O que esperar de “O Filho” com direção de Léo Stefanini?

Do sucesso de Meu Pai a filme estrelado por Hugh Jackman. 

Para entender o peso da produção, vale lembrar que Florian Zeller é um dos nomes mais celebrados do teatro e do cinema contemporâneos. O autor francês é o criador da aclamada trilogia familiar formada pelas peças O Pai, A Mãe e O Filho. O primeiro texto ganhou repercussão mundial nas telonas em Meu Pai (The Father), filme que rendeu o Oscar de Melhor Ator a Anthony Hopkins e o de Melhor Roteiro Adaptado ao próprio Zeller.

No Brasil, o diretor Léo Stefanini já havia comandado uma adaptação teatral de sucesso de O Pai, protagonizada por seu pai, Fúlvio Stefanini. Em O Filho, obra que também ganhou versão cinematográfica estrelada por Hugh Jackman e Laura Dern, Stefanini assume o desafio de transpor para o palco um drama denso sobre a impotência dos pais diante do sofrimento dos filhos.

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A história acompanha Nicolas, um jovem de 17 anos em sofrimento psíquico profundo após o divórcio dos pais. O rapaz passa a faltar à escola, isola-se no quarto e se apoia no uso excessivo de telas. A convivência com a mãe logo se torna insustentável, embora esse atrito não apareça em cena. Nicolas decide, então, morar com o pai, que já tem uma nova companheira e um bebê recém-nascido.

O texto levanta debates indispensáveis sobre a depressão na adolescência, a dificuldade de comunicação geracional e o sentimento de culpa de pais que tentam lidar com um problema complexo por meio de soluções práticas do dia a dia. Eles buscam, sem sucesso, consertar uma dor que não compreendem, mas falham na escuta.

Análise das atuações: Por que o ritmo demora a engrenar no palco?

Apesar da relevância incontestável da narrativa, a encenação enfrenta dificuldades na sua primeira metade. O texto soa excessivamente duro na boca dos atores, passando a impressão de réplicas travadas e pouco espontâneas.

Chama a atenção o descompasso cênico nos primeiros blocos, especialmente porque o elenco já vem apresentando essa mesma montagem por palcos de diversas cidades brasileiras ao longo de vários meses. Mesmo com a bagagem acumulada durante a turnê, a maior parte das cenas parece uma leitura protocolar. Falta maleabilidade nas trocas para que o público se conecte de imediato com a fragilidade daquela família.

Gabriel Braga Nunes interpreta o pai, Pedro, um homem pragmático. O personagem tenta solucionar a crise do filho usando autoridade e lógica, sem realmente entender a dor do garoto. Maria Flor vive Sofia, a mãe exausta que se vê de mãos atadas diante do fechamento do filho (papel que conta com Maria Ribeiro em sessões alternadas aos domingos). O jovem Andreas Trotta interpreta Nicolas, o protagonista em crise.

Completando o núcleo central, Bruna Miglioranza interpreta a madrasta, Sofia, que tenta equilibrar os cuidados com o bebê e a rotina da nova casa enquanto lida com a presença silenciosa e perturbadora do enteado. A dinâmica entre o casal e o jovem ilustra o desconforto da convivência, mas as primeiras interações cotidianas soam sem o calor e a naturalidade necessários.

O clímax emocional resgata peso dramático no segundo ato

O ritmo da peça ganha consistência a partir da segunda metade, quando as tentativas de diplomacia dão lugar ao confronto direto. Quando as tensões explodem, o elenco finalmente encontra o tom e a densidade que a dramaturgia pede.

Os embates entre pai e filho, somados às conversas dolorosas sobre internação hospitalar e os limites do suporte familiar, ganham crueza e peso dramático, apesar de ainda soarem pouco naturais. Nesses momentos de choque, a montagem se esforça para alcançar o impacto dramático característico da obra de Zeller.

Se a atuação oscila, a estrutura técnica da peça merece reconhecimento. A cenografia aposta em linhas funcionais e elegantes, permitindo que as transformações de espaço aconteçam sem interromper o andamento do espetáculo.

A iluminação desenha com precisão atmosferas frias e intimistas, traduzindo visualmente o isolamento e o peso da angústia presente na rotina dos personagens. O recurso dos letreiros luminosos para indicar a passagem do tempo e as trocas de locação também funciona com agilidade, organizando a narrativa com clareza para a plateia.

“O Filho” se sustenta pela coragem de encarar a saúde mental na juventude de frente, sem apelar para lições fáceis ou sentimentalismo raso. Embora a montagem tropece na fluidez dos diálogos, a força dos embates na reta final e a precisão dos elementos técnicos garantem uma experiência teatral profunda. É um espetáculo que convida o público a refletir sobre escuta, empatia e os desafios da convivência familiar.

Saiba mais sobre a peça!

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Apesar do tom festivo e da celebração de trajetórias consagradas, a noite deixou transparecer pequenos problemas na condução do evento. Com falhas no ritmo, trocas de comando confusas entre as apresentadoras e erros nas imagens do telão, a cerimônia pecou pelo improviso e exigiu jogo de cintura dos convidados. Ainda assim, nada tirou o brilho dos artistas que subiram ao palco para exaltar a cultura e o trabalho contínuo do setor no país.

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Quem levou o Grande Otelo de Melhor Filme?

O momento mais aguardado da noite ficou por conta da categoria de Melhor Longa-Metragem de Ficção. Em um resultado histórico, a Academia Brasileira de Cinema consagrou um empate técnico entre Manas, dirigido por Marianna Brennand, e O Agente Secreto, comandado por Kleber Mendonça Filho.

O prêmio duplo soou como um aceno de conciliação da Academia com a própria comunidade cinematográfica. A escolha de O Agente Secreto como o representante oficial do Brasil na corrida por uma vaga no Oscar havia gerado debates no setor, já que muitos defendiam que Manas era o título ideal para a campanha internacional. Ao premiar as duas produções no Grande Otelo, a instituição justificou e chancelou o favoritismo do longa de Kleber Mendonça Filho sem deixar de fazer justiça a Manas, reconhecido como uma das obras mais impactantes e necessárias do ano.

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A consagração do cinema feito por mulheres

A força de Manas ficou , certamente, ainda mais evidente no prêmio de Melhor Direção. Única mulher indicada na categoria, Marianna Brennand levou a estatueta pela condução de sua primeira ficção. Em seu discurso, a cineasta dedicou a conquista às colegas realizadoras e destacou a urgência de olhar para as violências invisíveis sofridas pelas mulheres no interior do país, celebrando um cinema focado em proteger corpos e honrar memórias.

Aliás, a equipe do filme reforçou que o roteiro, premiado na categoria de Roteiro Original após oito anos de escuta e pesquisa, buscou colocar a denúncia na tela sem expor os corpos nem banalizar a dor das vítimas. A noite também coroou a atuação de Dira Paes, vencedora do troféu de Melhor Atriz Coadjuvante por seu trabalho emocionante no longa.

Os discursos da noite abordaram a luta contra o racismo às políticas públicas

O engajamento social e a defesa da cultura deram o tom nos agradecimentos dos premiados nas mais diversas categorias. Rodrigo Santoro, vencedor como Melhor Ator Coadjuvante por O Último Azul, relembrou o início de sua carreira no cinema com Bicho de Sete Cabeças e defendeu que o momento atual de reconexão do público com os filmes brasileiros precisa se transformar em fortalecimento estrutural para o setor.

Outro momento de grande comoção ocorreu com a vitória do curta de ficção Amarela, dirigido por André Hayato Saito. O cineasta aproveitou o espaço para denunciar o preconceito e o racismo velado enfrentados pela comunidade nipo-brasileira, que muitas vezes surgem disfarçados em formato de humor no dia a dia. 

A importância de políticas públicas contínuas e do investimento em produções voltadas para a infância também marcou a cerimônia. Ao subir ao palco para receber o troféu por O Diário de Pilar na Amazônia, a equipe do longa reforçou a urgência de fortalecer os mitos locais no cinema e na TV, resumindo o sentimento em um apelo marcante por “menos Homem-Aranha e mais curupira”. A defesa do audiovisual infantil também ganhou coro na comemoração da animação Tainá e os Guardiões da Amazônia.

Homem com H: O domínio técnico e a preferência do público

Se as categorias principais dividiram atenções, o júri técnico encontrou um vencedor incontestável. A cinebiografia Homem com H, inspirada na vida de Ney Matogrosso, dominou os prêmios visuais e sonoros, garantindo os troféus de Trilha Sonora, Figurino, Maquiagem e Som. A aceitação da obra se confirmou também na votação popular, que deu ao filme a estatueta de Melhor Filme pelo Voto Popular.

Jesuíta Barbosa conquistou o prêmio de Melhor Ator por sua interpretação de Ney Matogrosso. O ator não pôde comparecer à cerimônia e foi representado pelo diretor Esmir Filho, que subiu ao palco emocionado para agradecer o reconhecimento e destacar a generosidade do protagonista.

Leia a crítica de HOMEM COM H

Falhas técnicas e bastidores no Theatro Municipal

Apesar das homenagens e discursos marcantes, a organização da noite enfrentou momentos delicados. A falta de ensaio da dupla de apresentadoras prejudicou o ritmo da transmissão, gerando silêncios desconfortáveis ao longo da entrega dos troféus.

O contratempo mais evidente ocorreu durante o anúncio da categoria de Melhor Figurino. Indicada duas vezes na mesma categoria (por Homem com H e por O Último Azul), a figurinista Gabriela Marra viveu um momento de incerteza no palco quando um erro no sistema do telão exibiu dados trocados entre os indicados. A falha provocou visível confusão na plateia até que a vitória da profissional pelo trabalho em Homem com H fosse devidamente confirmada e celebrada.

Destaques das séries e animações: “Máscaras“, “Cangaço Novo” e o espaço da TV

Além disso, as produções feitas para a televisão e o streaming mantiveram sua relevância na 25ª edição do prêmio. A série “Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente” saiu da cerimônia como um dos grandes destaques do setor, vencendo como Melhor Série de Ficção e garantindo o prêmio de atuação para Johnny Massaro. Em seus agradecimentos, o ator homenageou profissionais de saúde e comissários de bordo que enfrentaram a crise da AIDS e o preconceito na década de 1980. 

A noite também foi de consagração para Alice Carvalho. Indicada em duas frentes na premiação (como Atriz Coadjuvante pelo longa O Agente Secreto e como protagonista em Cangaço Novo), a atriz conquistou o troféu de Melhor Atriz por seu papel na série do Prime Video.

Em seu discurso, Alice lembrou o início de sua trajetória no interior do Rio Grande do Norte e ressaltou o papel essencial das produtoras de elenco para abrir caminhos e descentralizar as oportunidades no audiovisual brasileiro.

Confira a lista Completa dos Vencedores do Prêmio Grande Otelo 2026

Longas-Metragens (Júri Técnico)

• Melhor Longa-Metragem Ficção: Manas (de Marianna Brennand) e O Agente Secreto (de Kleber Mendonça Filho) — Empate
• Melhor Direção: Marianna Brennand (Manas)
• Melhor Atriz: Denise Weinberg (O Último Azul)
• Melhor Ator: Jesuíta Barbosa (Homem com H)
• Melhor Atriz Coadjuvante: Dira Paes (Manas)
• Melhor Ator Coadjuvante: Rodrigo Santoro (O Último Azul)
• Melhor Roteiro Original: Felipe Sholl, Marcelo Grabowsky, Marianna Brennand, Carolina Benevides, Antonia Pellegrino e Camila Agustini (Manas)
• Melhor Roteiro Adaptado: Daniel Rezende (O Filho de Mil Homens)
• Melhor Primeira Direção de Longa-Metragem: Rafaela Camelo (A Natureza das Coisas Invisíveis)
• Melhor Longa-Metragem Comédia: Velhos Bandidos (de Claudio Torres)
• Melhor Longa-Metragem Documentário: Apocalipse nos Trópicos (de Petra Costa)
• Melhor Longa-Metragem Animação: Tainá e os Guardiões da Amazônia – Em Busca da Flecha Azul (de Alê Camargo e Jordan Nugem)
• Melhor Longa-Metragem Infantil: O Diário de Pilar na Amazônia (de Eduardo Vaisman e Rodrigo Van Der Put)
• Melhor Longa-Metragem Ibero-Americano: Belén (Argentina) e O Riso e a Faca (Portugal) — Empate

Categorias Técnicas

• Melhor Direção de Fotografia: Evgenia Alexandrova (O Agente Secreto)
• Melhor Direção de Arte: Thales Junqueira (O Agente Secreto)
• Melhor Montagem de Ficção: Isabela Monteiro de Castro (Manas)
• Melhor Montagem de Documentário: David Barker, Tina Baz, Nels Bangerter, Jordana Berg, Victor Miaciro e Eduardo Gripa (Apocalipse nos Trópicos)
• Melhor Trilha Sonora: Guilherme Amabis, Mariana Amabis e Rica Amabis (Homem com H)
• Melhor Som: Ana Luiza Penna, Martín Grignaschi e Armando Torres Jr. (Homem com H)
• Melhor Figurino: Gabriella Marra (Homem com H)
• Melhor Maquiagem: Martín Macías Trujillo (Homem com H)
• Melhor Efeito Visual: Alexandre Boiron, Luuk Meijer e David Van Heeswijk (O Agente Secreto)

Voto Popular

• Melhor Filme pelo Voto Popular: Homem com H (de Esmir Filho)

Séries e Televisão

• Melhor Série Ficção (TV Aberta ou Streaming): Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente
• Melhor Atriz de Série de Ficção: Alice Carvalho (Cangaço Novo)
• Melhor Ator de Série de Ficção: Johnny Massaro (Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente)
• Melhor Série Documentário: Caçador de Marajás
• Melhor Série Animação: Osmar, a Primeira Fatia do Pão de Forma

Curtas-Metragens

• Melhor Curta-Metragem Ficção: Amarela (direção: André Hayato Saito)
• Melhor Curta-Metragem Documentário: Sebastiana (direção: Pedro de Alencar)
• Melhor Curta-Metragem Animação: A Tragédia da Lobo Guará (direção: Kimberly Palermo)

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Ao deixar o vilão Gru de lado, a história transporta a ação para a Los Angeles da década de 1920 e apresenta novos minions à franquia. Na trama de Minions e Monstros (Minions and Monsters, no original), os protagonistas James, Henry e Ed se tornam astros do cinema mudo, mas acabam demitidos com a chegada do cinema falado. Para dar a volta por cima, eles decidem rodar o próprio filme de terror e, usando um livro de feitiços, invocam criaturas reais para o set. O diretor Pierre Coffin entrega uma comédia frenética que diverte as crianças e esconde uma grata surpresa para o público adulto apaixonado por cinema.

Uma grande metalinguagem sobre o próprio império dos Minions

O aspecto mais fascinante de Minions e Monstros é como ele funciona como uma imensa engrenagem metalinguística. O roteiro ri de si mesmo o tempo todo. Ao colocar os Minions como astros instantâneos do cinema na trama, o longa faz um comentário muito perspicaz sobre o sucesso estrondoso que os próprios personagens conquistaram no mundo real.

Há cenas recheadas de ironia mostrando a enxurrada de produtos que os personagens geram dentro da história. Essa autoconsciência dá um sabor especial à produção, transformando o que poderia ser apenas mais um caça-níqueis em uma sátira inteligente sobre a indústria do entretenimento.

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Da Era do cinema mudo ao nascimento dos monstros

A premissa se encaixa perfeitamente na natureza dos personagens. Como a comunicação verbal dos Minions sempre foi baseada em um dialeto caótico e incompreensível (criado pelo diretor e dublador Pierre Coffin), inseri-los no auge do cinema mudo é um acerto técnico e tanto. O humor físico exagerado evoca diretamente o estilo de ícones como Charlie Chaplin e Buster Keaton. Para os cinéfilos de plantão, as referências visuais a obras como Tempos Modernos e Cidadão Kane são um prato cheio.

O conflito , surpreendentemente, ganha força quando eles decidem produzir o próprio longa de terror. Com a ajuda de um livro místico, eles trazem para a cidade o pequeno e carismático monstro Goomi (dublado, no português, por Guilherme Briggs). No entanto, nem tudo funciona perfeitamente nessa transição de gêneros. A mudança brusca do ambiente de bastidores do cinema mudo para o cinema de monstros faz o roteiro perder um pouco do foco e da elegância conquistados na primeira metade.

O resultado é uma narrativa fragmentada no terço final. O diretor Max (Christoph Waltz, no original, Philippe Maia, em português) praticamente desaparece da história e a homenagem refinada aos pioneiros da tela grande dá lugar a uma enxurrada de piadas barulhentas e correrias urbanas. Essa saturação de elementos deixa o clímax um tanto genérico, aproximando a produção das fórmulas caóticas e previsíveis de outros derivados da própria franquia.

Representatividade e pioneirismo na franquia

Além disso, outro ponto positivo da produção é a estreia de Ed, um Minion surdo que assume papel central no trio de protagonistas. É interessante ver o cuidado da produção com o personagem, que traz a Língua de Sinais para o centro da narrativa de forma pioneira dentro da franquia. 

A Língua de Sinais no centro do blockbuster

O roteiro ganha pontos ao integrar essa comunicação de maneira natural à rotina de trapalhadas de James e Henry. Ed se comunica com os companheiros com total fluidez, participando ativamente de toda a jornada.

O impacto de Debbie e a sátira social dos anos 1920

Essa busca por representatividade ganha o reforço de Debbie, uma jovem sufragista que se manifesta ativamente pelos direitos das mulheres na Los Angeles de 1920. Embora o filme use a presença da ativista como pano de fundo para situações cômicas, a inserção ajuda a dar cor e uma camada extra de crítica social ao universo projetado para o público maduro. É um passo firme de diversidade dentro de um grande blockbuster de estúdio.

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O show à parte dos monstros da dublagem brasileira

Se as vozes originais em inglês trazem nomes de peso como Christoph Waltz, Zoey Deutch, Jesse Eisenberg, Jeff Bridges e Allison Janney, a versão brasileira não fica atrás. Assistir a Minions e Monstros dublado é uma experiência essencial.

Quem são os dubladores de Minions e Monstros no Brasil?

O elenco de dublagem nacional reúne profissionais experientes que dão uma aula de adaptação cultural. Grandes nomes como Guilherme Briggs, Manolo Rey, Wendel Bezerra, Alexandre Moreno, Philippe Maia e Carla Pompílio emprestam suas vozes aos personagens humanos e monstros. O ritmo do humor ganha contornos muito familiares para o espectador brasileiro, mantendo a energia lá no alto.

Vale a pena assistir a Minions e Monstros no cinema?

O saldo final desta nova animação da Illumination é positivo, mesmo com os tropeços de ritmo que afetam a metade final da história. O roteiro deixa de lado aquela obrigação de entregar um desfecho carregado de dramas familiares ou lições de moral, algo frequente em blockbusters voltados para o público infantil. A narrativa prioriza a velocidade e o entretenimento, correndo de forma direta para quem está acostumado com o ritmo frenético das redes sociais.

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Por fim, o resultado é uma experiência leve e equilibrada para diferentes gerações. Enquanto as crianças encontram o habitual festival de tombos, cores vivas e o visual carismático das criaturas, o público adulto ganha um verdadeiro banquete de referências aos bastidores de Hollywood e piadas corporativas. Minions e Monstros vale o ingresso por extrair o melhor desse universo em uma sátira inteligente.

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