Durante o espetáculo as crianças vão aprender que os alimentos precisam de água limpa, terra boa, sol, que abelhas, vespas, borboletas, pássaros, morcegos, contribuem para a transferência do pólen, e que fertilizantes são veneno! E no final da peça descobrirão que as pessoas também precisam ser temperadas; com alegria, amor, paciência, etc.

A dramaturgia de “Piquenique” é baseada nas histórias populares e nos contos antigos como Barba Azul, Nariz de prata e tantos outros onde heroínas lutam contra aqueles que querem ditar o destino delas.

Uma mesa de piquenique, montada em um jardim, serve de cenário para criação dessa história. O público vai construindo em seu imaginário, junto com os atores, as imagens dessa aventura que ganha forma entre frutas, cores, comidas, objetos do cotidiano e projeção de sombras. Aos poucos no avançar da narrativa, vão se construindo outros significados num jogo teatral expressivo, onde as coisas podem tomar a forma que a imaginação quiser.

Dirigido pelo diretor e doutor em teatro Flavio Souza, que tem uma vasta experiência em encenar literatura para o teatro, o espetáculo tem um caráter extremamente visual, buscando a criação de um universo lúdico que transporte o imaginário do público infantil, além de investir em temas relevantes aos pequenos, partindo de um mergulho no universo lúdico de um piquenique. Um músico estará em cena com os atores.

Serviço De 11 a 26 de julho, sábados e domingos às 11:30h / Teatro Petrobras Futuros – Arte e Tecnologia Rua Dois de dezembro, 63, Flamengo, (próximo ao Metrô Largo do Machado) / Ingressos: Vendas antecipadas pelo SYMPLA

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Sobre o filme, ele conta que seu personagem é inspirado em seu avô, um homem com muitas tatuagens, que sabia cantar, além de ser homem carinhoso e corajoso. “Ele era um homem que não tinha medo de chorar em frente a família”, conta.

Sobre Catherine Laga’aia (Moana), ele conta que ela tia 17 anos quando filmaram o longa, aliás, esse é seu primeiro longa, foi sua estreia, literalmente. Ele ressaltou que ela foi maravilhosa em cena e que ela se entregou totalmente. “É muita pressão, eu estou muito orgulhoso dela”, enfatizou.

Sobre o numero musical de “Welcome”, musica que ele canta, Dwayne conta que foi filmado em 2 semanas. “Por ser um live action, gostaríamos de fazer melhor essa sequencia, e, de fato, foi uma realização por poder fazer melhor que na animação”.

Dwayne Johnson conta sobre Maui

Sobre Maui, The Rock contou, “Eu faço esse personagem há alguns anos, eu, certamente, sei as batidas da animação, então, dar vida à ele, é surpreendentemente, um grande diferença emocional para mim. Eu aprendi muito comigo nessa jornada, é uma experiência de vida maravilhosa como ator. Eu me dei conta que fazer esse personagem, dez anos depois, é especial para mim. Tem um momento no filme que Maui se revela vulnerável e conta que quando era um bebê, foi deixado ao mar, é algo pesado e o que deixa muito vulnerável, mas ele não quer demostrar isso porque ele um Semi Deus, mas quando ele realmente se abre seu super poder aparece e ele fica mais forte”. Além disso, o ator também contou que suas filhas aparecem no filme muito rapidamente.

Depois de uma coletiva de imprensa animada, com direito a confirmação de um terceiro filme da franquia Moana, a lha Fiscal recebeu o lançamento oficial da turnê global do live-action de MOANA. Durante um evento exclusivo para fãs, Dwayne Johnson animou o público com uma participação especial que encantou todos os convidados presentes.

Dwayne Johnson, obviamente, foi a grande atração do tapete azul, onde concedeu entrevistas à imprensa e interagiu com os fãs. Como parte central da passagem da tour pelo país, o evento também contou com diversas atividades temáticas que transportaram os convidados diretamente para o universo do longa, inspirado no Pacífico.

Prometendo uma experiência cinematográfica visualmente espetacular, a adaptação de MOANA convida o público a redescobrir as lendas e a magia do Pacífico. A história acompanha Moana (Catherine Laga’aia), a corajosa herdeira de Motunui, que, ao aceitar uma missão confiada pelo próprio oceano, embarca em uma perigosa jornada ao lado de Maui (Dwayne Johnson) para quebrar uma antiga maldição. O longa celebra as culturas do Pacífico e apresenta figurinos ricos em detalhes, inspirados no patrimônio cultural da região, além de coreografias espetaculares ao som das músicas que o público já conhece e ama, expandindo o universo da franquia de forma épica.

A estrela mundial de Moana acontece em 8 de julho nos cinemas.

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Antes da coletiva de imprensa, que aconteceu hoje (15 de junho), Milly Alcock, o diretor Craig Gillespie, a roteirista Ana Nogueira e o produtor e co-CEO da DC Studios, Peter Safran, curtiram o primeiro jogo do Brasil. No domingo (14), o Museu do Amanhã recebeu um fan event. Ainda no domingo, o elenco deu uma entrevista especial no Bar Garota de Ipanema, onde contaram um pouquinho da relação do filme com o Brasil. Pela tarde, eles visitaram a Cidade do Samba para uma tarde especial e carnavalesca com convidados, com direito a feijoada, samba e um bate papo exclusivo sobre o lançamento. 

Ao longo da visita, a atriz principal ainda colecionou seu próprio diário de memórias. Com fotos em diferentes lugares icônicos do Rio de Janeiro, Alcock registrou sua passagem por diferentes pontos da cidade, como a Mureta da Urca, a Praia de Copacabana e uma vista icônica para o Pão de Açúcar. 

A passagem do tour no Brasil terminou nesta segunda-feira (15). Todos, sem exceção, ficaram empolgados com a energia da cidade e o entusiamo dos brasileiros, “A energia dos brasileiros é inigualável. Sentir a energia na rua e nos bares durante o jogo da Copa foi incrível”, destaca Alcock.

Em coletiva de imprensa, Milly Alcock exaltou a importância de construir uma Kara Zor-El diferente. Ela conta que a produção promete apresentar uma Kara marcada por traumas e escolhas difíceis. “Ela é inconvencional e única”, destacou. Ela completa,“É muito difícil ser uma pessoa e existir em um mundo em que nós sentimos sem poder. Acho que algo muito admirável e corajoso é escolher salvar seu próprio mundo”, afirmou. Já sobre o uniforme, Alcock conta, “Colocar o uniforme da Supergirl pela primeira vez foi especial. Vesti um ano antes de filmarmos, Foi muito emocionante”.

Já a roteirista Ana Nogueira conta, “Foi um sonho realizado escrever uma personagem desligada do Superman. A relação com o Superman importa, mas é só uma parte dela”, disse. Segundo ela, construir esses novos elementos da heroína foi uma experiência especial, “Me senti honrada em construir todos esses pedaços que são parte dela”.

Peter Safran também destacou que a relação única dela com Krypto, o famoso cão. “No fim, a encontramos em uma situação similar à que ainda veremos em Superman: Man of Tomorrow’, explicou ele, citando o filme que estreia em 2027 nos cinemas.

Durante coletiva de imprensa, a roteirista Ana Nogueira revelou que o filme presta uma homenagem à artista brasileira Bilquis Evely, responsável pelos desenhos da HQ Mulher do Amanhã. A escritora conta, “Tem um planeta chamado Bilquis no filme. É um dos lugares pelos quais Kara e Ruthye passam”. A homenagem reforça o impacto internacional de Bilquis Evely, uma das maiores quadrinistas brasileiras da atualidade e peça fundamental para a história que agora chega aos cinemas.

Em coletiva de imprensa, o co-CEO da DC Studios, Peter Safran conta que Supergirl é uma personagem muito importante para a DC, além de relembrar sua primeira visita ao Rio durante a divulgação de Superman, “Foi incrível vir ao Brasil com Superman. Não tinha como não voltarmos com mais um grande filme nosso”, afirmou o executivo.

Peter Safran ainda revelou quando os novos projetos do estúdio serão oficialmente anunciados para dar continuidade ao universo cinematográfico DCU. O executivo ainda definirá os próximos passos da narrativa integrada que a empresa planeja construir nos cinemas. “Quando James Gunn terminar Homem de Amanhã, acho que realmente nos sentaremos e conversaremos sobre como será a próxima parte da história. Temos uma boa ideia do que está acontecendo pelo menos para os próximos anos”, afirmou Peter Safran.

O filme conta com Jason Momoa como Lobo, vilão clássico da DC, o diretor Craig Gillespie conta, “Jason vem batalhando pelo papel de Lobo pelos últimos 15 anos. Ele estava muito entusiasmado para viver o personagem e foi incrível. Quando ele se junta com Supergirl na tela, foi muito divertido de ver”.

Originalmente batizado de Supergirl: A Mulher do Amanhã, o filme da heroína agora se chama apenas Supergirl. Nessa nova aventura do Universo DC, conhecemos Kara Zor-el (Alcock), enquanto a jovem precisa assumir sua posição como a heroína Supergirl – não sem bastante relutância – frente a uma perigosa ameaça e uma nova aliada.

A equipe de produção criativa do cineasta Craig Gillespie atrás das câmeras inclui o diretor de fotografia Rob Hardy; o designer de produção Neil Lamont; os editores Tatiana S. Riegel e Fred Raskin; os figurinistas Anna B. Sheppard e Michael Mooney; o supervisor de efeitos visuais Geoffrey Baumann; a supervisora musical Susan Jacobs.; e a compositora Claudia Sarne.   

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A história se passa na Paris dos anos 1930 e acompanha Victoria Grant, uma cantora desempregada que, com a ajuda de um amigo cantor, arquiteta um plano brilhante: ela se disfarça de homem que performa como mulher no palco (“Victor”). O sucesso é imediato, mas a farsa cria situações cômicas e debates inteligentes sobre identidade e preconceito

“Victor ou Victoria” mistura deboche, glamour e humor na medida certa. No papel-título, Alessandra Verney encara o desafio de equilibrar o legado de Julie Andrews e substituir Marilia Pêra. Em tom impressionante, a atriz e cantora domina o palco, a cena e a voz de forma ímpar, enquanto Miguel Falabella traz seu (eterno) talento cômico e improviso. Além disso, Falabella parece estar bem vontade em cena, dominando o personagem com uma beleza estonteante e uma voz poderosíssima, impressionando com sua eloquência. Aliás, Miguel Falabella volta a dividir o palco com Verney após o êxito de “Kiss me, Kate”.

Destaque também para imprevisibilidade de Maria Clara Gueiros como Norma Cassidy platinadíssima, lembrando a estética de Marliyn Monroe. Encantadora e divertidíssima!

“Victor ou Victoria” é, certamente, puro glamour! O musical conta com Charles Moeller assinando o visual com rigor estético absurdo, com trocas de cenários muito bem montados, no meio da dança das cadeiras que é o palco teatral. No meio disso, o texto traduzido por Claudio Botelho traz uma carga jazzística sonora.

Saiba mais sobre a peça

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Estrelado por Emily Blunt (em atuação magnifica!), Josh O’Connor, Colin Firth e Colman Domingo, Dia D conta o que aconteceria com a nossa sociedade com a chegada de uma civilização desconhecida. A trama, já conhecida do publico, de certa forma, nos coloca em posição de partida.

O longa é, certamente, um thriller de ficção científica com conspirações magistralmente executado, do jeito que Spielberg sabe fazer. Passado e presente são utilizados de uma forma fascinante e com qualidade. , Dia D é justamente o tipo de coisa que Spielberg busca colocar nas telas de cinema desde os anos 1970. 

 Com arquétipos já conhecidos do diretor, os heróis chegam dotados de personalidade o suficiente para conquistar nossa torcida. Além disso, o filme conta com cenas de ação eletrizantes, perseguições emocionantes, diálogos hilários e uma atuação memorável de Emily Blunt (aguardo uma indicação ao Oscar!), Dia D nos transporta de volta ao universo Spielberg de mistério, heróis comuns e uma mensagem otimista e inspirador, com uma produção técnica deslumbrante.

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Quais foram as inspirações para criar a linha Gloss Absolut?

Caroline Vital – A linha Gloss Absolut foi lançada ano passado, é uma linha voltada para brilho espelhado e anti-friss, e agora vem com uma extensão de linha que é o hair mist, que a gente chama de perfume de cabelo, com uma fragrância irresistível. Agora a extensão de linha chega para os cabelos médios a grossos, enfim, atendendo a todo tipo de cabelo. O novo lançamento da marca, Gloss Absolu Crème são produtos pensados especificamente para fios médios a grossos e propensos ao frizz, oferecendo uma experiência capilar desenvolvida para promover tratamento profundo e brilho espelhado nos cabelos.

A marca já pensa em alguma embaixadora para essa linha? Bruna Marquezine é super embaixadora de Kérastase, ela tá com a gente desde o ano passado.

Como que aconteceu essa parceria com o Quiosque Musa?

Caroline Vital – Essa parceria vem de encontro com o propósito da conscientização do bem estar. A gente estava em busca de uma união de marcas que pudessem traduzir a fusão cremosa de Gloss Absolut, com algo que pudesse promover uma experiencia imersiva. A gente lança o smoothie proteico com ingredientes existentes nesse novo lançamento. Essa parceria, certamente, é a celebração do autocuidado e da nossa visão de um ritual que vai além da beleza, abraçando o bem-estar de forma integral, de dentro para fora. A Kérastase sempre esteve comprometida em proporcionar experiências que potencializam a mulher, valorizando sua individualidade, sua confiança e seus momentos de pausa.

A Kérastase e Musa Rio apresentam bebida proteica exclusiva inspirada na coleçãoGloss Absolut Crème, unindo o universo do autocuidado e da beleza capilar em uma experiência sensorial única na capital carioca, durante todo o mês de junho, com o Pink Gloss, o brilho do autocuidado em formato de smoothie. A parceria oferecerá ao público consumidor um sabor inédito e exclusivo de smoothie nas unidades da Musa Rio em São Conrado, Ipanema, Gávea e Village Mall, no Rio de Janeiro, durante todo o mês de junho. 

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Almodóvar sempre foi ousado ao usar de suas obras para falar de si. Em Natal Amargo não é diferente, ele propõe uma reflexão sobre o que fez de si mesmo ao longo de sua vida. Estamos diante de criador e criatura, com direito a uma metalinguagem aguçada, colocando o publico em uma dinâmica que nos coloca assistindo a um filme dentro de outro. Engraçado e dramático, Natal Amargo traz ecos entre criador e criação de forma inesperada. Almodóvar cria uma experiência temperada com bons risos, onde os problemas são típicos de pessoas que vivem bem e têm casas de praia para escaparem da confusão diária.

O filme se passa em duas narrativas diferentes, que vão correndo em paralelo, saltando entre 2004 e 2026, transformando um personagem em outro, às vezes até um personagem em dois, ( o que, aliás, pode confundir a cabeça do espectador avoado). O longa obviamente traz a assinatura visual marcante de Almodóvar, com suas cores fortes e vibrantes com um olhar requintado para cores e contrastes, além de diálogos que transitam entre o humor inesperado e a emoção.

De fato, Almodóvar não perdeu a mão para dosar o drama com pitadas de humor. Nesse novo longa seus temas voltam as telas com mais intensidade e mais maduros. O diretor volta a falar de moralismo ao levantar uma questão, interessante: até que ponto um artista tem o direito de usar a vida alheia para fabricar suas obras? Diante desses embates, a vida real parece sempre desmontar o controle do cineasta.

Frequentemente aclamado pelas suas narrativas intimistas sobre o universo feminino e o peso singular da morte, Almodóvar constrói seus personagens com desejos, ânsias e pulsões. Eles são falhos, moralmente equivocados e até desprezíveis, mas acima de tudo humanos. Lidando com sua finitude, o novo longa consegue ser inquieto e surpreendente, além disso, como em Dor e Gloria, Natal Amargo, certamente, tem ares de uma autobiografia.

Em seu 25º longa-metragem, Natal Amargo fez a sua estreia internacional na seleção oficial do 79º Festival de Cannes. O filme chega aos cinemas brasileiros em 28 de maio.

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Como em Esquema de Risco, Infiltrado, Snatch – Porcos e Diamantes, entre outros filmes do diretor, Guy Ritchie faz de suas obras um cinema marcado por uma estética forte, marcada por cores vivas, que instigam a violência. A temática da vingança, de fato, faz parte dos filmes do cineasta, o que obviamente nos leva a filmes violentos, porém nem sempre sanguinários. Ritchie tem o cuidado de trabalhar sua paleta de cores em uma trama onde seus personagens são bem definidos por elas.

Na Zona Cinzenta é aquele tipo de filme com uma nova classe de criminosos e justiceiros em busca de dinheiro acima de tudo. O titulo em inglês “In The Gray” remete a um termo onde regras não são aplicadas e muita vezes requer interpretações. stamos falando de falta de limites morais, onde as fronteiras não são claramente definidas como boas ou más.

O filme acompanha Sophia (González), uma negociadora com ampla experiência em transações milionárias que se utiliza de todos os meios possíveis para completar sua tarefa. Quando recebe uma missão de alto nível, convoca seus dois agentes de elite, Bronco (Gyllenhaal) e Sid (Cavill), para realizar um plano elaborado que garanta sua fuga de uma ilha fortemente guardada. 

Do outro lado da mesa está um fugitivo poderoso, interpretado por Carlos Bardem. É ele quem está no comando do território onde as negociações serão realizadas e em posse do dinheiro que Sophia precisa recuperar. A dinâmica entre os dois se torna rapidamente uma caçada de gato e rato com cada um se utilizando das ferramentas à sua disposição para render o adversário. 

Ao melhor estilo Guy Ritchie, as cenas de ação são temperadas em tiro, porrada e bomba. Mas, em meio aos fortes homens e suas armas, o que chama atenção é o fato de a trama ter duas mulheres como as grandes chefonas da história. Rosamund Pike e Eliza González são quem verdadeiramente dão as ordens. Porém só uma delas vencerá mesmo que estejam do mesmo lado do jogo.

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“Uma vida de Amizade” não é baseado em fatos reais, mas poderia ser, é uma peça com contexto delicado, atual, essencial para a nossa saúde mental. A peça nos remete a lugares emocionais que vivemos, lembrando como funciona a verdadeira amizade, como um “abrigo” seguro que proporciona suporte emocional e alegria. Amizade é uma relação afetiva e voluntária entre pessoas, baseada na lealdade, confiança, respeito mútuo e afeição. E é justamente isso que vemos no palco, o trio em cena traz uma sintonia digna de muitas histórias, mesmo que as vezes coloquem suas amizades à prova. No meio disso, a peça aborda o processo de envelhecimento da mulher do ponto de vista de três jovens foram modelos nos anos 90.

Fernando Philbert dirige essa comedia dramática sobre laços fraternais, com texto de Gustavo Pinheiro. Em cena, Silvia Pfeifer, Adriana Garambone e Helena Fernandes transformam “Uma vida de Amizade” em um retrato autêntico da amizade verdadeira. Fala de lealdade, confiança, sinceridade, mesmo quando é difícil, é uma relação sem exigências ou pesos.

Entre poses e choros, a peça nos comove e nos diverte com as histórias de três mulheres que podem estar em qualquer esquina do mundo. “Ser amiga não é concordar com tudo, mas seguir junto, segurando a onda.”.

Saiba mais sobre a peça!

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O primeiro filme de O Diabo Veste Prada é uma adaptação do livro homônimo de Lauren Weisberger, que escreveu uma continuação em 2013, chamada “A Vingança veste Prada”. Porém, O Diabo Veste Prada 2 não adapta o segundo romance e, em vez disso, conta uma história original.

“As personagens principais ainda são as criações de Lauren, mas esse é um mundo novo com novas circunstâncias, dilemas, dificuldades e uma evolução no relacionamento delas”, explicou a roteirista Aline Brosh McKenna. Com o retorno da equipe criativa do original, a nova produção tem a missão de falar sobre o mundo atual e mostrar como as icônicas personagens de Meryl Streep, Anne Hathaway e Emily Blunt se encaixam nele.

O Diabo Veste Prada 2 acompanha o retorno de Andy Sachs (Anne Hathaway) à revista Runway, que passa por um momento delicado mesmo sob o comando da implacável editora-chefe Miranda Priestly (Meryl Streep). Para trazer a publicação de volta a seus dias de glória, elas precisam se reconectar com Emily Charlton (Emily Blunt), ex-assistente de Miranda, que agora comanda uma marca de luxo que pode ser a chave para manter a Runway ativa.

Aliás, o filme reside na sua capacidade de evocar uma tríade cromática ao trazer uma paleta de cores (Vermelho, Branco e Preto), que representa os alicerces simbólicos da expressão humana, já presentes nas pinturas das cavernas e que chegam ao século XX e suas vanguardas artísticas. O uso do vermelho não é apenas paixão, é a “energia revolucionária” necessária para manter a Runway no topo de um mercado que devora os fracos.

Além disso, a paleta de cores também realça o mundo corporativo da alta moda, um ecossistema competitivo onde a sobrevivência profissional exige uma liderança implacável. A representação visual usa a mesma paleta para denotar autoridade, herança política e até mesmo um toque de sacrifício (vestido vermelho) ou sobriedade intelectual (preto). Os figurinos são um caso à parte, ​Meryl Streep, em seu vestido vermelho, domina como uma força vital e ancestral de liderança. De forma inteligente, o figurino da personagem utiliza de cores para denotar autoridade e um sentido de poder que transcende o tempo.

Já a personagem de Anne Hathaway, Andy Sachs, equilibra poder com humanidade. Sua personagem personifica uma liderança baseada na intercessão, compaixão e sabedoria maternal ao mesmo tempo que evolui para uma líder que recusa a tirania fria e absolutista. Ela se apropria dos códigos de poder do mundo da moda (o controle, a estética, a autoridade), mas, ao final, escolhe um caminho de “liderança compassiva”. Enquanto isso, Nigel (Stanley Tucci) evoca a autoridade civil e a ‘liderança pela sobriedade’ . O personagem projeta uma liderança baseada na ordem e na lei, Nigel pode ser considerado como o pilar de estabilidade e o guardião do legado da revista.  Ele é o mentor que não precisa da coroa, pois detém o conhecimento técnico e a visão institucional.

No meio dessa tríade, Emily (Emily Blunt) representa o poder do dinheiro trabalhando em um grande marca de luxo, estamos falando de nada mais, nada menos da Dior. A entrada e a representatividade de uma Maison como essa num filme de grande aporte lucrativo, já demonstra que o aporte financeiro no mundo da Moda existe (e com força). Seja como anunciantes, seja como estrutura fashion ou no uso de modelos e influenciadores para a divulgação de uma marca. Enfim, a construção do figurino de Emily representa tudo isso, a personagem literalmente depende de uma marca (não importa o tamanho) atrás dela, para se promover.

Por fim, podemos dizer que O Diabo Veste Prada 2 consegue conciliar tradição e modernidade, sinalizando que a verdadeira liderança no mundo da alta moda exige uma disciplina e uma austeridade quase diplomáticas, desafiando a lógica do mundo da moda. O filme é uma meditação sobre a relatividade dos caminhos, onde a direção que escolhemos não é absoluta, mas uma construção da nossa própria perspectiva. O caminho para o poder é complexo e para cada degrau que subimos, estamos fazendo uma escolha fundamental sobre a nossa própria identidade e o tipo de mundo que queremos liderar.

Das paredes de pedra passando pelas capas de revista e chegando aos pixels das redes sociais, as ferramentas visuais de autoridade e a luta pela ascendência permanecem as mesmas. Seguimos vivendo um jogo constante entre a paixão vital (vermelho), a integridade ou vazio (branco) e a autoridade implacável (preto) que define quem domina o topo e quem se perde nos degraus.

O filme reúne também todos os responsáveis pelo primeiro longa. A produção tem direção do vencedor do Oscar® David Frankel (Inventando Anna) e roteiro de Aline Brosh McKenna (Cruella; Crazy Ex-Girlfriend) com base nos personagens criados pela escritora Lauren Weisberger, enquanto o figurino e a trilha sonora são novamente assinados pelos vencedores do Emmy Awards® Molly Rogers (Sex and the City) e Theodore Shapiro (Ruptura), respectivamente. Florian Ballhaus (Sex and the City) ficou a cargo da direção de fotografia e Jess Gonchor (Adoráveis Mulheres) voltou como designer de produção.

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