Na peça, os palhaços Benedita e Sabonete se lançam sobre o casamento sem fórmulas ou garantias, tratando-o como um terreno fértil para histórias — algumas boas de viver, outras melhores ainda de contar. Entre jogos de improvisação e situações construídas em tempo real, o espetáculo evidencia um espaço onde o riso convive com o conflito, e onde a liberdade do jogo contrasta com aquilo que, paradoxalmente, não pode ser improvisado.

“Quem vive um casamento sabe que ele é feito de extremos: amor e ódio, lágrimas e riso. Pequenas batalhas cotidianas que, às vezes, têm o mesmo peso de grandes decisões”, afirma Adriana. “Para mim, o casamento tem muito da improvisação: ele acontece na escuta e na disposição para seguir no jogo, mesmo quando há divergência. É uma escolha diária — sabendo que o conflito também constrói a história”, completa Tiago.

Resultado de um processo de criação iniciado em 2022, o trabalho articula improvisação teatral e palhaçaria — eixo de pesquisa recente do grupo. A montagem passou por diferentes etapas, incluindo uma imersão com o diretor, um ensaio aberto com o público e uma residência artística em Portugal com o palhaço e improvisador César Gouvêa. A partir dessas experiências, o grupo desenvolveu uma dramaturgia autoficcional que evoca memórias da relação entre os artistas, sempre aberta às variações do improviso em cena.

Casamento marca a 21ª criação do Grupo Trampulim, coletivo mineiro reconhecido pela relação direta com o público e pela pesquisa contínua sobre o ofício do palhaço, transitando entre circo, teatro, música e improvisação.

Sinopse – Benedita e Sabonete não conhecem nenhuma receita, fórmula ou segredo para um casamento feliz e duradouro, mas mergulham de cabeça nesse tema desafiador. Garantem: o casamento é um terreno fértil para construir histórias — às vezes boas de viver, às vezes só boas de contar. Um lugar de jogo onde a improvisação é quase sempre bem-vinda, embora algumas coisas simplesmente não possam ser improvisadas.

Serviço
Temporada: 23 de abril a 3 de maio de 2026
Local: Sesc Copacabana – Sala Multiuso Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana
Classificação: 12 anos
Venda: na bilheteria e pelo site ingresso.com / Acessibilidade: intérprete de Libras na sessão de 25/04, às 19h

Atividade formativa Oficina: “PalhaçaRIA perCURSO AFETAdo”
Datas: 28 e 29 de abril
Horário: 17h30 às 21h30
Carga horária: 8 horas
Vagas: 25
Valor: gratuito / Inscrição: via formulário disponível no link

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O elenco é formado por veteranos que têm o ritmo humorístico que o público ama, donos de um timing cômico perfeito, capaz de transformar cada cena em uma explosão de risadas.

Serviço: 22 e 29 de abril (quartas-feiras) às 20h / Teatro Miguel Falabella – Norte Shopping Av. Dom Hélder Câmara, 5332 – Cachambi / Venda de ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/118992

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Antes mesmo da estreia oficial, Albani bateu recorde ao vender mais de 40 mil ingressos em apenas 24 horas, reforçando seu status como um dos nomes mais populares da comédia nacional. Em A Ignorância É Uma Dádiva, o humorista compartilha suas reflexões sobre amadurecimento, redes sociais e a vida moderna, com o olhar crítico e bem-humorado que o consagrou.

“A nossa geração é a última que não cresceu com redes sociais… que ainda lembrava de viver. Nesse show, falo sobre como a internet deu poder para uns fazerem tudo — e para outros, nada”, comenta Albani. Ele ainda brinca: “Na minha época, o bullying era mais leve. Você tinha que sacanear alguém cara a cara, então existia um certo pudor, um respeito”.

Serviço: 19 de abril / Local: Qualistage
Endereço: Avenida Ayrton Senna, 3000, Barra da Tijuca / Ingressos https://qualistage.com.br/renato-albani

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Em cena, o conflito ganha forma no encontro entre duas mulheres atravessadas por diferenças profundas: de um lado, uma mãe marcada por valores conservadores e pela dureza da vida; de outro, uma filha que busca existir com mais liberdade, inclusive em sua maneira de amar.

Em “Querida Mamãe”, Maria Adelaide Amaral transforma a intimidade entre mãe e filha em matéria dramática de alta voltagem emocional, revelando, com delicadeza e contundência, as contradições de um vínculo forte e capaz de acolher e ferir na mesma medida.

Inspirado na relação de Maria Adelaide Amaral com a sua mãe, o texto é um dos mais premiados da dramaturgia da autora, e mergulha com profundidade nas camadas do universo feminino, reafirmando uma das suas marcas mais potentes: a criação de mulheres fortes, complexas, contraditórias e profundamente humanas. No palco, Ruth (Nívea) e Helô (Regiane), duas grandes presenças femininas, se reencontram em um apartamento povoado por lembranças, ressentimentos e afetos mal resolvidos.

“O texto é maravilhoso. A forma como as dificuldades de comunicação, as delicadezas e as nuances são colocadas, a quantidade de camadas que há por trás do que é dito e do que não é dito, tudo é muito rico. E quando você tem duas atrizes como essas, você pode justamente encontrar, reencontrar e buscar caminhos múltiplos. Eu tenho a sensação de que essa peça nunca vai ser a mesma dois dias seguidos”, afirma o diretor Pedro Neschling.

A montagem marca também um encontro simbólico entre duas intérpretes que já passaram por universos dramatúrgicos de Maria Adelaide Amaral na televisão e que agora se aproximam no teatro por meio de um texto que fala, com rara sensibilidade, sobre heranças emocionais, incompreensões e tentativas de reparo. 

“Essa é a primeira vez que trabalhamos juntas. Sempre acompanhei e admirei o trabalho da Nívea, e tem sido muito especial trocar com uma atriz tão experiente, e ao mesmo tempo tão aberta a ouvir e compartilhar. É uma realização profissional trabalhar com uma pessoa que está tão presente na nossa memória afetiva”, diz Regiane Alves.

SERVIÇO: Temporada: de 1 a 31 de maio / Local: Teatro dos 4 – Shopping da Gávea Endereço: Rua Marquês de São Vicente, 52 – Gávea Classificação indicativa: 12 anos / Ingressos em  https://bileto.sympla.com.br/event/118586/d/375659/s/2506492 

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Com texto original escrito em 1936, pouco antes do assassinato de Lorca durante a Guerra Civil Espanhola, a peça narra a história de Bernarda Alba, uma matriarca autoritária que impõe às filhas um rígido luto após a morte do marido, confinando-as em um ambiente marcado por repressão, vigilância e desejos contidos.

Na adaptação, a estética sonora e visual ganha destaque ao incorporar referências do rock, presentes na trilha, iluminação, maquiagem e figurino. A proposta confere ritmo e tensão à narrativa, reforçando o caráter contemporâneo da montagem e ampliando suas conexões com temas atuais, especialmente no que diz respeito às pressões sociais sobre as mulheres.

Segundo o diretor Paulo Marcos de Carvalho, a escolha estética busca provocar reflexão. “Diante de tudo o que temos visto sobre as mulheres na mídia, senti que deveria provocar um estado de urgência de consciência. A estética escolhida conversa com o texto e reforça essa casa atravessada por silêncios densos e desejos reprimidos, prestes a romper”, afirma.

A recepção do público também marcou a estreia. “Eu fiquei maravilhado com a peça. Eu realmente não esperava tudo o que vi. Fui achando que era um clássico da cabeça aos pés, mas fiquei positivamente surpreendido. O jogo de luzes, as músicas, a maquiagem e, principalmente, o jogo cênico com as cadeiras brancas e tecidos me prenderam do início ao fim, nem vi o tempo passar. Eu super recomendo”, destaca João Pedro, estudante de Relações Internacionais que assistiu à apresentação.

Serviço Datas: 15 e 29 de abril / Local: Teatro Cândido Mendes – Ipanema / Ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/117302?share_id=1-copiarlink

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Inspirada na trajetória de Iris Apfel — referência mundial de estilo, irreverência e liberdade criativa, falecida em 1 de março de 2024 aos 101 anos — a peça celebra a potência da maturidade, a reinvenção constante e a recusa em aceitar os limites impostos pela idade.

A história do espetáculo começa em 2017, quando o ator e autor Cacau Hygino descobriu Iris Apfel pelas redes sociais. Intrigado com a imagem daquela senhora de óculos redondos, colares exuberantes e postura absolutamente contemporânea, decidiu descobrir quem ela era.

Ao perceber, em uma foto, um tapete na entrada de um prédio com a inscrição “PA 480”, deduziu que se tratava do endereço da empresária em Nova York. Confirmada a suspeita por um amigo que morava na cidade, iniciou uma insistente tentativa de contato — cartas, telefonemas e envio de material sobre o projeto. Meses depois, Iris retornou a ligação. O encontro aconteceu em Nova York e dali nasceu uma amizade que resultaria no monólogo “Através da Iris”, protagonizado por Nathalia Timberg, com circulação nacional e teatros lotados até a interrupção causada pela pandemia.

Com a impossibilidade de continuidade da montagem original, o texto permaneceu guardado até que Hygino decidiu retomá-lo sob uma nova perspectiva. Aliás, a escolha de Rosamaria Murtinho para o papel tem um caráter afetivo e artístico. Cacau Hygino e Rosamaria são amigos desde que ele tinha 18 anos. Em 1998, dividiram o palco no musical “O Abre Alas”, de Maria Adelaide Amaral, dirigido por Charles Moeller e Claudio Botelho — ocasião em que Hygino interpretou o irmão da atriz.

Anos depois, o reencontro artístico se concretiza em “Uma Vida em Cores”. Ao ser convidada para viver Iris Apfel, Rosamaria aceitou com uma condição: contracenar com sua neta, Sofia Mendonça. A proposta deu origem a uma nova dramaturgia, com a atriz Simone Soares encarnando a fiel escudeira de Iris, Juliet.

Agora, a atual versão abandona o formato de monólogo e transforma a narrativa em um diálogo entre Iris e Emily (Sofia Mendonça), jovem jornalista e estagiária da revista Vogue americana, que recebe a missão de entrevistá-la. A matéria pode definir seu futuro profissional.

O que começa como entrevista formal se transforma em um jogo de provocações, humor e cumplicidade. Entre memórias, reflexões e confidências, surgem temas como etarismo, moda como identidade, amor e luto, escolhas e legado e o valor do tempo vivido.

A dramaturgia mistura ficção e memória afetiva, incorporando episódios reais da trajetória de Iris, inclusive sua relação de 68 anos com o marido, Carl Apfel. No palco, o encontro entre Rosamaria e Sofia ultrapassa o texto. A relação real entre avó e neta adiciona uma camada de autenticidade à narrativa e reforça o eixo central da obra: a troca entre gerações.

Serviço: Temporada: de 18 de abril a 21 de junho / Local: Teatro das Artes – Shopping da Gávea – R. Marquês de São Vicente, 52 / Ingressos em https://divertix.com.br/teatro/uma-vida-em-cores   

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Na terça-feira (14/04), às 16h, a escritora e roteirista Melina Dalboni apresenta a palestra “Clarice Lispector: da literatura ao teatro e ao cinema”. No bate-papo, compartilha com o público sua experiência em adaptar a obra da autora para diferentes linguagens, a partir do trabalho no longa “A paixão segundo G.H.” e no livro “Diário de um Filme – A paixão segundo G.H.” (Rocco, 2024).

SERVIÇO De 6 a 17 de abril de 2026

Local: Biblioteca Parque Estadual – Av. Pres. Vargas, 1261, Centro

Para mais informações e inscrições, confira no site: https://linktr.ee/oparquedeideias

PALESTRA “CLARICE LISPECTOR: DA LITERATURA AO TEATRO E AO CINEMA” COM MELINA DALBONI

14 de abril, às 16h

PEÇA “SIMPLESMENTE EU, CLARICE LISPECTOR” COM BETH GOULART

14 e 15 de abril, às 18h

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Adele Fátima, que assina a dramaturgia em parceria com Paulo Mileno, se tornou conhecida do público ao estrelar o comercial da Sardinha 88 e ao dar vida a protagonista Clara das Neves de Histórias Que Nossas Babás não Contavam, uma paródia sensual da história da Branca de Neve. 

O filme foi um sucesso de público nos cinemas brasileiros e também na televisão, sendo exibido constantemente nas sessões noturnas do SBT na década de 1980 e mais recentemente no Canal Brasil. “Ser símbolo sexual atrapalhou minha vida. (…) É claro que estudo todas as propostas que recebo, e quando ela é significativa, lá estou eu gravando“, enfatiza Adele.

A proposta do projeto visa resgatar a imagem de Adele Fátima, que revolucionou o Brasil e o mundo, ressignificando a beleza, a corporalidade, a potência, talento e carisma da mulher negra. Adele vem de um período em que não havia mulheres negras nas capas de revistas de beleza. Ela veio em seguida da Aizita Nascimento, da Vera Manhães e outras raríssimas aparições em publicações do gênero.

Segundo o jornalista e escritor Joaquim Ferreira dos Santos, até então, mulheres para terem a chancela de ícones da perfeição plástica “precisavam estar cobertas de uma quase camada de leite, uma peruca loura e, se possível, olhos verdes”, afirma o escritor. 

Ainda de acordo com o escritor, Vera Fischer era assim, as vedetes do teatro de revista também e todas as que ocupavam as capas da Manchete, Fatos e Fotos, O Cruzeiro e também da descolada revista SR. “As negras só podiam ser associadas à sensualidade, à alcova, mas não ao padrão social consagrado de beleza. Toda esta mulherada de coloração incrível, do mais suave moreno ao mais exacerbado negro, deve muito a Adele”, acrescenta.

Filha de pai europeu e mãe descendente de negros e indígenas, Adele Fátima é a síntese da miscigenação característica da população brasileira. Desta forma, o espetáculo mostra ao público desde o início de sua carreira até sua representação brasileira, mesmo estando fora do Brasil.

Adele Fátima é ícone da cultura brasileira, símbolo da beleza, da representatividade e da resistência artística. Tornou-se um rosto conhecido nacionalmente nas décadas de 1970 e 1980, quando protagonizou o icônico comercial das Sardinhas 88, além de conquistar projeção internacional, tendo atuado em quatro filmes no exterior, entre eles, na franquia 007, contracenando com Roger Moore, o próprio James Bond, sendo até hoje a única Bond Girl brasileira da história do cinema mundial.

“Se o mundo das artes, do teatro, do cinema, da música, da publicidade e do carnaval e a sociedade não são mais os mesmos desde quando Adele Fátima começou é porque temos uma Diva como ela, que nos impactou ao mudar a própria realidade e, por conseguinte, a visão do público que a assiste e a reverência como a Rainha que ela é”, enfatiza Paulo Mileno, idealizador, produtor e diretor do espetáculo.

A História a ser contada será em formato teatral, representada e apresentada pela própria atriz, Adele Fátima, que vai passar em revista a sua trajetória e contribuição para as artes, o carnaval e a cultura em geral.

“É incontestável que a trajetória de Adele Fátima é um resgate cultural e histórico. As novas gerações, sejam os brancos antirracistas e as massas negras ávidas por representação precisam saber como ‘uma neguinha’ conseguiu quebrar um antigo paradigma, abrindo espaço na mídia para a mulher negra, valorizando sua imagem e fenótipos a nível internacional, transformando, de forma revolucionária, a mentalidade e o comportamento da sociedade”, analisa Mileno.

Mesmo após enfrentar situações delicadas ao longo de sua trajetória, Adele Fátima encontrou forças para se reconstruir e dar a volta por cima. Em meio às dores e desafios, decidiu não se deixar definir pelas adversidades, mas sim pela sua capacidade de superação. Hoje, sua história se transforma em um símbolo de resistência e renascimento.

“Como fênix, insatisfeita com o rumo da própria vida e em busca da felicidade, Adele ressurge como símbolo de resistência, com novos projetos audiovisuais, musicais, teatrais e literários e o projeto da sua vida que é sobre o Meio Ambiente e está pronta para ocupar de novo o lugar de destaque que sempre foi seu, que são os holofotes do sucesso”, finaliza Paulo Mileno.

Serviço:

18  de abril, às 15 horas

Igreja de São Jorge – R. Adolfo Konder, 141 – Realengo, Rio de Janeiro

23 de abril, às 12 horas.

Igreja de São Jorge – R. Adolfo Konder, 141 – Realengo, Rio de Janeiro

29 de Abril, às 15 horas

Aldeia Maracanã – Av. Rei Pelé, 1051 – Maracanã, Rio de Janeiro

Ingressos: Gratuitos 

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“Melodrama da Meia-Noite” é uma peça de improvisação inspirada no melodrama francês do século XIX. A obra resgata o universo popular do gênero, com vilões cruéis, mocinhos apaixonados e personagens marcados por emoções intensas.

Sob o comando do Monsieur Le Professeur, os atores interpretam personagens arquetípicos do melodrama e, a partir de jogos dramatúrgicos, constroem tramas inéditas a cada apresentação. Amores impossíveis, famílias despedaçadas, crimes misteriosos e finais surpreendentes surgem em tempo real, sempre com a participação ativa da plateia, que assume o papel de “povo de Paris”.

“‘Melodrama da Meia-Noite’ propõe uma viagem ao Boulevard du Crime, na Paris do século XIX, período em que se consolida o melodrama de inspiração francesa. Por meio de um jogo de improvisação, mediado pela figura de Monsieur Le Professeur, o público acompanha histórias construídas ao vivo e é convidado a interferir no destino de vilãs e vilões implacáveis, além de mocinhos e mocinhas apaixonados”, comenta o diretor do espetáculo, Paulo Merisio.

O destino dos personagens está, literalmente, nas mãos da plateia. Com figurinos de época, trilha sonora executada ao vivo e iluminação criada em cena, “Melodrama da Meia-Noite” celebra um teatro popular, afetuoso e inteligente, que honra suas raízes históricas ao mesmo tempo em que dialoga com o presente por meio do jogo, da musicalidade e da improvisação.

A montagem terá curta temporada, com três apresentações nos dias 24, 25 e 26 de abril (sexta, sábado e domingo), no Teatro Dulcina, no Centro do Rio de Janeiro. Antes da apresentação de sábado (25/04), das 13h30 às 16h30, a Cia Melodramática realiza, no Teatro Dulcina, a Oficina Melodrama, voltada para atores, estudantes e amantes das artes cênicas.

Ministrada pelo diretor Paulo Merisio, em parceria com o elenco, a atividade propõe uma experiência prática inspirada nos arquétipos do espetáculo, como vilões, mocinhos e personagens marcados por emoções intensas. As inscrições e mais informações estão disponíveis na plataforma Sympla, no link de compra dos ingressos.

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Mathias abre seu coração numa autoficção envolvente, com temáticas muito íntimas, como a descoberta da adoção, saúde mental, o ser uma pessoa LGBTQIAPN+ no mundo, a influência da arte, das novelas e da escrita na sua vida e muito mais. Viajamos juntos em sentimentos e emoções tão universais, numa imersão teatral que explora recursos inéditos como Soundhealing e Meditação de Inteligência do Coração ao longo da experiência.

O que nos torna uma pessoa? O que nos conecta? O que há em comum entre todos nós, apesar das diferenças genéticas, sociais, culturais, políticas? Que experiências? Sentires? Memórias? Emoções? Numa sociedade tomada pela urgência, pelo cansaço, pela internet, inteligências artificiais, pelas bolhas de nossas identidades, costumamos não olhar mais para o diferente e nos vemos cada vez mais separados. E o hoje? O processo? O caminhar? O bando? Somos um, todos seres humanos, com seus louros e dores, histórias e sonhos que são únicas e tão universais. “Eu sou outro você”, em seu título resgata uma saudação da civilização maia, sem querer se apropriar historicamente, mas, trazer à tona a beleza de ver o outro em si mesmo. Do psicólogo Carl Rogers: “aquilo que é mais pessoal é o que há de mais geral” à saudação maia “In Lak’ech Ala K’in, “eu sou outro você, você é outro eu”, relembramos que nenhuma vivência é totalmente única e na essência somos todos um.

Mergulhamos juntos em sentimentos e emoções tão universais, numa imersão teatral que explora recursos inéditos como Soundhealing e Meditação de Inteligência do Coração ao longo da experiência. Seu solo experiência tem direção de Ingrid Manzini e assistência de Vitor Louzada e estreia sua segunda temporada nas Quartas de Abril, às 20h na Sede Cia dos Atores, localizada na Escadaria Selarón.

Mathias Bildhauer, natural de Passo Fundo, vive há 10 anos no Rio de Janeiro e se inspirou em histórias reais da sua vida, sobretudo aquelas da infância no Rio Grande do Sul, para escrever o seu segundo monólogo, que ele chama de um solo experiência, a peça “Eu Sou Outro Você”.

Com uma estreia de sucesso em dezembro de 2024, o espetáculo impactou mais de 150 pessoas e gerou um grande engajamento nas redes sociais, com mais de 400 mil visualizações em seus vídeos, críticas positivas, com destaque a de Jorge Leão do Guia do Teatro Carioca que definiu como um dos melhores espetáculos do ano e de comentários e compartilhamentos nas redes sociais feitos por Ivete Sangalo.

SERVIÇO Temporada: 1, 8, 15, 22 e 29 de abril de 2026 | Quarta-feira | 20h  / Local

Sede Cia dos Atores

Escadaria Selarón, Rua Manuel Carneiro, 12 – Santa Teresa, Rio de Janeiro – RJ

Estações de metrô mais próximas: Cinelândia/Glória

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