Existem vários filmes que colocam uma personificação da morte na trama, podemos lembrar do clássico O Sétimo Selo, de 1957, onde Max Von Sydow joga xadrez com a Morte. Até mesmo a animação Gato de Botas 2: O Último Pedido traz a morte personificada na figura do Grande Lobo Mau, na voz de Wagner Moura. Ou seja, existem diversas versões da morte no cinema, e Tuesday consegue trazer uma nova versão, ainda que inusitada, carregada de símbolos. A direção e roteiro, assinados por Daina Oniunas-Pusic, conseguem de fato trazer inúmeros signos sobre o assunto até na fotografia e no figurino.

Aqui a morte é personificada por um pássaro tropical, com o bico que lembra uma foice, interpretada pelo ator Arinzé Kene. Toda a jornada da mãe, Zora, tem ligação clara com as cinco fases do luto, e em paralelo também trata da relação entre mãe e filha no sentido mais inicial de maternidade, de cuidado e conforto. A interpretação de Julia Louis-Dreyfus contribui muito para o filme, pois a atriz consegue oscilar magistralmente entre o drama e a comédia. O figurino da protagonista e a fotografia usam a cor amarela, que também é uma cor relacionada à morte, pois no Livro do Apocalipse o Cavaleiro da Morte cavalga um cavalo amarelo.

A obra vem muito no estilo de Sete Minutos Depois da Meia-Noite do diretor J.A. Bayona, onde se usa um recurso fantástico para tratar um tema real, neste caso uma mãe aceitando a morte da filha. A direção é muito delicada ao tratar de temas muito profundos e densos. Ela não romantiza a morte, ela mostra a fúria, o desespero, a dor, envolvidos no processo, ao passo que tenta não prender-se a essa maniqueísmo de bom e mal. Com ritmo lento, muito parecido com cinema europeu, é necessário calma quando se aprofunda em assuntos que são facilmente conectados ao espectador. Todo ser humano, seja jovem ou velho, precisa passar pelo rito de passagem da morte, e é um assunto que deve ser tratado com seriedade e leveza. E nisso Tuesday acerta muito bem.

A mensagem que o filme mais prega é que a aceitação da morte é também um meio de celebrar a vida, e o eterno reside no legado que os mortos deixam nos vivos. Ainda assim é um filme que pega o público pelo coração, é um filme feito para afetá-los de alguma forma. Tuesday é uma linda obra e com uma mensagem relevante.

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Na época em que o filme se passa, a Itália estava passando por um processo de unificação, onde as cidades-estados da Península Itálica estavam sendo unidas em um único estado pelo rei Vítor Emanuel II. Antes da Itália ser constituída, o Papa reinava no trono de Roma, ou seja, era o Chefe de Estado da região da cidade Roma. Isso mostra que o Papa naquele período tinha muito mais poder do que comparado a hoje. Este é o plano de fundo do filme, aliás, é importante falar que está relacionado com o fato de os judeus começarem a ter seus direitos, que até então, lhes eram negados. É necessário lembrar que por séculos era crime ser judeu na Europa.

A fé judaica representada na família de Edgardo Mortara, o menino sequestrado, é dirigida com muita simplicidade e verdade. Existe por parte da direção e do roteiro uma forte dicotomia entre as doutrinas religiosas que o filme trata. É criado um forte antagonismo no catolicismo, através das figuras de martírio cristão, das missas intermináveis em uma língua desconhecida. Existe a criação da figura dos padres como abusadores, que é de certo mau gosto e exagero do diretor. Enquanto a família judia tem seus ritos muito focados na família mesmo, tem a bela cena da oração do Sabbath, onde o pai reza pela proteção dos seus filhos, evocando a dinastia de Abraão que gerou Isaque.

O filme trata desde o momento em que Edgardo é levado pela Igreja com 6 anos até sua vida adulta. Além disso, o ponto alto do filme é a transformação da fé em torno de sua personalidade. O roteiro tenta criar uma comédia através do ridículo, mas ele falha muito nesse sentido. A qualidade reside no drama de Edgardo, tento que aprender a ser cristão, e em sua família que precisa adaptar-se com a perda de uma criança que foi levada deles.

O Sequestro do Papa trabalha fatos históricos que parecem inventados, e através disso aborda os temas de conflito religioso e antissemitismo. O Sequestro do Papa é faz uma bela defesa a religião e valorização da cultura judaica.

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O grande desafio da direção de Arraes era trazer esse tom de tragédia grega para o ambiente da favela, pois o grande marco de Guimarães é fazer uma guerra de terra soar como a Guerra de Tróia. Felizmente, o roteiro de Arraes e Furtado faz adaptações impecáveis para o ambiente urbano sem perder os conceitos base de guerra e honra, glória e hombridade. Até mesmo o romance entre dois homens é adaptado maravilhosamente, tema que também é recorrente em tragédias gregas, basta lembrar que Aquiles entrou em guerra contra Tróia para vingar a morte de Pátroclo, seu amante. A concepção de arte de Grande Sertão parece uma mistura bem equilibrada de Tropa de Elite com Mad Max, pinturas de guerra com motos decoradas ao lado de tropas militares negras e um líder incorruptível.

A direção fotográfica também lembra filmes mais urbanos de favela, bem ao estilo Cidade de Deus. Ao passo que o texto é impecável e belíssimo, que também é marca dos grande filmes de Guel Arraes, como Auto da Compadecida e Lisbela e o Prisioneiro. Em vários momentos o texto é literal com o material original de Guimarães Rosa. Essa limpeza das falas inclusive acaba acarretando algumas questões acerca da edição de som de Grande Sertão. Acontece que parece muito que as falas foram gravadas em estúdio e não no momento da gravação da cena mesmo, ainda que preserve a limpeza e a clareza do texto, acaba por desconectar um pouco a atuação daquela realidade suja onde os personagens se encontram.

Guel Arraes lida bem em dirigir atores em personagens prolixos, caricatos ou que gesticulam muito, todos estão presentes no filme. Os personagens são explicados calmamente à medida que surgem na trama e são fáceis de se entender. Ainda que o texto seja muito erudito, ele não soa estranho na boca daqueles personagens graças a atuação do elenco.

Grande Sertão não chega a ser um Auto da Compadecida, pois a sua proposta nem é essa. Ele cumpre a função original da obra de Guimarães Rosa que é tratar o sertão, a luta entre ordem e caos, existem dentro dos homens. E ter colocado esse épico dentro da realidade periférica brasileira traz a grande citação do livro: viver é muito perigoso.

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A primeiro momento, Imaculada se assemelha muito com A Primeira Profecia (2024), o primeiro ato é quase que idêntico. Um convento misterioso, uma noviça dos EUA que fará seus votos longe de sua terra de origem. Conforme o filme de desenvolve fica evidente que a direção de Mohan se inspira muito na saga de A Profecia. Aliás, a trilha sonora criada por Will Bates faz uso, quase que total, do coral de freiras para ambientar as cenas, assim transmutando o sagrado em profano enquanto a fotografia é simétrica, concentrando-se em criar grandes cenas abertas que lembram pinturas sacras.

A grande qualidade da obra começa no segundo ato, pois fica claro que não existe nada de sobrenatural neste filme. O que existe são apenas pessoas, pessoas fanáticas que levam seus absurdos até a última instância. O roteiro de Andrew Lobel escolhe as pessoas como causadoras de todo o terror, indo no polo oposto ao escolhido pelo diretor. Se um se baseia em terrores sobrenaturais, o outro usou como base os filmes slasher, pois irmã Cecília é uma “final girl”, assim como Laurie Strode em Halloween, Sidney Prescott em Pânico ou Ripley em Alien.

A transformação da personagem é construída magistralmente e só fica maior com a atuação de Sydney Sweeney. A atriz ganhou grande destaque na segunda temporada da série “Euphoria” por conta da carga dramática que colocaram em sua personagem. Em Imaculada, Sydney entrega uma fúria incontrolável movida pelo desejo de sobreviver e sua fé. A irmã Cecília de Sydney não dá a outra face, ela luta com tudo que tem. O restante do elenco é formado por atores majoritariamente europeus, o mais conhecido sendo Álvaro Morte por sua participação em “La Casa de Papel”.

O filme surpreende muito ao abrir mão do sobrenatural, se sustentando na habilidade da protagonista e no peso das ações. O ato final é pesado e de um violência aterradora, ainda que não seja gráfico. Surpreende, choca e atordoa, com efeitos excelentes para um filme de terror.

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Não é a primeira vez que Defanti tem contato com a obra de Verissimo, de modo que já produziu outros filmes baseados na obra do autor. Aliás, o maior diferencial é que ele se propõe a ser um documentário apenas observador. Seguindo um estilo clássico documental, para manter a realidade o mais pura possível, a obra é de certa forma repetitiva.

Trazendo a rotina de Luís Fernando as telas, o documentário traz seu dia a dia à cena. Café da manhã, visita médica quase que diariamente, exercícios para locomoção, ida a eventos e escrever, escrever todos os dias. A falta de interação, a falta até de instigação pela direção do longa, acaba deixando a experiência um tanto insossa para parte do público. Todavia existe na direção de Angelo Defanti um protecionismo, um olhar de pura admiração pela figura singela e introspectiva de Luís Fernando, como quando ele está brincando com os netos ou conversando com admiradores na rua, existe um brilho nessas cenas que é sutil, ainda que evidente.

O tom do documentário respeita em sua totalidade a própria personalidade do escritor, introspectiva e calada, e cumpre a proposta de explicitar o dia a dia de escritor profissional em idade avançada, mas que é ainda profundamente criativo e ativo em sua profissão.

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Estrelado por Zendaya, Mike Faist e Josh O’Connor, o filme trata a amizade da dupla de amigos Art e Patrick como gancho para suas conquistas e fracassos. Porém, eles almejam tornarem-se grandes tenistas e acabam por se apaixonar pela mesmo garota, a brilhante jogadora Tashi Donaldson (Zendaya), criando uma rivalidade que marcou a história profissional e pessoal de todos os envolvidos.

Primeiro filme do roteirista Justin Kuritzkes, traz um enredo juvenil e repleto de sexualidade. A primeiro momento essa sexualidade é um mero perfume até se transformar em uma tensão tão densa que se pode cortar no ar. O desenvolvimento dos personagens é narrado em analogia a um jogo de tênis, indo e voltando no tempo, assim como uma bola vem e vai de uma raquete a outra. O início do filme é um pouco complicado de entender, justamente por conta dessas idas e voltas no tempo, todavia não demora para o público se acostumar com isso. Aliás, o que mais sobressai no roteiro é a tensão sexual entre os três personagens, flertando com a bissexualidade e outros modelos de relacionamento, ainda que sem levantar bandeiras.

A direção é de Luca Guadagnino (Me Chame pelo seu Nome, Até os Ossos) consegue levar a sensualidade do roteiro até a última potência, sem constrangimento. O sexo em questão não é explicito, mas sim, cheio de tato e elegância. Além disso, outro elemento da direção de Guadagnino é a exaltação dos corpos juvenis, especialmente os homens. A câmera procura expor os detalhes dos corpos como se Faist e O’Connor fossem dois Adonis, exemplos da visão grega de juventude e beleza. Até o suor é retratado de forma sensual. Entre os dois homens “mortais” existe Zendaya, que é tratada quase como uma deusa pela direção e pelo roteiro. A personagem de Tashi é hipnótica e poderosa, uma mulher impossível de se ignorar ou de ser atraída por ela. Aliás, o elenco, certamente, embarca totalmente nessa proposta, trazendo uma química explosiva no trio.

Os elementos técnicos, como som, a fotografia e trilha sonora engrandecem o filme como um todo, além da tensão sexual. A trilha sonora faz uso de euforia na sua batida junto com o barulho das raquetadas, quase uma cena de sexo digna de gemidos quase eróticos. A sequencia é tensa e sensual, e a Fotografia e a direção de câmera ainda torna tudo mais sedutor.

A câmera leva os jogadores a uma batalha final, digna das tragedias gregas, deixando claro que o que está em jogo é Tashi, como a bola sendo disputada entre os dois homens.

Diferente de outras produções do diretor, que possuem um peso trágico muito forte, Rivais traz uma deliciosa tensão sexual entre três atores repletos de carisma e beleza. Levando em conta que é o primeiro filme de um jovem roteirista estreante, este é um filme que transborda juventude, e inspira aproveitar essa juventude.

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O filme se passa em 1971 e tem como protagonista Margaret (Nell Tiger Free), uma noviça que ainda não fez seus votos para tornar-se freira. Ela vai até Roma para realizar os votos finais, e se depara com um horror que ela não poderia imaginar nem seus piores pesadelos. A Igreja está perdendo fieis, pois o mundo moderno avança a passos largos e as histórias de fogo e enxofre não podem assustar mais. Então a Igreja decide criar o terror para ser a única tábua de salvação da humanidade.

As expectativas para este longa eram baixíssimas, praticamente inexistentes, principalmente por conta da bomba que foi o quarto filme de O Exorcista. O medo real era que este prequel quisesse dar explicações totalmente desnecessárias para os mistérios de A Profecia. O filme começa com uma sequência de referências muito claras ao clássico, e então ele começa a tomar personalidade mesclando diálogos e flashbacks, confundindo o público propositalmente. Contudo não demora para o roteiro voltar aos eixos da narrativa e o público é contemplado com o horror.

A direção do filme é de Arkasha Stevenson, uma diretora que possui pouca experiência, sendo este seu primeiro longa-metragem, e é chocante a qualidade imensa da direção. Arkasha opta por criar pouquíssimos jumpscares, ou seja, sustos rápidos e fáceis, construindo no lugar uma atmosfera sufocante em constante crescimento. A fotografia usa muitos planos fechados para as cenas mais fortes de horror para que você nunca tenha uma visão completa da cena, assim fica a apenas partes dela e o resto é da sua imaginação.

Além da direção, Arkasha assina o roteiro com Tim Smith e Keith Thomas, que é metódico em entregar apenas o suficiente de informação. Por exemplo, em nenhum momento eles dizem a palavra demônio ou diabo, as poucas vezes que é mencionado se usa “A Besta” ou “O Chacal”, que é diretamente conectado com o filme de 1976.

Tanto o roteiro quanto a direção foram capazes de subverter momentos considerados belos como gravidez, parto, feitura de votos sacros, em pura agonia. Até mesmo na produção de arte na construção dos cenários, existe um trabalho bem afinado em trazer o lado mais assustador da arte da Igreja Católica. E novamente, nada é escancarado, o movimento de câmera te conduz magistralmente ao momento correto e a imaginação do público faz o resto. A trilha sonora de Mark Korven é um alavanca de terror imensa, justamente por também subverter a beleza cristã em horror. O nascimento do Anticristo é seguido por um silêncio sepulcral, e ao ser revelado que um menino, o filho do Chacal nasceu, entra poderosa a trilha clássica “Ave Satani” criada por Jerry Goldsmith. É, certamente, de arrepiar todos os pelos do corpo!

O elenco é impressionante, e que também trouxe grandes surpresas. Grandes nomes do cinema inglês, como Charles Dance e Bill Nighy, para surpresa de muitos, Já Sônia Braga participa do filme com um papel incrível de freira. Por fim, a grande surpresa veio da atuação da protagonista, Nell Tiger Free, uma jovem com poucos papeis de muita relevância da carreira que se entregou magistralmente neste filme.

O roteiro deixa algumas pontas soltas, e fica levemente subentendido que pode haver uma continuação, porém é preciso muito cuidado para não cair no perigo de explicar demais. Dito esses pequenos adendos, é sem dúvida que A Primeira Profecia entre para a lista de melhores filmes de terror de 2024, e um dos poucos casos em que um prequel funcionou muito bem.

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O roteiro escrito por Michael Brandt foi baseado nos fatos do livro homônimo de Mikael Lindnord, misturando um filme de esporte com uma parceria canina (cheia de charme). Em suma, é um roteiro que consegue, sim, elaborar uma história que convida o público a se emocionar, a torcer pela equipe e também acaba dando visibilidade a um esporte pouco conhecido. Ainda assim, não existe um gancho de trama muito forte, grande parte por conta da direção de Simon Cellan Jones. A carreira de Simon como diretor de cinema ainda é recente, contudo ele possui muita experiência dirigindo séries de cinema. Aliás, algumas decisões de câmera não foram muito bem escolhidas, poderiam ter sido usadas de forma diferente, além disso, a montagem faz com que também algumas cenas se repetem demais, como se a direção não soubesse bem como incrementar o filme.

O elenco traz Mark Wahlberg de volta em uma história de herói, baseada em fatos reais, em um filme que o roteiro se desenvolve muito rápido. Aliás, o cão ator que faz Arthur se chama Ukai, um vira-lata do Equador, que traz talento e carisma as telas.

O longa é sincero na sua proposta singela, entrega um produto final com uma história de inspiração e vitória. Uma Prova de Coragem é o filme modelo que cai em uma Sessão da Tarde ou no fim de tarde de domingo para comer pipoca com a família.

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É necessário pontuar que os filmes do universo de monstros da Warner tem ficada cada vez mais focado em apenas a luta livre de kaijus, o que é um ótima decisão. Godzilla e Kong: Novo Império acha, certamente, um ponto essencial do entretenimento: a diversão pela diversão, apenas. Ver o Godzilla dormindo no Coliseu de Roma como se fosse uma cama de pet ou uma luta brutal de monstros que começa em Ipanema e termina na Lapa são exemplos perfeitos do tipo de entretenimento que o filme propõe a ter.

Godzilla e Kong: Novo Império é um ponto positivo para a carreira do diretor Adam Wingard, que até então só tinha filmes abomináveis em sua carreira. O crossover entre o lagarto e o gorila gigante acabam por se tornar o ápice atual da carreiro do diretor, e fica claro na forma como ele consegue dar expressividade, profundidade e senso de épico aos personagens monstruosos. Ao contrário dos personagens humanos que são totalmente e completamente descartáveis, e usados apenas para diálogos explicativos do roteiro. Em momento algum o roteiro promete profundidade, ele é sincero na sua proposta e se mantém na mesma linha.

Ainda assim, é necessário dizer que o filme é bastante confuso, ainda que muito explicativo. Todos as ações dos Titãs tem que ser registrada. As leis da física são muito difíceis de entender, além de não fazerem sentido nenhum. Os atores não tem direção, as vezes, mal há uma atuação porque o foco em Kong é muito maior. Para ser justo, é muito mais um filme do Kong que do Godzilla. A escolha de cores é muito bem feita, as criaturas que aparecem na Terra Oca, assim como os novos titãs continuam com o nível de qualidade criatividade desde o primeiro filme de Godzilla de 2014.

É curioso pensar que o personagem de Godzilla foi criado como metáfora para os efeitos da bomba atômica, e agora ele chega no quinto filme de uma franquia norte-americana, no intuito de ser divertido. Ainda com todos os problemas de roteiro e elenco, o filme é realmente um filme pipoca competente por não querer na de nada além disso.

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Classificado como um filme de comédia, o filme se encaixa muito mais na zona da comédia que te faz rir de nervoso. O roteiro escrito pelo diretor Kristoffer Borgli escalona as situações até elas chegarem a um estado de pura angústia. Existe uma camada de horror muito bem inserida em todo o roteiro da obra que acrescenta uma complexidade que prende a atenção. A questão central que o filme aborda é usar os sonhos como uma alegoria para a hipervisibilidade. A direção até muda quando Nicolas Cage está em tela, fazendo com que a visibilidade seja aumentada quando o personagem está em cena.

Mas o único lugar realmente ainda invisível seria o mundo dos sonhos, aonde o personagem de Nicolas Cage tem uma jornada idêntica a qualquer grande influenciador. O momento de glória em que a fama muda a vida dele prometendo riqueza e prestígio, depois do cancelamento e quando Paul reclama que existe muito “mimimi” e retorna a uma visibilidade relativa que permite que ele tenha uma vida minimamente normal. Existe, sim, uma crítica a atual “cultura do cancelamento” quando Paul é crucificado por algo que ele não tem controle nenhum.

O elenco é muito diverso, com vários rostos que são relativamente conhecidos, como Julianne Nicholson, Tim Meadows e Michael Cera. Contudo, ainda que o elenco como um todo seja bom, todo o foco recai sobre Nicolas Cage. É muito difícil imaginar outro ator que consiga interpretar um personagem tão caricato, ao mesmo tempo levando a sério e entregando uma carga dramática fácil de relacionar com casos do dia a dia de qualquer pessoa que acompanha as fofocas da internet. A maquiagem conseguiu transformar Cage em um homem realmente comum, e a atuação traz trejeitos que são signos para dizer que ele é uma figura medíocre.

Aliás, é possível resumir O Homem dos Sonhos em uma palavra: estranho. Mas é um estranho positivo, um estranho que entretém à medida que é desconfortável. Logo que acaba fica no ar dúvidas sobre o que o filme trata que são respondidas no momento em que pegamos o celular e vemos alguém se retratando no Instagram por ter sido cancelado. E assim retornamos ao pensamento de Foucault onde ser visto é ser julgado, e portanto passivo de punição.

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