A programação segue movimentando os finais de semana da cidade até o dia 4 de outubro, unindo o melhor da mesa e dos palcos cariocas, com passagens marcantes de nomes como Samuel Rosa, Marcelo D2 e Ferrugem. Confira abaixo a nossa análise completa sobre o que rolou até agora.

Os vencedores do Prêmio Rio Show de Gastronomia 2026

A abertura oficial desta edição foi marcada pela cerimônia do Prêmio Rio Show de Gastronomia, realizada na última sexta-feira (18). A premiação coroa os endereços e profissionais que mantêm o Rio de Janeiro na rota dos grandes destinos gastronômicos globais.

Eleitos por um conselho de 17 jurados especializados — entre jornalistas e personalidades que frequentam a cena —, os vencedores espalham a diversidade de estilos pelas 18 categorias da premiação. Entre os destaques da noite, Jessica Trindade (Madame Olympe) levou o prêmio de Chef do Ano, enquanto Juliana Magioli (Alloro al Miramar) conquistou o título de Chef Revelação.

O roteiro dos premiados ainda passa por nomes de peso como o Lasai (Melhor Menu Degustação), o clássico Grado (Melhor Italiano), a tradicional Adega Pérola (eleita o melhor pé-sujo) e o Kurt levando o troféu de melhor opção de doces. A lista completa com mais de 250 indicações integra o novo Guia Rio Show de Gastronomia, que já está nas bancas. Confira todos os vencedores aqui no Rota Cult.

A rota dos sabores: O que experimentamos (e o que destaca no cardápio)

Caminhar pelas ilhas de atendimento do festival exige estratégia diante de tantas opções. A curadoria deste ano acertou ao misturar estreantes de peso com operações veteranas e queridas pelo público carioca. Em nossa maratona gastronômica pelas barracas, o cardápio incluiu desde a saborosa pizza do Ferro e Farinha e as criações do Bar do Momo, até o tempero afetivo do Dois de Fevereiro, as massas do Bento Pizzeria, as propostas contemporâneas da Heaven Cucina e do Eleninha, além dos cortes precisos do Katz-SU, das delícias assinadas por Sofia por Kátia Barbosa. Tudo isso com direito a uma pausa estratégica na adega de vinhos para harmonizar a tarde.

Fora do circuito salgado, o festival reservou surpresas curiosas para o paladar, como a degustação dos sorvetes da Granado, que transportaram notas olfativas de perfumes clássicos da marca diretamente para versões geladas e inusitadas.

Das entradas às sobremesas assinadas por confeitarias renomadas, o cardápio atende a diferentes preferências alimentares, provando que o evento se esforça para equilibrar alta gastronomia e conforto descomplicado.

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Entre pratos e palcos: a experiência completa no Jockey

Mais do que um polo de alimentação, o Rio Gastronomia funciona como um festival de múltiplos formatos. Chefe de cozinha e embaixador do evento há cerca de seis edições, Pedro Benoliel resume bem o espírito da festa: um espaço pensado para receber o público sem distinções.

“A expectativa é a gente receber bem as pessoas, que elas comam, se divirtam, que possam de alguma maneira aproveitar em família, com o namorado, com a mãe, com o tio. Aqui é um lugar que tem para todos e para todos os gostos também”, destaca o embaixador, convidando o público a aproveitar a programação no Jockey Club.

Rio Gastronomia também conta com atividades para além da comida

Enquanto a tradicional roda-gigante garante uma vista panorâmica disputada da Lagoa e do Cristo Redentor, a feira de produtores fluminenses expõe queijos artesanais, cachaças e embutidos de pequenas produções do estado. Nos estandes dos patrocinadores, a tecnologia e a interatividade dão o tom: na Claro, o público interage com o “Desafio Multi” em troca de vouchers de desconto para os restaurantes do evento; no Mate Leão, a pedida é provar a nova versão com guaraná e registrar o momento na cabine de fotos; a Globo aposta em um mini-jogo inspirado no programa Chef de Alto Nível com brindes para a cozinha; e a Odd movimenta os visitantes com um jogo da memória que distribui mimos, incluindo o novo detergente da marca.

Evento tem aulas de chefs renomados e muitos shows de música brasileira

Por fim, para completar, as aulas-show gratuitas com chefs renomados oferecem ao público a chance de aprender técnicas profissionais de perto. Até o dia 04 de outubro, será possível acompanhar masterclasses de nomes como Kaywa Hilton, Monique Gabiatti (Polvo Bar e Polvo Marisqueria), Gerônimo Athuel (Ocyá), Jerome Dardillac e Jenifer Ortega (ambos do Fairmont Rio). A Frescatto ainda trará as participações de João Paulo Frankenfeld (Casa 201 e Balcão 201) e Gabriela Kapim.

À noite, a curadoria musical passa por nomes como Pretinho da Serrinha, Marcelo D2, Blitz, Samba Que Elas Querem, Ferrugem e Bento Gil e Flor Gil cantam Gilberto Gil. Isso garante que a experiência estique até o último acorde.

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Os contrapontos do Rio Gastronomia: O que precisa de atenção?

Preços salgados, mas justificados pela programação?

Consumir no Rio Gastronomia exige fôlego financeiro. Os preços cobrados nas barracas e nos bares são substancialmente mais altos do que a média dos estabelecimentos fora do evento. Contudo, a balança do custo-benefício se equilibra quando o frequentador considera o formato: o ingresso dá acesso direto a cozinhas renomadas concentradas em um único espaço seguro, além de incluir grandes shows na programação musical. É um programa para ser encarado como um evento de entretenimento completo, e não como uma refeição cotidiana.

O eixo Zona Sul-Tijuca e a falta de diversidade regional

Apesar da proposta de celebrar a culinária do estado, a curadoria de restaurantes ainda derrapa na representatividade geográfica. A esmagadora maioria dos estabelecimentos participantes concentra-se nos bairros tradicionais da Zona Sul e da Tijuca. Fica evidente a lacuna de representantes da Zona Norte, da Baixada Fluminense e da Zona Oeste, regiões que fervem com cozinhas potentes e autorais que mereciam os holofotes de um festival deste porte. Apesar disso, os restaurantes incluem gastronomias mais diversas, como internacionais e de outras regiões do Brasil, como Amapé, Coreia do Sul e Japão.

Acessibilidade e mobilidade: desafios no espaço

Embora a organização disponibilize rampas e estruturas básicas de circulação, a experiência para pessoas com deficiência ou mobilidade reduzida ainda esbarra em barreiras físicas reais. O fluxo intenso de visitantes, os trechos de pedrisco solto com piso irregular, a sinalização visual limitada em pontos estratégicos e a ausência de um intérprete de Libras durante a cerimônia de premiação indicam que o festival ainda precisa avançar em termos de inclusão e acessibilidade plena para garantir conforto e autonomia a todos os frequentadores.

Até quando vai o evento no Jockey Club?

O festival acontece de quinta a domingo, nos finais de semana entre 17 de setembro e 4 de outubro de 2026, no Jockey Club Brasileiro.

Como conseguir descontos nos ingressos?

Clientes de marcas parceiras, como a Claro (resgatando o código no app Minha Claro) e assinantes de veículos de mídia selecionados, contam com condições promocionais e descontos exclusivos na compra de ingressos.

Serviço: Quinta a domingo (17 a 20/09, 24 a 27/09 e 01 a 04/10) / Local: Jockey Club Brasileiro (Gávea, Rio de Janeiro) / Ingressos: Vendas pela Ticketmaster e canais parceiros.

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O anúncio oficial reuniu organizadores, curadores e representantes da prefeitura para detalhar as novidades da programação. Em vez de concentrar o público em palcos isolados de megaeventos, a proposta aposta na circulação contínua de pessoas por museus, galerias de arte, teatros históricos e ateliês abertos, conectando a Praça Mauá à Lapa e ao bairro da Gamboa.

Uma semana carioca de 12 dias: o que é a Semana de Arte do Rio

A Semana de Arte do Rio foi desenhada para criar conexões duradouras entre as artes e a rotina da cidade. A programação passa por quase 50 locais públicos e mais de 200 endereços privados, além de levar ações especiais para bairros da Zona Norte e da Zona Oeste, como Méier, Sepetiba, Santa Cruz e Campo Grande.

Para viabilizar a estrutura, o evento reúne espaços administrados pelas esferas municipal, estadual e federal, promovendo atividades conjuntas entre a Cinelândia e a Praça Tiradentes, com ações no Teatro Carlos Gomes, no Teatro João Caetano e no Museu Nacional de Belas Artes.

“Futuro sem memória é improviso”: a visão da Secretaria Municipal de Cultura

Durante a apresentação no Museu do Amanhã, o Secretário Municipal de Cultura, Lucas Padilha, explicou que a prefeitura não interferiu na escolha dos temas ou das atrações, focando no apoio financeiro e na montagem da estrutura para que os festivais trabalhem juntos.

“A prefeitura não fez a curadoria da Semana de Arte enquanto um projeto [de governo]. Essa é uma escolha muito intencional, porque a gente não podia criar uma comissão, um comitê para dizer o que é arte no Rio de Janeiro. […] Futuro sem memória é improviso, e memória sem futuro é nostalgia. A gente precisa conectar memória e futuro”, pondera Lucas Padilha, Secretário Municipal de Cultura do Rio de Janeiro

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Segundo o gerente de festivais da Secretaria de Cultura, Luiz Fernando Pinto, o intuito é transformar a semana em uma tradição do calendário carioca, com previsão de atrair atenções nacionais em 2027 e internacionais em 2028. Ele conta, “A Semana de Artes não termina em 27 de setembro. [Pelo contrário, a gente desdobra muito, e 2027 e 2028 estão aí] pra gente consolidar cada vez mais o que o Rio de Janeiro tem de melhor, que é a produção de arte, a produção de cultura, e essa relação com o espaço público. […] Essa primeira experiência já nasce robusta, grande […] com mais de mil horas de programação, e mais de setenta festivais”.

Como circular pela Semana de Arte do Rio 2026

A dinâmica do evento foi planejada para que as pessoas possam passear a pé, com facilidade e tranquilidade pelo Centro. Dá para sair da estação Central do Brasil e caminhar entre os polos culturais, usar as linhas do VLT Carioca ou alugar bicicletas pelas ciclovias que cruzam a Região Portuária, conforme apontou Luiz Fernando Pinto.

Para orientar os visitantes, as próprias obras de arte vão funcionar como pontos de referência pelas ruas. É o caso das esculturas iluminadas da Festa da Luz de Belo Horizonte e das instalações de arte pública espalhadas pelo caminho, como as peças do artista Gustavo Caboco na Lapa, inspiradas nas tradições indígenas de Roraima.

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Festivais confirmados e grandes mostras: os destaques da programação

A programação da Semana de Arte do Rio 2026 reúne estreias nos palcos, mostras de cinema, tributos a grandes nomes da música brasileira e exibições inéditas de artes visuais por diversos pontos do Rio. 

• Saiba mais: Acesse toda a programação da Semana de Arte do Rio aqui.

MIMO Festival 2026 traz celebração global no Circo Voador e cinema em Santa Teresa

O MIMO Festival comemora sua 9ª edição carioca nos dias 19 e 20 de setembro. A programação musical toma conta do Circo Voador com oito apresentações e sets de DJs, enquanto o Cine Santa Teresa recebe 15 exibições dedicadas a documentários e filmes sobre música.

A escalação traz nomes como o grupo tuaregue Tinariwen, vindo diretamente do Mali, o cantor de reggae marfinense Tiken Jah Fakoly e o show comemorativo de 30 anos do disco Da Lata, de Fernanda Abreu. O festival ainda promove o reencontro no palco entre a rapper portuguesa Capicua e o rapper Emicida. Veja a programação completa no site oficial do MIMO Festival.

“O MIMO é um festival que tem por natureza e premissa circular. Estar dentro de uma semana que propõe essa diversidade é especial pra gente. […] Teremos uma programação super especial com atrações internacionais da África, de Portugal e aqui do Brasil, logicamente”, comenta Carla Yared, coordenadora de Produção do MIMO Festival

Festival TOCA: “O Brasil africano” e homenagem a Moacir Santos sob os Arcos da Lapa

Nos dias 25 e 26 de setembro, a Praça Cardeal Câmara, em frente aos Arcos da Lapa, vira palco para a sexta edição do Festival TOCA. Guiado pelo tema “O Brasil africano”, o festival homenageia o centenário do mestre Moacir Santos (1926-2006) com espetáculos gratuitos ao ar livre.

O momento central é o concerto da Orquestra Petrobras Sinfônica (OPES), sob regência do maestro Felipe Prazeres e com arranjos criados para a data, recebendo os cantores Fabiana Cozza e Marcos Sacramento como solistas convidados. O público também confere a estreia no Rio de Desmonte, novo álbum de Larissa Luz, além de shows abertos do Hamilton de Holanda Trio apresentando o repertório de NOVA e do trio vocal Soul de Brasileiro com as canções do disco SOU.

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ARUA Summit: arte pública, murais e debates na Região Portuária

Voltado para as intervenções urbanas, o ARUA Summit acontece entre 17 e 26 de setembro pela orla do Porto e arredores da Praça Tiradentes. O projeto entrega murais de grande formato no Cais do Valongo, promove atividades no Morro da Providência e organiza debates sobre sustentabilidade e novas mídias no Museu de Arte do Rio (MAR).

No Santo Cristo, o Centro Cultural ARUA recebe a mostra Fenômeno Solar, com curadoria de Jean Carlos Azuos, onde 20 artistas visuais criaram obras a partir de painéis solares reaproveitados. O térreo abriga a feira de arte Eclipse. Como parte da reinauguração do Museu Nacional de Belas Artes, o hall de entrada ganha duas novas pinturas: uma assinada pela baiana Isabela Seifarth e outra dedicada a Mário de Andrade, criada pelo coletivo carioca Negro Muro. Acesse o Instagram do ARUA para mais informações.

“A arte urbana foi o nosso ponto de partida, mas, ao longo desses 16 anos [de trajetória], entendemos que ela pode provocar transformações muito maiores do que uma intervenção em uma parede. Pode ativar territórios, preservar memórias, criar pertencimento e ajudar a pensar soluções para a cidade. […] É uma curadoria de pessoas interessantes que entendem mais do que eu das áreas que a gente trabalha”, conclui André Bretas, idealizador do ARUA Summit e diretor da Visionartz

Festival FIL: infância, vanguarda e patrimônio cultural no CCBB

O FIL (Festival Internacional de Intercâmbio de Linguagens) ocupa o Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) entre 17 e 27 de setembro. O festival reúne teatro, circo, artes digitais, marionetes e performances interativas voltadas para todas as faixas etárias, dos bebês aos idosos.

Reconhecido como patrimônio histórico e imaterial do Rio de Janeiro, o encontro combina propostas contemporâneas com momentos lúdicos pensados para despertar a curiosidade de quem visita as galerias. Confira a programação completa aqui.

“O FIL é um território de conhecimentos, saberes, que mistura cênicas, visuais, digitais, do bebê ao avô. […] A importância [de estar na Semana de Arte] é o reconhecimento desse trabalho tão minucioso, tão primoroso que a gente faz de buscar pérolas raras do oceano e trazer aqui”, afirma Karen Acioli, criadora e diretora artística do FIL

Festival Midrash: expansão teatral da Zona Sul para o Centro do Rio

Completando 12 edições, o Festival Midrash de Teatro dá um passo importante ao levar suas peças da Zona Sul diretamente para o Centro. A montagem deste ano espalha as apresentações por cinco salas teatrais, sendo quatro delas localizadas na região central. Veja mais no site oficial.

A decisão busca atrair um público mais amplo e quebrar a barreira de acesso aos teatros tradicionais da cidade.

“O meu sonho desde que entrei na curadoria era tentar fazer o festival circular por outras áreas da cidade, chegar em outros teatros. […] A gente vai conseguir fazer em cinco teatros o festival, sendo quatro no Centro do Rio, que era uma grande aspiração nossa, poder chegar a outros públicos que muitas vezes não têm condições de chegar à Zona Sul profunda, como Ipanema, Leblon e Gávea, onde as edições anteriores ficavam concentradas. Estar no Centro quebra esse isolamento e cria uma rede viva para toda a cidade”, pondera Patrick Pessoa, curador do Festival Midrash

Circuito dos Ateliês do Centro: bastidores de mais de 150 artistas de portas abertas

Nos dias 18 e 19 de setembro, mais de 150 artistas convidam as pessoas para entrar em seus locais de criação na estreia do Circuito dos Ateliês do Centro. A iniciativa foi organizada pelos próprios criadores independentes que mantêm estúdios em imóveis históricos do Centro e da região do Castelo. 

• Acesse o mapa completo de ateliês no site oficial.

O roteiro permite acompanhar de perto o dia a dia de produções em pintura, gravura, escultura, arte têxtil e grafite, conversando diretamente com os artistas sem a formalidade das galerias comerciais.

“A visita aos ateliês é uma experiência diferente de ver uma obra numa galeria ou num museu. As pessoas vão poder ver o processo do artista, conhecer esse universo, encurtando esse caminho entre o artista e o espectador”, comenta Fernanda Satamini, coordenadora do Circuito dos Ateliês do Centro

FAQ: Dúvidas frequentes sobre a Semana de Arte do Rio 2026

Quando começa a Semana de Arte do Rio 2026?

A primeira edição acontece de 16 a 27 de setembro de 2026, somando 12 dias contínuos de atividades espalhadas pelo Rio.

As atrações e mostras são gratuitas?

A maior parte da programação conta com entrada franca, incluindo as apresentações do MIMO no Circo Voador, os shows do Festival TOCA na Lapa, as palestras do ARUA Summit e os passeios aos ateliês.

Onde ocorrem os principais espetáculos e exposições?

A concentração principal fica no Centro e na Região Portuária, em endereços como Circo Voador, Arcos da Lapa, Praça Tiradentes, Cais do Valongo, Museu de Arte do Rio (MAR), Museu do Amanhã, CCBB e Centro Cultural ARUA.

Serviço: Período: 16 a 27 de setembro de 2026 / Local: Centro do Rio de Janeiro, Região Portuária e polos nos bairros da Zona Norte e Oeste / Entrada: Gratuita na maioria dos eventos e exposições / Programação completa: Disponível nos canais oficiais e no portal da Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro.

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O que esperar de “O Filho” com direção de Léo Stefanini?

Do sucesso de Meu Pai a filme estrelado por Hugh Jackman. 

Para entender o peso da produção, vale lembrar que Florian Zeller é um dos nomes mais celebrados do teatro e do cinema contemporâneos. O autor francês é o criador da aclamada trilogia familiar formada pelas peças O Pai, A Mãe e O Filho. O primeiro texto ganhou repercussão mundial nas telonas em Meu Pai (The Father), filme que rendeu o Oscar de Melhor Ator a Anthony Hopkins e o de Melhor Roteiro Adaptado ao próprio Zeller.

No Brasil, o diretor Léo Stefanini já havia comandado uma adaptação teatral de sucesso de O Pai, protagonizada por seu pai, Fúlvio Stefanini. Em O Filho, obra que também ganhou versão cinematográfica estrelada por Hugh Jackman e Laura Dern, Stefanini assume o desafio de transpor para o palco um drama denso sobre a impotência dos pais diante do sofrimento dos filhos.

• Crítica de Um Filho: prequel de Meu Pai aborda depressão e automutilação

A história acompanha Nicolas, um jovem de 17 anos em sofrimento psíquico profundo após o divórcio dos pais. O rapaz passa a faltar à escola, isola-se no quarto e se apoia no uso excessivo de telas. A convivência com a mãe logo se torna insustentável, embora esse atrito não apareça em cena. Nicolas decide, então, morar com o pai, que já tem uma nova companheira e um bebê recém-nascido.

O texto levanta debates indispensáveis sobre a depressão na adolescência, a dificuldade de comunicação geracional e o sentimento de culpa de pais que tentam lidar com um problema complexo por meio de soluções práticas do dia a dia. Eles buscam, sem sucesso, consertar uma dor que não compreendem, mas falham na escuta.

Análise das atuações: Por que o ritmo demora a engrenar no palco?

Apesar da relevância incontestável da narrativa, a encenação enfrenta dificuldades na sua primeira metade. O texto soa excessivamente duro na boca dos atores, passando a impressão de réplicas travadas e pouco espontâneas.

Chama a atenção o descompasso cênico nos primeiros blocos, especialmente porque o elenco já vem apresentando essa mesma montagem por palcos de diversas cidades brasileiras ao longo de vários meses. Mesmo com a bagagem acumulada durante a turnê, a maior parte das cenas parece uma leitura protocolar. Falta maleabilidade nas trocas para que o público se conecte de imediato com a fragilidade daquela família.

Gabriel Braga Nunes interpreta o pai, Pedro, um homem pragmático. O personagem tenta solucionar a crise do filho usando autoridade e lógica, sem realmente entender a dor do garoto. Maria Flor vive Sofia, a mãe exausta que se vê de mãos atadas diante do fechamento do filho (papel que conta com Maria Ribeiro em sessões alternadas aos domingos). O jovem Andreas Trotta interpreta Nicolas, o protagonista em crise.

Completando o núcleo central, Bruna Miglioranza interpreta a madrasta, Sofia, que tenta equilibrar os cuidados com o bebê e a rotina da nova casa enquanto lida com a presença silenciosa e perturbadora do enteado. A dinâmica entre o casal e o jovem ilustra o desconforto da convivência, mas as primeiras interações cotidianas soam sem o calor e a naturalidade necessários.

O clímax emocional resgata peso dramático no segundo ato

O ritmo da peça ganha consistência a partir da segunda metade, quando as tentativas de diplomacia dão lugar ao confronto direto. Quando as tensões explodem, o elenco finalmente encontra o tom e a densidade que a dramaturgia pede.

Os embates entre pai e filho, somados às conversas dolorosas sobre internação hospitalar e os limites do suporte familiar, ganham crueza e peso dramático, apesar de ainda soarem pouco naturais. Nesses momentos de choque, a montagem se esforça para alcançar o impacto dramático característico da obra de Zeller.

Se a atuação oscila, a estrutura técnica da peça merece reconhecimento. A cenografia aposta em linhas funcionais e elegantes, permitindo que as transformações de espaço aconteçam sem interromper o andamento do espetáculo.

A iluminação desenha com precisão atmosferas frias e intimistas, traduzindo visualmente o isolamento e o peso da angústia presente na rotina dos personagens. O recurso dos letreiros luminosos para indicar a passagem do tempo e as trocas de locação também funciona com agilidade, organizando a narrativa com clareza para a plateia.

“O Filho” se sustenta pela coragem de encarar a saúde mental na juventude de frente, sem apelar para lições fáceis ou sentimentalismo raso. Embora a montagem tropece na fluidez dos diálogos, a força dos embates na reta final e a precisão dos elementos técnicos garantem uma experiência teatral profunda. É um espetáculo que convida o público a refletir sobre escuta, empatia e os desafios da convivência familiar.

Saiba mais sobre a peça!

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Apesar do tom festivo e da celebração de trajetórias consagradas, a noite deixou transparecer pequenos problemas na condução do evento. Com falhas no ritmo, trocas de comando confusas entre as apresentadoras e erros nas imagens do telão, a cerimônia pecou pelo improviso e exigiu jogo de cintura dos convidados. Ainda assim, nada tirou o brilho dos artistas que subiram ao palco para exaltar a cultura e o trabalho contínuo do setor no país.

Confira a crítica de Manas: Marianna Brennand faz recorte sobre o combate sobre o combate ao abuso infantil

Quem levou o Grande Otelo de Melhor Filme?

O momento mais aguardado da noite ficou por conta da categoria de Melhor Longa-Metragem de Ficção. Em um resultado histórico, a Academia Brasileira de Cinema consagrou um empate técnico entre Manas, dirigido por Marianna Brennand, e O Agente Secreto, comandado por Kleber Mendonça Filho.

O prêmio duplo soou como um aceno de conciliação da Academia com a própria comunidade cinematográfica. A escolha de O Agente Secreto como o representante oficial do Brasil na corrida por uma vaga no Oscar havia gerado debates no setor, já que muitos defendiam que Manas era o título ideal para a campanha internacional. Ao premiar as duas produções no Grande Otelo, a instituição justificou e chancelou o favoritismo do longa de Kleber Mendonça Filho sem deixar de fazer justiça a Manas, reconhecido como uma das obras mais impactantes e necessárias do ano.

Leia a crítica: O Agente Secreto traz a crocância da brasilidade

A consagração do cinema feito por mulheres

A força de Manas ficou , certamente, ainda mais evidente no prêmio de Melhor Direção. Única mulher indicada na categoria, Marianna Brennand levou a estatueta pela condução de sua primeira ficção. Em seu discurso, a cineasta dedicou a conquista às colegas realizadoras e destacou a urgência de olhar para as violências invisíveis sofridas pelas mulheres no interior do país, celebrando um cinema focado em proteger corpos e honrar memórias.

Aliás, a equipe do filme reforçou que o roteiro, premiado na categoria de Roteiro Original após oito anos de escuta e pesquisa, buscou colocar a denúncia na tela sem expor os corpos nem banalizar a dor das vítimas. A noite também coroou a atuação de Dira Paes, vencedora do troféu de Melhor Atriz Coadjuvante por seu trabalho emocionante no longa.

Os discursos da noite abordaram a luta contra o racismo às políticas públicas

O engajamento social e a defesa da cultura deram o tom nos agradecimentos dos premiados nas mais diversas categorias. Rodrigo Santoro, vencedor como Melhor Ator Coadjuvante por O Último Azul, relembrou o início de sua carreira no cinema com Bicho de Sete Cabeças e defendeu que o momento atual de reconexão do público com os filmes brasileiros precisa se transformar em fortalecimento estrutural para o setor.

Outro momento de grande comoção ocorreu com a vitória do curta de ficção Amarela, dirigido por André Hayato Saito. O cineasta aproveitou o espaço para denunciar o preconceito e o racismo velado enfrentados pela comunidade nipo-brasileira, que muitas vezes surgem disfarçados em formato de humor no dia a dia. 

A importância de políticas públicas contínuas e do investimento em produções voltadas para a infância também marcou a cerimônia. Ao subir ao palco para receber o troféu por O Diário de Pilar na Amazônia, a equipe do longa reforçou a urgência de fortalecer os mitos locais no cinema e na TV, resumindo o sentimento em um apelo marcante por “menos Homem-Aranha e mais curupira”. A defesa do audiovisual infantil também ganhou coro na comemoração da animação Tainá e os Guardiões da Amazônia.

Homem com H: O domínio técnico e a preferência do público

Se as categorias principais dividiram atenções, o júri técnico encontrou um vencedor incontestável. A cinebiografia Homem com H, inspirada na vida de Ney Matogrosso, dominou os prêmios visuais e sonoros, garantindo os troféus de Trilha Sonora, Figurino, Maquiagem e Som. A aceitação da obra se confirmou também na votação popular, que deu ao filme a estatueta de Melhor Filme pelo Voto Popular.

Jesuíta Barbosa conquistou o prêmio de Melhor Ator por sua interpretação de Ney Matogrosso. O ator não pôde comparecer à cerimônia e foi representado pelo diretor Esmir Filho, que subiu ao palco emocionado para agradecer o reconhecimento e destacar a generosidade do protagonista.

Leia a crítica de HOMEM COM H

Falhas técnicas e bastidores no Theatro Municipal

Apesar das homenagens e discursos marcantes, a organização da noite enfrentou momentos delicados. A falta de ensaio da dupla de apresentadoras prejudicou o ritmo da transmissão, gerando silêncios desconfortáveis ao longo da entrega dos troféus.

O contratempo mais evidente ocorreu durante o anúncio da categoria de Melhor Figurino. Indicada duas vezes na mesma categoria (por Homem com H e por O Último Azul), a figurinista Gabriela Marra viveu um momento de incerteza no palco quando um erro no sistema do telão exibiu dados trocados entre os indicados. A falha provocou visível confusão na plateia até que a vitória da profissional pelo trabalho em Homem com H fosse devidamente confirmada e celebrada.

Destaques das séries e animações: “Máscaras“, “Cangaço Novo” e o espaço da TV

Além disso, as produções feitas para a televisão e o streaming mantiveram sua relevância na 25ª edição do prêmio. A série “Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente” saiu da cerimônia como um dos grandes destaques do setor, vencendo como Melhor Série de Ficção e garantindo o prêmio de atuação para Johnny Massaro. Em seus agradecimentos, o ator homenageou profissionais de saúde e comissários de bordo que enfrentaram a crise da AIDS e o preconceito na década de 1980. 

A noite também foi de consagração para Alice Carvalho. Indicada em duas frentes na premiação (como Atriz Coadjuvante pelo longa O Agente Secreto e como protagonista em Cangaço Novo), a atriz conquistou o troféu de Melhor Atriz por seu papel na série do Prime Video.

Em seu discurso, Alice lembrou o início de sua trajetória no interior do Rio Grande do Norte e ressaltou o papel essencial das produtoras de elenco para abrir caminhos e descentralizar as oportunidades no audiovisual brasileiro.

Confira a lista Completa dos Vencedores do Prêmio Grande Otelo 2026

Longas-Metragens (Júri Técnico)

• Melhor Longa-Metragem Ficção: Manas (de Marianna Brennand) e O Agente Secreto (de Kleber Mendonça Filho) — Empate
• Melhor Direção: Marianna Brennand (Manas)
• Melhor Atriz: Denise Weinberg (O Último Azul)
• Melhor Ator: Jesuíta Barbosa (Homem com H)
• Melhor Atriz Coadjuvante: Dira Paes (Manas)
• Melhor Ator Coadjuvante: Rodrigo Santoro (O Último Azul)
• Melhor Roteiro Original: Felipe Sholl, Marcelo Grabowsky, Marianna Brennand, Carolina Benevides, Antonia Pellegrino e Camila Agustini (Manas)
• Melhor Roteiro Adaptado: Daniel Rezende (O Filho de Mil Homens)
• Melhor Primeira Direção de Longa-Metragem: Rafaela Camelo (A Natureza das Coisas Invisíveis)
• Melhor Longa-Metragem Comédia: Velhos Bandidos (de Claudio Torres)
• Melhor Longa-Metragem Documentário: Apocalipse nos Trópicos (de Petra Costa)
• Melhor Longa-Metragem Animação: Tainá e os Guardiões da Amazônia – Em Busca da Flecha Azul (de Alê Camargo e Jordan Nugem)
• Melhor Longa-Metragem Infantil: O Diário de Pilar na Amazônia (de Eduardo Vaisman e Rodrigo Van Der Put)
• Melhor Longa-Metragem Ibero-Americano: Belén (Argentina) e O Riso e a Faca (Portugal) — Empate

Categorias Técnicas

• Melhor Direção de Fotografia: Evgenia Alexandrova (O Agente Secreto)
• Melhor Direção de Arte: Thales Junqueira (O Agente Secreto)
• Melhor Montagem de Ficção: Isabela Monteiro de Castro (Manas)
• Melhor Montagem de Documentário: David Barker, Tina Baz, Nels Bangerter, Jordana Berg, Victor Miaciro e Eduardo Gripa (Apocalipse nos Trópicos)
• Melhor Trilha Sonora: Guilherme Amabis, Mariana Amabis e Rica Amabis (Homem com H)
• Melhor Som: Ana Luiza Penna, Martín Grignaschi e Armando Torres Jr. (Homem com H)
• Melhor Figurino: Gabriella Marra (Homem com H)
• Melhor Maquiagem: Martín Macías Trujillo (Homem com H)
• Melhor Efeito Visual: Alexandre Boiron, Luuk Meijer e David Van Heeswijk (O Agente Secreto)

Voto Popular

• Melhor Filme pelo Voto Popular: Homem com H (de Esmir Filho)

Séries e Televisão

• Melhor Série Ficção (TV Aberta ou Streaming): Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente
• Melhor Atriz de Série de Ficção: Alice Carvalho (Cangaço Novo)
• Melhor Ator de Série de Ficção: Johnny Massaro (Máscaras de Oxigênio Não Cairão Automaticamente)
• Melhor Série Documentário: Caçador de Marajás
• Melhor Série Animação: Osmar, a Primeira Fatia do Pão de Forma

Curtas-Metragens

• Melhor Curta-Metragem Ficção: Amarela (direção: André Hayato Saito)
• Melhor Curta-Metragem Documentário: Sebastiana (direção: Pedro de Alencar)
• Melhor Curta-Metragem Animação: A Tragédia da Lobo Guará (direção: Kimberly Palermo)

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Ao deixar o vilão Gru de lado, a história transporta a ação para a Los Angeles da década de 1920 e apresenta novos minions à franquia. Na trama de Minions e Monstros (Minions and Monsters, no original), os protagonistas James, Henry e Ed se tornam astros do cinema mudo, mas acabam demitidos com a chegada do cinema falado. Para dar a volta por cima, eles decidem rodar o próprio filme de terror e, usando um livro de feitiços, invocam criaturas reais para o set. O diretor Pierre Coffin entrega uma comédia frenética que diverte as crianças e esconde uma grata surpresa para o público adulto apaixonado por cinema.

Uma grande metalinguagem sobre o próprio império dos Minions

O aspecto mais fascinante de Minions e Monstros é como ele funciona como uma imensa engrenagem metalinguística. O roteiro ri de si mesmo o tempo todo. Ao colocar os Minions como astros instantâneos do cinema na trama, o longa faz um comentário muito perspicaz sobre o sucesso estrondoso que os próprios personagens conquistaram no mundo real.

Há cenas recheadas de ironia mostrando a enxurrada de produtos que os personagens geram dentro da história. Essa autoconsciência dá um sabor especial à produção, transformando o que poderia ser apenas mais um caça-níqueis em uma sátira inteligente sobre a indústria do entretenimento.

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Da Era do cinema mudo ao nascimento dos monstros

A premissa se encaixa perfeitamente na natureza dos personagens. Como a comunicação verbal dos Minions sempre foi baseada em um dialeto caótico e incompreensível (criado pelo diretor e dublador Pierre Coffin), inseri-los no auge do cinema mudo é um acerto técnico e tanto. O humor físico exagerado evoca diretamente o estilo de ícones como Charlie Chaplin e Buster Keaton. Para os cinéfilos de plantão, as referências visuais a obras como Tempos Modernos e Cidadão Kane são um prato cheio.

O conflito , surpreendentemente, ganha força quando eles decidem produzir o próprio longa de terror. Com a ajuda de um livro místico, eles trazem para a cidade o pequeno e carismático monstro Goomi (dublado, no português, por Guilherme Briggs). No entanto, nem tudo funciona perfeitamente nessa transição de gêneros. A mudança brusca do ambiente de bastidores do cinema mudo para o cinema de monstros faz o roteiro perder um pouco do foco e da elegância conquistados na primeira metade.

O resultado é uma narrativa fragmentada no terço final. O diretor Max (Christoph Waltz, no original, Philippe Maia, em português) praticamente desaparece da história e a homenagem refinada aos pioneiros da tela grande dá lugar a uma enxurrada de piadas barulhentas e correrias urbanas. Essa saturação de elementos deixa o clímax um tanto genérico, aproximando a produção das fórmulas caóticas e previsíveis de outros derivados da própria franquia.

Representatividade e pioneirismo na franquia

Além disso, outro ponto positivo da produção é a estreia de Ed, um Minion surdo que assume papel central no trio de protagonistas. É interessante ver o cuidado da produção com o personagem, que traz a Língua de Sinais para o centro da narrativa de forma pioneira dentro da franquia. 

A Língua de Sinais no centro do blockbuster

O roteiro ganha pontos ao integrar essa comunicação de maneira natural à rotina de trapalhadas de James e Henry. Ed se comunica com os companheiros com total fluidez, participando ativamente de toda a jornada.

O impacto de Debbie e a sátira social dos anos 1920

Essa busca por representatividade ganha o reforço de Debbie, uma jovem sufragista que se manifesta ativamente pelos direitos das mulheres na Los Angeles de 1920. Embora o filme use a presença da ativista como pano de fundo para situações cômicas, a inserção ajuda a dar cor e uma camada extra de crítica social ao universo projetado para o público maduro. É um passo firme de diversidade dentro de um grande blockbuster de estúdio.

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O show à parte dos monstros da dublagem brasileira

Se as vozes originais em inglês trazem nomes de peso como Christoph Waltz, Zoey Deutch, Jesse Eisenberg, Jeff Bridges e Allison Janney, a versão brasileira não fica atrás. Assistir a Minions e Monstros dublado é uma experiência essencial.

Quem são os dubladores de Minions e Monstros no Brasil?

O elenco de dublagem nacional reúne profissionais experientes que dão uma aula de adaptação cultural. Grandes nomes como Guilherme Briggs, Manolo Rey, Wendel Bezerra, Alexandre Moreno, Philippe Maia e Carla Pompílio emprestam suas vozes aos personagens humanos e monstros. O ritmo do humor ganha contornos muito familiares para o espectador brasileiro, mantendo a energia lá no alto.

Vale a pena assistir a Minions e Monstros no cinema?

O saldo final desta nova animação da Illumination é positivo, mesmo com os tropeços de ritmo que afetam a metade final da história. O roteiro deixa de lado aquela obrigação de entregar um desfecho carregado de dramas familiares ou lições de moral, algo frequente em blockbusters voltados para o público infantil. A narrativa prioriza a velocidade e o entretenimento, correndo de forma direta para quem está acostumado com o ritmo frenético das redes sociais.

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Por fim, o resultado é uma experiência leve e equilibrada para diferentes gerações. Enquanto as crianças encontram o habitual festival de tombos, cores vivas e o visual carismático das criaturas, o público adulto ganha um verdadeiro banquete de referências aos bastidores de Hollywood e piadas corporativas. Minions e Monstros vale o ingresso por extrair o melhor desse universo em uma sátira inteligente.

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