de ancestralidade e saberes.

Serviço: Datas: 23, 24 e 30 de novembro; e 01, 07 e 08 de dezembro / Horários: sábados às 19h, domingo às 17h / Local: Teatro Ruth de Souza Parque Glória Maria (Rua Murtinho Nobre, 169, Santa Teresa) / Ingressos à venda na bilheteria do teatro

Classificação livre

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O Espaço Abu, em Copacabana, recebe a encenação de outro trabalho da autora, o conto Senhor Diretor – extraído do livro Seminário dos Ratos, de 1977. Protagonizada por Analu Prestes, a adaptação é realizada pela diretora Silvia Monte, que desde março está à frente, no mesmo espaço, do ciclo mensal Leituras em Cena. O programa com leituras dramatizadas de textos literários, sempre nas últimas terças do mês, ganhou em agosto uma edição especial dedicada à obra de Lygia, que, assim como o espetáculo, segue até novembro.

“Ao reler os contos de Lygia para a programação de Leituras em Cena, me deparei com Senhor Diretor e pensei imediatamente na Analu Prestes para viver a heroína da história. E foi exatamente o desejo de possibilitar o encontro de duas grandes artistas brasileiras amantes da palavra – Lygia e Analu – que me fez querer encenar esta obra”, celebra Silvia Monte, que convidou a atriz para a leitura deste conto, em maio, e o arrebatamento da plateia foi o incentivo final para a montagem do espetáculo.

“Ao ler esse conto, fiquei completamente fascinada. E uma das coisas que me encantou nesse projeto foi trazer a literatura para a cena. Primeiro porque as pessoas vão entrar em contato com uma grande autora e ficar com curiosidade de pesquisar mais sobre a obra dela. E ao levar uma obra literária à cena, você estimula o público, mesmo quem não tem muito o hábito de ler, a mergulhar na literatura, o que é maravilhoso”, vibra Analu.

No cenário minimalista composto apenas por uma cadeira e assinado por Analu Prestes (assim como o figurino), a professora aposentada Maria Emília passeia pelas ruas de São Paulo no dia de seu aniversário de 62 anos e se choca ao avistar a capa de uma revista na banca de jornal com um casal seminu enlaçado, estopim para sua indignação com o caos em que vê a sociedade mergulhada. Decide, então, escrever uma carta ao diretor do Jornal da Tarde para expor sua revolta e, à medida em que mentalmente elabora a carta, tem seu pensamento disperso entre recordações e impressões sobre os acontecimentos à sua volta.

“Senhor Diretor tem um elemento que me encanta, é a forma bem-humorada e leve que Lygia aborda temas profundos como solidão, juventude e envelhecimento, vida e morte. Uma mulher que, aos 62 anos, em 1977, no dia do seu aniversário, pensa sobre a sua vida casta e fiel a tudo que lhe ensinaram como a vontade de Deus. Mas, seria mesmo?”, provoca Silvia.

No intimista Espaço Abu, de apenas 40 lugares, a proximidade da plateia com a cena é um dos trunfos da montagem, segundo a diretora: “Assim como nas leituras, será possível criar uma maior cumplicidade e reforçar o clima de testemunho da personagem com os espectadores, todos transformados no Senhor Diretor”. Também a iluminação de José Henrique Moreira e a trilha incidental assinada por Yahn Wagner pontuam a história reforçando momentos importantes da trama.

SERVIÇO:

Temporada: de 04 de outubro a 10 de novembro

Sessões: sexta a domingo, às 20h

Ingressos na bilheteria e online: sympla.com.br

Classificação indicativa:  14 anos

Local: Espaço Abu Endereço (Av. Nossa Sra. de Copacabana, 249 – loja E – Copacabana)

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Assim como a peça original, o espetáculo combina teatro e dança para construir uma narrativa delicada e bem-humorada sobre a potência transformadora da arte. Em cena, além de Odette, Juliana interpreta outras cinco personagens que se revezam entre as memórias da protagonista. A encenação acontece de forma que o jogo criado em cena é construído apenas pela atriz e uma cadeira, e convida o espectador a explorar a imaginação de forma lúdica. 

‘Estar sozinha no palco também é um símbolo de como a própria Odette experiencia a solidão desse conflito. A minha história é um pouco diferente da dela, mas carrega muitas semelhanças, como a minha saída de casa para me tornar artista, o balé clássico na infância e a negligência de parte dos meus familiares ao tomarem conhecimento da violência que sofri. O texto traz esperança e um olhar muito corajoso para a dor, tudo isso passando também por momentos de humor. É uma maneira muito equilibrada de falar de assuntos tão delicados. A gente tira o protagonismo do abusador e do abuso em si e o transfere para a jornada pessoal que existe em olhar para si mesma’, afirma Juliana.

A ideia de montar o espetáculo nasceu em 2019 depois que Juliana assistiu ao filme ‘Inocência Roubada’, adaptação do texto original para cinema. ‘Eu lembro de ter saído do cinema leve. A temática poderia ter sido um gatilho pra mim, mas senti que, ao invés disso, o filme me deu uma nova percepção sobre o que vivi, bem mais acolhedora e conciliatória comigo mesma. E é essa a percepção que eu quero levar para outras pessoas com esse projeto a partir de agora’, relata a atriz.

Inspirada na vida da própria autora, a obra estreou na França em 2014, e foi ovacionada pela crítica ao receber importantes premiações como o Prêmio Molière de melhor solo. Dez anos após sua estreia, a peça encontra eco na intenção de Juliana de contar essa história também nos palcos do Brasil, com uma equipe criativa inteiramente feminina. 

A diretora Lisa Eiras enxerga a peça como uma proposta de superação. ‘Eu acho que a arte pode apresentar, assim como a dança foi pra personagem, uma alternativa de como lidar com a dor. Acredito no teatro como um lugar potente para apontar caminhos possíveis para seguir em frente, expandindo nosso imaginário’, declara Lisa.

SERVIÇO: Temporada: 03 de outubro a 03 de novembro (exceto dias 24 a 27 de outubro) Dias da semana: De quinta a domingo/ Horário: Quinta a sábado, às 19h | Domingo, às 18h Local: Teatro II do Sesc Tijuca (Rua Barão de Mesquita, 539) / Classificação indicativa: 16 anos Duração: 60 minutos

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