No palco, dois atores experientes, Pivo Maia e Claudio Amado, encarnam Renan e Wesley, respectivamente. Renan é um homem que vive entre compromissos, pressa e solidão. A sua rotina atribulada esconde o vazio de quem já não encontra mais sentido no dia a dia. Até que, numa esquina qualquer, surge Wesley — um cachorro vira-lata que, ao ser acolhido por Renan, abre espaço para uma amizade inesperada e transformadora.

Com texto cativante e acessível, a peça evidencia como um afeto inesperado pode atravessar barreiras emocionais e recuperar a possibilidade de se conectar com o outro. Uma história sensível, que mistura humor e delicadeza, convidando o público a refletir sobre vínculos, empatia e a beleza das pequenas mudanças.

O estilo de vida contemporâneo, marcado por pressões profissionais e excesso de demandas, tem gerado impactos crescentes no bem-estar emocional. Segundo o relatório State of the Global Workplace, da Gallup, cerca de 40% dos trabalhadores no mundo relatam altos níveis de estresse diário, enquanto a Organização Mundial da Saúde (OMS) reconhece o burnout como consequência do estresse crônico relacionado ao trabalho. 

Segundo o autor, “Vida de Cão” nasce da necessidade de contar uma história sobre encontros transformadores. Em um mundo marcado pelo isolamento, pela pressa e pelo individualismo, o espetáculo propõe uma reflexão poética sobre a força das conexões afetivas, mostrando como gestos cotidianos podem dar novos contornos à vida.

A relação entre homem e animal funciona aqui como metáfora do acolhimento: Wesley não é apenas um cachorro, mas a representação da possibilidade de mudança, de olhar para fora de si e reencontrar a sensibilidade perdida. 

Serviço: de 11 a 26 de agosto  / Terças e Quartas, às 20h / Teatro Café Pequeno – Av. Ataulfo de Paiva, 269, Leblon / Venda de ingressos: na bilheteria (abre uma hora antes de espetáculo) e no site https://bileto.sympla.com.br/event/124675/d/403493/s/2644313 / Classificação indicativa: 14 anos / Rede social: https://www.instagram.com/vidadecao_espetaculo/

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Depois de uma temporada de sucesso em São Paulo, a montagem permanece em cartaz até 28 de setembro, de sexta a segunda-feira, sempre às 20h. A dramaturgia de Luiz Fernando Lobo parte de uma ampla pesquisa em arquivos brasileiros, europeus e americanos, reunindo documentos primários para reconstruir a trajetória da militante comunista e revisitar um dos episódios mais marcantes da história política brasileira.

A Companhia Ensaio Aberto reabre arquivos, escava documentos e traz à tona registros que confrontam a história oficial. Como afirma o historiador Marc Bloch, “os documentos, mesmo os aparentemente mais claros, não falam senão quando sabemos interrogá-los”. Para ele, “nunca, em nenhuma ciência, a observação passiva gerou algo de fecundo”.

Esse é o ponto de partida de “Olga”, espetáculo que segue a tradição do teatro documentário, elaborado por Erwin Piscator e desenvolvido por Peter Weiss. A encenação propõe uma nova leitura da história ao evidenciar contradições, questionar narrativas consolidadas e lançar novos olhares sobre um dos períodos mais delicados da história.

O espetáculo tem dramaturgia e direção de Luiz Fernando Lobo. O elenco é composto pelos atores do núcleo artístico da Companhia Ensaio Aberto. Tuca Moraes interpreta Olga. A equipe artística do espetáculo é encabeçada por J.C. Serroni (cenário), Beth Filipecki e Renaldo Machado (figurino), Cesar de Ramires (iluminação), Felipe Radicetti (direção musical e trilha original) e Aninha Barros (produção executiva).

A temporada ganha um significado especial por acontecer na Zona Portuária do Rio, de onde Olga Benário Prestes foi deportada, a bordo do navio La Coruña, para a Alemanha nazista.

Serviço: De 16 de agosto a 28 de setembro / Local Teatro Vianinha, Armazém da Utopia – Armazém 6, Boulevard Olímpico, Região Portuária / Ingressos  www.sympla.com/armazemdautopia

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Inspirado no romance homônimo de Marília Passos, finalista do Prêmio Jabuti 2023, o espetáculo constrói uma narrativa intensa e poética sobre a nova rotina de Mariana em um ambiente violento, hostil e imprevisível. Ao mesmo tempo em que precisa lidar com tantos e novos desafios, a médica vive uma paixão arrebatadora por Nino, um médico brilhante e enigmático que lhe apresenta uma nova forma de enxergar o mundo e a si mesma. A trama também propõe discussões sobre as violências e limites vividos pelo corpo feminino e as complexidades da maternidade. 

“A ideia nasceu do desejo de contar uma história de amor ambientada em um lugar extremo. O Sudão do Sul surgiu justamente por reunir tragédia e força, violência e encantamento. Mas, ao longo da escrita, percebi que essa era, acima de tudo, a história de uma mulher que encontra coragem para romper com uma vida infeliz e descobre que a transformação que procura não está no outro, mas dentro de si”, descreve a autora Marília Passos. “A adaptação do livro para a peça foi muito rica. Novas camadas e leituras surgiram ao longo desse percurso. A criação nunca termina”, completa. 

Ao longo da peça, somos convidados a testemunhar a fragilidade que se transforma em força, o amor que exige renúncias e as incertezas que, paradoxalmente, trazem novas alegrias. O formato de monólogo amplifica a vulnerabilidade e a intimidade da personagem, criando uma conexão profunda entre a atriz e o público, que compartilha de perto suas reflexões e emoções íntimas. “O que mais me emociona ao interpretar Mariana é acompanhar a coragem dela de sair de uma vida estável e se lançar ao desconhecido em busca de se sentir viva novamente. Ao enfrentar situações extremas, inclusive no amor, ela encontra força para seguir em frente e transformar a própria história. Espero que o público seja atravessado por essa trajetória e saia do espetáculo refletindo sobre seus medos, desejos e sobre a coragem necessária para mudar a própria vida”, destaca a atriz Gabriela Rosas.

O diretor Fernando Philbert reforça que, ao abordar diferentes camadas da experiência feminina, o espetáculo abre espaço para múltiplas leituras e reflexões. “O foco da peça não é a guerra nem a violência em si, mas a transformação dessa mulher. O que nos interessava era acompanhar essa virada de chave, a descoberta de uma nova forma de viver e de amar. Ao mesmo tempo, o espetáculo aborda questões femininas muito importantes, como a maternidade, a sobrecarga mental e as pequenas violências cotidianas”, reflete.

Serviço
Temporada: de 13 de agosto a 4 de setembro de 2026
Dias e horários: quintas e sextas-feiras, às 20h
Teatro Gláucio Gill: Praça Cardeal Arcoverde, s/nº, Copacabana
Ingressos: https://funarj.eleventickets.com/ Sessões com intérprete de Libras: 20 e 28 de agosto Classificação: 14 anos

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No dia 19 de agosto, haverá a leitura dramatizada de “A Tragédia dos Trópicos”, da autoria de João Santucci, que também assina a direção. A história se passa no Rio de Janeiro: após uma guerra civil que fragmenta o Brasil em nações independentes, o Rio de Janeiro decreta a volta da escravidão. Sem perspectivas de trabalho ou moradia, uma mulher vende 40 anos de sua vida a uma família da elite carioca. Na casa grande, ela encontra outros que também aceitaram viver em regime de escravidão em troca de uma futura indenização do governo.

Programação completa

19 de agosto – A Tragédia dos Trópicos. Autor e diretor: João Santucci. 

Elenco: Cristina Pereira, Fernanda Botelho, João Santucci, Karina Jamil, Maíra Labanca, Patrícia Bello, Raquel Monteiro, Victor Lampert.

Em vídeo: Djavan Fernandes, Nicole Rosário, Paula Malheiros.

Ao piano: Thalysson Rodrigues

Sinopse: Após uma guerra civil que fragmenta o Brasil em nações independentes, o Rio de Janeiro decreta a volta da escravidão. Sem perspectivas de trabalho ou moradia, uma mulher vende 40 anos de sua vida a uma família da elite carioca. Na casa grande, ela encontra outros que também aceitaram viver em regime de escravidão em troca de uma futura indenização do governo. Enquanto tensões morais e sociais crescem dentro desse novo sistema, um crime abala a estrutura da casa.

16 de setembro – Levada. Autora: Rúbia D’Alessandro. Direção: Florencia Santángelo. Elenco: Fernanda Botelho.

Sinopse: LEVADA é um solo multilinguagem baseado em relatos reais. O processo de psicanálise de uma mulher que, ao investigar seus travamentos, descobre sua verdadeira história, com episódios de violência doméstica, silenciamento, sororidade e acolhimento. O espetáculo busca lançar luz sobre temas urgentes como violência contra a mulher, maus-tratos à criança e o estigma acerca das psicoterapias.

Texto: Rúbia d’Alessandro. 

Dramaturgismo: Cecília Ripoll

Direção Cênica: Florencia Santángelo

Supervisão Cênica: Julio Adrião

Atuação: Fernanda Botelho

Cenografia e Figurino: Raquel Theo

Criação Audiovisual: Rebecca Moure e Miguel Bandeira | Photon DUO

Trilha Sonora: Miguel Bandeira

Iluminação: Juju Moreira

Produção: Fernando Alax | Casa136 Laranjeiras

Idealização: Fernanda Botelho

23 de setembro – Estranha forma de vida. Autora e interpretação: Tereza Seiblitz. Sinopse: Uma mulher encontra-se no CTI de um hospital devido a um problema no coração. Ela já é mãe e avó. Nesse ambiente cheio de intervenções no seu corpo, seu pensamento é atravessado por questionamentos e memórias ao som da máquina que monitora sua vida nesse CTI. Ela percebe que algumas memórias não são suas mas das pessoas que a visitam. Fica a questão: como será a hora de deixar esse corpo, essa vida? O título “Estranha Forma de Vida” remete ao famoso fado imortalizado na voz de Amália Rodrigues que entra em um dos atravessamentos vividos pela personagem acamada. O fado canta: “estranha forma de vida tem este meu coração” e isso entra no fluxo de pensamento da mulher que está no CTI por conta de um infarto. Escrito em 2017 como adendo literário de um trabalho para uma matéria do Mestrado em Literatura na PUC-Rio, esse texto procura trazer laivos de conceitos de Deleuze, Nancy, Kleist (entre outros) de maneira bem humorada e oral, procurando revelar o que seria “pensamento-corpo”.

27 de outubro – Não é mancha vil o lodo que me cobre. Autor: Miguel Ángel Zamorano. Direção: João Santucci. Elenco: Júlio Adrião, Fernanda Botelho, João Santucci, Patrícia Bello, Raquel Monteiro. 

Sinopse: Em uma universidade privada regida pela eficiência, pela precariedade e pela retórica administrativa, Jacobo Paterson, professor de literatura e escrita, é demitido por e-mail depois de anos ensinando sob contratos provisórios. Ao tentar descobrir o motivo da sua expulsão, encontra Elisa, funcionária da instituição, que lhe oferece uma possibilidade de ajuda em troca de um favor: aproximar-se de Nina, sua irmã mais nova, cuja vida parece escapar a qualquer forma de controle familiar, moral ou social. O encontro entre Jacobo e Nina desloca a peça para um território ambíguo, onde educação, desejo, dinheiro, imagem, corpo e poder se confundem. Nina, estrela de plataformas adultas sob o nome Linda Diamond, arrasta o professor para um universo que desafia suas convicções intelectuais, suas nostalgias humanistas e sua fé na literatura como forma de salvação. Enquanto Elisa tenta proteger a irmã e lidar com suas próprias ruínas afetivas, Sanabria, figura grotesca da engrenagem universitária, transforma desejo, ressentimento e poder institucional em chantagem. Com humor ácido e violência verbal, Não é mancha vil o lodo que me cobre acompanha a queda, ou talvez a metamorfose, de um professor vocacional que, expulso da universidade, acaba encontrando no lodo sintético da performance, da pornografia e da inteligência artificial uma inesperada forma de sobrevivência. A peça investiga os restos de dignidade possíveis num mundo em que a cultura se converte em ornamento, o trabalho em submissão, o corpo em mercado e a sujeira em estética de vanguarda.

Serviço

III Ciclo de leituras dramatizadas 2026 

Local: Instituto Cervantes do Rio de Janeiro

Endereço: Rua Visconde de Ouro Preto, 62 – Botafogo

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Vencedora do Prêmio Shell de Dramaturgia, o espetáculo “Três Irmãos”, da Cia Cerne, poderá ser conferido no dia 13 de agosto, quinta-feira, às 18h. Com dramaturgia e direção de Vinicius Baião, a peça é encenada por Edlane Silva, Gabriela Estolano, Higor Nery, Leandro Fazolla, Madson Vilela e Rohan Baruck. O espetáculo conta a história de uma família de lavradores expulsos de suas terras, obrigada a empreender uma travessia em busca de sobrevivência. Tendo a Baixada Fluminense como ponto de partida, a montagem atualiza temas recorrentes da obra do escritor baiano, como fome, migração, violência política e fé popular. “Três Irmãos” integra a pesquisa da Cia Cerne sobre grandes personalidades brasileiras que passaram por São João de Meriti, cidade onde Jorge Amado viveu entre 1946 e 1948, quando exerceu mandato de deputado federal.

No dia em que Jorge Amado faria aniversário, 10 de agosto, das 14h às 17h, a escritora e pesquisadora Joselia Aguiar ministra a palestra “A Vida e a Vida de Jorge Amado”, referência ao título do romance “A Morte e a Morte de Quincas Berro d’Água”, do baiano. Joselia é autora de “Jorge Amado – Uma Biografia” (Todavia), vencedora do Prêmio Jabuti 2019 na categoria biografia, documentário e reportagem, e no bate papo revisita a experiência pessoal e o projeto literário do escritor, 25 anos após sua morte. Ela também aborda o documentário “3 Obás de Xangô”, do qual é corroteirista, e revela a amizade entre Jorge Amado, Dorival Caymmi e Carybé.

A programação com Joselia se estende também à oficina “Escritas da Vida”, com aulas nos dias 11 e 12 de agosto, das 10h às 13h, em que a autora compartilha o processo de pesquisa e escrita biográfica, desde a apuração de fontes até as decisões sobre estrutura narrativa que, em alguns casos, aproximam a biografia da ficção.

Completando a programação, no dia 18 de agosto, das 14h às 17h, a autora, diretora e cineasta Christiane Jatahy ministra a palestra “O Teatro em Ação e Relação com o Tempo Presente da Cena e do Mundo”. Jatahy discute as fronteiras entre teatro e cinema, realidade e ficção, performance e teatro, e também aborda seu trabalho de renovar caminhos dramatúrgicos em abordagens contemporâneas de textos clássicos. Durante o encontro, a diretora mostra imagens de suas criações, sempre discutindo o contexto político e social em que foram produzidas. 

O mês de agosto no Parque de Ideias também conta com as oficinas “Da Ideia ao Roteiro”, com Carolina Amaral, professora de roteiro e dramaturgia da PUC-Rio, que ensina a transformar ideias em roteiros e projetos audiovisuais, com aulas em 10, 12 e 14/08, das 10h às 13h; e “Laboratório do Palco”, com Thai Halfed, profissional com mais de 20 anos de experiência em produção técnica de eventos, que aborda direção, produção técnica, iluminação, áudio e vídeo para quem quer atuar em shows e espetáculos, com aulas de 10 a 12/08, das 10h às 13h.

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Idealizado e encenado por Igor Castilho, que também assina texto e dramaturgia com Rodrigo Murat, o espetáculo atravessa a jornada de um rapaz que, após ser chamado de “Elke Maravilha” pelos colegas da escola, se recolhe no seu quarto para compreender esse apelido. Entre memórias, delírios e fabulações, ele recria os episódios mais emblemáticos da vida da artista, como a primeira vez em que vestiu uma roupa extravagante e quando criou a maquiagem que se tornaria sua marca registrada, e acaba descobrindo diversos paralelos com a sua própria trajetória.

Nesse processo de investigação, o jovem percebe que contar a história de Elke Maravilha é também contar a sua própria história – e a de tantas outras pessoas que, assim como ele, buscam a possibilidade de existir para além da normatividade.

Igor conta que o projeto nasceu do desejo de compartilhar com o público esse processo de identificação com Elke, na esperança de inspirar outras pessoas que ainda se sentem pressionadas a esconder suas diferenças a reconhecê-las como parte de sua potência.  

Serviço: Temporada: de 14 a 30 de agosto  / Sessões: sextas, sábados e domingos, às 20h / Local: Teatro Candido Mendes – Rua Joana Angélica, 63, Ipanema / vendas no site https://bileto.sympla.com.br/event/123127/d/396210 / Classificação etária: 14 anos

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Fenômeno de público por onde passa, Maurício percorre o país com um espetáculo que rompe com o formato tradicional da comédia e transforma o público em parte essencial da apresentação. A experiência começa antes mesmo do início do show. Ao chegar ao teatro, o público responde a um questionário que serve de base para as interações conduzidas por Maurício durante a apresentação. Com uma tecnologia desenvolvida especialmente para o espetáculo, histórias, opiniões e situações compartilhadas pelos espectadores se transformam em piadas, provocações e momentos completamente imprevisíveis ao longo da noite.

O resultado é uma sessão única, criada em tempo real a partir da participação da plateia. O retorno ao Rio de Janeiro acontece após o grande sucesso da temporada realizada em maio, reforçando a forte conexão do comediante com o público carioca e a consolidação de “Surto Coletivo” como um dos espetáculos de maior destaque da atual cena do stand-up nacional.

Conhecido pela rapidez no improviso e pela capacidade de transformar situações cotidianas em humor afiado, Maurício Meirelles segue expandindo os limites da comédia com um espetáculo que une entretenimento, tecnologia e participação ativa do público.

ServiçoData: 7 de agosto de 2026 (sexta-feira)
Horário: 21h
Local: Teatro Miguel Falabella – Norte Shopping – Av. Dom Hélder Câmara, 5.474 – Del Castilho, Rio de Janeiro (RJ)
Ingressos: https://mauriciomeirelles.com.br/

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A peça nasceu a partir da carta escrita por Domingos para celebrar seus 72 anos. Distante de um manual sobre atuação, o texto reúne pensamentos e experiências de vida destinados aos jovens que, como escreveu o autor, “morarão na casa do futuro”. Na adaptação para o palco, a dramaturgia assinada por João Vithor Oliveira e Thiago Herz transforma essas reflexões em uma experiência cênica que aproxima ator e plateia.

Em cena, João Vithor interpreta um jovem ator apaixonado pela vida e, ao mesmo tempo, angustiado diante da certeza da morte. Na tentativa de compreender suas próprias inquietações, ele mergulha na leitura da carta de Domingos Oliveira, fazendo dela um ponto de partida para investigar temas universais como desejo, juventude, traição, felicidade e o sentido de seguir criando. Sob direção de Thiago Herz, o espetáculo rompe a parede entre palco e público e coloca o ator em constante contato com a plateia.

Para João Vithor, a volta da peça representa um reencontro com uma obra cuja trajetória foi interrompida antes do esperado: “Voltar com esse espetáculo nasce, antes de tudo, do desejo de estar novamente no palco depois de sete anos. A trajetória da peça foi interrompida precocemente pela pandemia, quando os teatros fecharam e todos precisaram ficar em casa. Hoje, me vejo revisitando as mesmas dores, dúvidas e belezas do ofício que atravessam a dramaturgia, escrita por mim ao lado de Thiago Herz. Além disso, a reestreia acontece justamente no ano em que Domingos Oliveira completaria 90 anos, tornando essa temporada também uma forma de celebrar seu legado. É um texto que nos lembra algo de que, muitas vezes, nos esquecemos: fazemos teatro também para sermos felizes”.

Serviço:  7 a 30 de Agosto / sextas e sábados, às 20h. Domingos às 19h.
Local: Teatro Municipal Domingos Oliveira (Av. Padre Leonel Franca, 240 – Gávea) / Ingressos

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“DAS SEIS ÀS SETE” surge à partir das experiências vividas do ator, desde o começo errado da minha carreira que acabou dando certo. “Nele combinei que gostaria de me tornar um ator profissional e que eu pudesse levar alegria para as pessoas. Quanto mais escrevia, mais intimidade e mais os meus pedidos eram atendidos. Com o passar dos anos a minha FÉ foi aumentando e a minha vida se transformando”, conta.

“Das Seis às Sete” tem como objetivo maior fazer com que os espectadores possam refletir sobre o seu próprio passado, presente e futuro que não depende SÓ de DEUS. Se vai ter humor? A vida não tem a menor graça sem ele.

Serviço: 06 de Agosto a 24 de Setembro / Teatro Fashion Mall / Ingressos pela sympla

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O espetáculo, que conta com trilha sonora ao vivo do pianista, arranjador e compositor de música original de diversas obras no teatro e no audiovisual Fernando Moura, reúne três dos últimos contos de Kafka que falam sobre a condição do artista no mundo contemporâneo, confrontando a dedicação insana à perfeição artística ao talento que beira a fraude. No palco, os atores apresentam o último espetáculo em um teatro em ruínas e com o impacto do absurdo sobre suas vidas, e desconstroem Kafka com ousadia e humor, convencidos que o fim dos tempos chegou.

Para escrever “Subversão Kafka“, Rogério pesquisou sobre vida e obra do autor para buscar uma tradução cênica autêntica, viabilizando no palco através da ação, um sonho-pesadelo, a destruição e a renovação dos conceitos intrigantes de Kafka. 

“Os três contos se intercalam com situações desafiadoras vividas pelos atores no espetáculo envolvendo a plateia no contrassenso dos acontecimentos. Como é um projeto familiar, meu principal objetivo foi escrever uma peça que os atores se divertissem a cada apresentação”, explica o dramaturgo.

Serviço: Temporada: 14 de agosto a 27 de setembro / Teatro Prio / Ingressos pela Sympla

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