A ideia desse “Remix” surgiu em 2025 quando a coreógrafa Deborah Colker foi agraciada com o título de Cidadã Honorária de Mesquita, cidade situada na Baixada Fluminense. No dia da cerimônia, havia uma exposição fotográfica com uma retrospectiva da atuação de Deborah e crianças que se dedicam à dança fizeram uma apresentação inspirada em espetáculos da Companhia. “Ficamos muito emocionados com a homenagem das crianças. Percebemos que nossas três décadas de trabalho já estão deixando um legado”, relembra o diretor executivo e cofundador João Elias. 

O desafio de Deborah e Elias passou então a ser a escolha por cenas dentre quinze trabalhos. Essas cenas precisariam ainda atender a dois critérios: ser ao mesmo tempo impactantes para o reencontro com o público e demonstrar a potência criativa da Companhia. A decisão foi finalizada com a seleção da coreografia “Paixão” do espetáculo “Vulcão” (1994), a cena “Delírios” de “Belle” (2014), “As Meninas” e “Vasos” de “4×4” (2002) e as coreografias “Gravidade” e “Roda” do espetáculo “Rota” (1997).

O resultado dessa remixagem tornou-se a produção mais ousada da Companhia. “São toneladas de equipamentos, muitas pessoas envolvidas e uma grande estrutura de montagem”, conta o diretor executivo. O elenco conta com 16 bailarinos que dançam com uma cortina gigantesca de 12 metros, 90 vasos e uma roda com 5 metros de diâmetro, em dois atos que reservam muitas surpresas. “São atos com emoções diferentes. No primeiro, há o encontro com os sentimentos mais densos e explosivos. No segundo, tem a alegria e a leveza”, explica Elias, que também assina a dramaturgia.

“Remontar não é só repetir os movimentos. O mais difícil é lembrar o contexto da criação. O pensamento que deu origem ao movimento”, pontua Deborah, contabilizando que a viagem mais longa, no tempo e na memória, é de 32 anos, no princípio da Companhia quando coreografou “Paixão” para o espetáculo “Vulcão”. 

Para Deborah, “Remix” também direciona o olhar para além do próprio repertório. “Desde 2024, venho enfrentando duras batalhas na vida pessoal que me forçaram a olhar ainda mais para dentro de casa. Minha família e a Companhia são a minha vida”, destaca a coreógrafa, que avisa que o novo trabalho é um convite para o reencontro com diferentes fases de criação. “Como toda obra de arte, um livro que você relê, uma música que você ouve outra vez, um filme que você revê, o público vai sentir novas emoções com ‘Remix'”. 

A equipe criativa se completa com a direção de arte de Gringo Cardia, que assina todos os cenários originais. Os figurinos ficam sob a responsabilidade de Claudia Kopke, que atualiza os originais de Yamê Reis e Samuel Cirnansck. Berna Ceppas conduz a fusão da trilha sonora. A adaptação dos projetos de iluminação a partir dos originais de Jorginho de Carvalho foi feita por Eduardo Rangel.

“Remix” é o terceiro projeto especial que remasteriza o próprio repertório da Companhia. Mas, diferencia-se de “Mix” (1995) e “Vero” (2016) justamente pela dramaturgia que, desta vez, ao invés de dois, cria um fio condutor para quatro espetáculos emblemáticos, que igualmente mostram ao público a inventividade e a ousadia, características marcantes dos espetáculos da Companhia de Dança Deborah Colker.

SERVIÇO  Data e horário: 03, 04, 05/06 (quarta a sexta), às 19h30 | 06 e 07/06 (sábado e domingo), às 16h / Local: Theatro Municipal do Rio de Janeiro (Praça Floriano, S/Nº – Centro)  Ingressos  https://feverup.com/m/609762?preview=92176726

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Na véspera da maioridade, o Poeira tem uma notícia a mais para comemorar: o retorno da Petrobras como patrocinadora do espaço e, com ela, a volta de uma programação que marcou época, com cursos, oficinas e encontros, além de manter espetáculos em cartaz de terça a domingo nas duas salas. 

Os programas de Artista Residente, Artista Visitante e Teatro e Pensamento – idealizados pelo saudoso Aderbal Freire-Filho, parceiro das atrizes na concepção artística do lugar – estão finalmente de volta e de forma gratuita!

Ao longo do ano, as Oficinas Petrobras vão receber grandes nomes da cena brasileira, a começar pela diretora Bia Lessa, que será a primeira Artista Visitante a ocupar o teatro por um mês, entre junho e julho, quando vai desenvolver uma série de ações com os participantes. 

A Oficina Petrobras com Bia Lessa começa dia 1 de junho e as inscrições já estão abertas através do e-mail teatropoeira@teatropoeira.com.br para onde o candidato deve mandar currículo e uma carta de intenção.

Em seguida, será a vez de Duda Maia (agosto a outubro) e Chris Moura (outubro e novembro) fixarem residência no Poeira e compartilharem seu processo de trabalho com as turmas em um grande mergulho criativo. O diretor Rodrigo Portella também fará parte das Oficinas Petrobras no modulo Teatro e Pensamento, em programação que será anunciada em breve.

Serviço:

OFICINAS PETROBRAS

BIA LESSA (Artista Visitante)

Início: 1 de junho a 1 de julho – terças e quartas, das 16h às 19h. Gratuito.
Inscrições abertas pelo e-mail teatropoeira@teatropoeira.com.br

A encenadora vai liderar encontros regulares que abordarão a teoria e a prática na criação artística relacionadas às artes performáticas presenciais, com ênfase na linguagem teatral. 

Batizado de ‘Ensaio n° 10’, a oficina consiste em um mergulho teatral imersivo composto por oito encontros dedicados a experiências entre espaço, tempo, palavra e indivíduos, convidando participantes a explorar as tensões desses elementos em um processo de criação.

O programa Artista Visitante sempre visará a exposição e a transmissão do saber artístico, podendo ser relacionado ao seu método de criação ou ao conjunto da sua obra criativa ou à sua pesquisa de linguagem artística, proporcionando aos participantes uma experiência direta com a criação em várias áreas do universo das artes performáticas presenciais. Esses encontros são atividades artísticas de caráter livre, sem o comprometimento com a capacitação profissional regulamentar, com carga horária prevista de um mês, com dois encontros semanais de três horas de duração cada. 

DUDA MAIA (Artista Residente)

De 10 de agosto a 10 de outubro (terças, quintas e sábados, das 10h às 13h). Gratuito.

‘Corpo Brincante Palavra Dançante’: a diretora vai promover uma residência lúdica de investigação física que se propõe a abrir possibilidades de criação pelo movimento e, a partir dessas possibilidades, experimentar a relação do corpo com a palavra. Trata-se do método de trabalho que a diretora Duda Maia utiliza para a montagem de seus espetáculos, como ‘Elza’, ‘Auê’ e ‘Zaquim’.    

CHRIS MOURA (Artista Residente) 

De 1 de outubro a 1 de dezembro (quartas, quintas e sextas, das 10h às 13h).

‘Criação e Construção – a cena contemporânea’: A oficina pretende investigar uma prática de criação teatral e de dramaturgia contemporâneas a partir de materiais de cada ator/participante e através de seu próprio corpo e suas memórias, vivências e referências como ponto de partida. Será criado ambiente de experimentação, observação, escrita, reflexão e treinamento. Treinamento como exercício e prática continuados, preparação física combinada com a ideia de fluxo de consciência e de movimento que resulta em cena e dramaturgia. Será criada uma dramaturgia que parte de textos teatrais e de referências cinematográficas e passeia pelo imaginário, a poética, as histórias, a memória musical, o lúdico e o criativo do grupo de criadores.

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Estrelada por Ana Carolina Rainha e Lucas Figueiredo, a montagem foi premiada no Prêmio APPERJ 2025 nas categorias Melhor Atriz, Melhor Ator e Melhor Produção, consolidando o sucesso do Grupo Ânima no teatro contemporâneo.

Com direção de Ticiana Studart, “Minha Mãe é um Espírito – A Comédia” aposta em uma comédia ácida para abordar, de forma leve e bem-humorada, a intensa relação entre mãe e filho. Na trama, Lindaura Matias de Lima e Rick Mathias Lima vivem uma convivência marcada por afeto, dependência emocional e situações inusitadas que transitam entre o cotidiano e o absurdo.

Ao longo da narrativa, os personagens enfrentam uma sequência de acontecimentos inesperados, revelando conflitos, medos e fragilidades, sempre conduzidos por diálogos ágeis e situações que provocam riso e identificação com o público.

O texto, assinado por Paulo Fernando de Mello, equilibra elementos de melodrama e humor, explorando temas como o medo da morte, o vazio existencial e os laços familiares, sem recorrer a abordagens religiosas específicas. A proposta é universal: provocar reflexão a partir do riso.

Reconhecida pelo público e pela crítica, a encenação mistura referências da farsa e do realismo cômico, com uma estética que valoriza o exagero e o contraste entre humor e emoção. Produzido de forma independente, o espetáculo mantém a proposta de um teatro direto, popular e acessível.

Serviço
Datas: 15, 22 e 29 de maio
Sessões: sextas-feiras, às 18h30
Local: Teatro Miguel Falabella – Norte Shopping
Endereço: Av. Dom Hélder Câmara, 5474 – Del Castilho
Classificação: 12 anos  Ingressos: Sympla

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Com direção artística de Gilson Paixão, o espetáculo transforma memórias em poesia em movimento, revelando no palco corpos que narram dores, afetos, ancestralidade, cicatrizes e recomeços. “Tempos de Marias” propõe uma jornada delicada de autoconhecimento, em que diferentes trajetórias femininas se encontram para dar voz às muitas “Marias” que habitam o imaginário coletivo.

A obra aborda temas como identidade, memória e resistência, trazendo à cena mulheres que carregam marcas do tempo, mas também a força de florescer a partir de suas vivências. A proposta artística destaca a dança contemporânea como linguagem de expressão, acolhimento e transformação.

Além da potência estética, o espetáculo reforça a importância de ampliar a visibilidade das narrativas femininas na arte. Ao colocar as histórias das mulheres no centro da criação artística, “Tempos de Marias” promove reflexões sobre vulnerabilidade, força, pertencimento e ancestralidade, criando conexões com diferentes públicos e comunidades artísticas.

A coreografia é assinada por Gilson Paixão. O elenco reúne Anderson Silva, Bruna Vilhena, Carolina Esposito, Júlia Diaz, Juliana Pontual, Luanda Dalvito, Luan Rodriguez, Maitê Assaf, Natassia Massarani, Raquel Azevedo e Thaís Estolano.

Serviço
Data: 29 de maio de 2026 às 20h30 (única apresentação)
Local: Teatro Miguel Falabella (Norte Shopping)
Local: Av. Dom Hélder Câmara, 5474 – Cachambi
Ingressos: Sympla
Classificação: 12 anos
Instagram: @neoclama

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O texto foi escrito por Herzog e Rafaela Amodeo (também diretora de movimento), e contém relatos de entrevistas e depoimentos coletados durante a pesquisa. A peça utiliza a técnica do teatro verbatim — em que a atriz reproduz, em tempo real, áudios de testemunhos ouvidos por fones — criando um jogo entre escuta e presença. O resultado é um solo que se desdobra em múltiplas vozes, atravessado por emoções como afeto, abandono, raiva e esperança.

“A escolha pelo verbatim veio da necessidade da Inês de contar outras histórias além da dela. Ao tentar falar de si, a fragilidade do tema a leva a atravessar relatos de outras mulheres, que ecoam afetivamente — são, no fundo, histórias de filhas marcadas pela ausência paterna. O recurso busca preservar ao máximo a fala original, com o cuidado de repetir intenção e palavras com fidelidade. Assim, essas vozes costuram a dramaturgia e fazem emergir múltiplas presenças em cena, mesmo em um solo. É autoficção, mas também teatro documental”, afirma a diretora Diana Herzog. 

“FRÁGIL” nasce de uma investigação artística que envolveu diferentes públicos e especialistas, ampliando o olhar sobre o impacto da ausência paterna. Em cena, o vazio se transforma em matéria dramatúrgica: uma falta que ocupa espaços, atravessa silêncios e molda trajetórias.

Assumir o solo marcou uma virada para a atriz. “Foi um salto grande, pessoal e artístico. O projeto nasceu para três atores, mas em algum momento entendi que precisava ser um solo, mesmo sendo o meu primeiro. Parte de um lugar íntimo, mas rapidamente percebi que a ausência paterna atravessa muitas vidas. Tornou-se urgente falar sobre isso: não normalizar, não romantizar, não desculpar”, conta Inês Oneto.

A atriz também destaca a escuta como eixo da criação: “Colocar-me como mediadora dessas vozes foi, acima de tudo, um exercício de escuta. Cada história é única, mas partilha muitos pontos de contato. Em cena, trago essas experiências sem as representar literalmente, abrindo espaço para fragilidade, humor, raiva e ternura. No solo, estamos expostos, mas também livres. O que procuro é criar uma ponte com o público — um espaço de encontro onde cada um possa reconhecer algo de si e olhar para o que muitas vezes fica por dizer.”

A equipe criativa reúne ainda Clívia Cohen (direção de arte), Renato Machado (desenho de luz) e Rui Pinho Aires (direção musical), compondo uma encenação que valoriza a presença da atriz e a força dos relatos.

Mais do que um espetáculo sobre ausência, “FRÁGIL” propõe um espaço de identificação e reflexão, onde histórias individuais revelam uma experiência compartilhada.

Serviço: Dias 22, 23 e 24 de maio. Sexta e sábado, às 21h | Domingo, às 20h.
Teatro O Tablado. Av. Lineu de Paula Machado, 795 – Jardim Botânico.
Classificação: 12 anos.
Gênero: Autoficção/ Teatro documental.
Duração: 50 min. 

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Com texto e trilha original de Sara Bentes e direção de Carol Futuro e Luiza Loroza, o musical traz luz às tantas formas  de capacitismo e às consequências dele, passando pela invisibilidade, a fadiga de acesso, os abusos, o não pertencimento, e muitas outras provocações ainda tão necessárias à sociedade. “Em geral a noção que as pessoas têm de capacitismo é muito rasa, quando na verdade ele atravessa a nós, pessoas com e sem deficiência, em muitas camadas, e pode ser profundamente nocivo e perigoso”, Comenta Sara.

Outro ponto importante do trabalho é a representatividade. “É raríssimo vermos artistas com deficiência nos musicais, por muitos motivos, e enquanto nos falta oportunidade, precisamos criá-las. Então esse trabalho é também um grito por visibilidade e respeito: Olha como é possível!” acrescenta Sara’. “Tratar a deficiência como parte presente no cotidiano nos faz lembrar do quanto ainda podemos caminhar e trabalhar para que o mundo seja verdadeiramente inclusivo”, relata a diretora Carol Futuro. 

Kiko do Valle, ator e cantor com sólida trajetória em teatro musical, relata sobre a parceria: “Trabalhar com a Sara é um aprendizado diário, com uma realidade a princípio tão diferente da minha. Ela não deixa que a deficiência a limite. Realiza os próprios projetos artísticos, escreve, atua, e canta belissimamente, com uma sensibilidade rara. É muito importante que as pessoas conheçam seu trabalho e se libertem também das suas crenças limitantes.”

O destaque e desafio da peça é o elemento circense. Sara e Kiko performam em uma lira acrobática a mais de três metros de altura. “É um desafio porque envolve atuação, canto e um aparelho circense aéreo integrado ao cenário. Não estamos amarrados em nada ali, é só o nosso corpo mesmo”, pontua Sara sobre a entrega física exigida. “A lira é um aparelho extremamente desafiador que nunca tinha experimentado. Quando a gente vê no circo ou no circo-teatro, parece simples, mas é uma atividade que exige muita técnica e precisão. Estou aprendendo muito com a nossa preparadora Bárbara Abi Rihan”, destaca Kiko do Valle.

Única integrante com deficiência, Sara destaca a conexão com a equipe: “Tem sido um processo muito enriquecedor, porque existe uma grande disponibilidade das pessoas envolvidas e muita vontade de fazer uma experiência feliz para todo mundo”. A diretora Carol Futuro comenta sobre o processo: “Dirigir essa remontagem do espetáculo é uma oportunidade desafiadora e deslumbrante. Sara e Kiko são extremamente experientes. Dirigir com eles permite que a sala de ensaio seja um universo a se explorar. “A direção está maravilhosa, sensível, e totalmente integrada com o tema da deficiência e do capacitismo. O espetáculo é imperdível.” elogia Kiko.

Todas as sessões terão acessibilidade, com os recursos de libras e audiodescrição. Mas a acessibilidade não está somente na plateia. O cenário e a interação dos dois atores também conta com soluções artísticas que dão a Sara autonomia e segurança, e que se integram à linguagem do espetáculo.

SERVIÇO: Temporada: 23 e 24 de maio / Dias e horários: sábado e domingo, às 17h / Local: Futuros – Arte e Tecnologia Endereço: Rua Dois de Dezembro, 63 – Flamengo /Classificação indicativa: 14 anos

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Após o sucesso à frente do espetáculo  “Selvagem”, agora, o ator e dramaturgo se debruça agora nos atravessamentos da masculinidade na relação entre pai e filho, dando sequência à pesquisa iniciada na peça anterior acerca de temas como identidade e pertencimento. 

O novo trabalho se constrói como um fluxo de pensamento atravessado por memórias, silêncios e projeções. Nesse território íntimo e instável, “Manso” explora a desconstrução de modelos herdados e a ausência de novas referências possíveis, com foco na figura paterna. “Eu me pergunto quando nasce um pai e o que faz de alguém pai”, questiona Haiut.

No Brasil, segundo dados do Conselho Nacional de Justiça, mais de 5,5 milhões de pessoas cresceram sem o reconhecimento paterno. A partir desse contexto, o espetáculo desloca o debate da ausência — historicamente associada à masculinidade — para a potência da presença.

“Num país em que é muito comum ouvir sobre a ausência paterna, escrevi uma dramaturgia para responder a essa questão com a presença. Um homem que está diante da iminência de não se tornar pai — e cujo maior desejo é fazer de tudo para poder ser”, completa o autor e intérprete.

Serviço
Temporada: 21 de maio a 14 de junho / Quinta, sexta e sábado, às 19;  domingos, às 18h
Local: Sesc Tijuca Classificação indicativa: 14 anos

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A atriz Leona Cavalli e o diretor Eduardo Figueiredo estreiam essa em nova parceria. Uma adaptação da obra de Erasmo de Rotterdam, para o teatro inspirada no livro ‘O Elogio da Loucura’. Erasmo de Rotterdam, o autor, viveu o final da Idade Média e o início da Idade Moderna e tornou-se um dos maiores escritores, humanistas e teólogos de todos os tempos. Aliás, ainda hoje vivemos conflitos semelhantes aos de séculos atrás; a hipocrisia e a perda dos valores da vida ainda são recorrentes.

A encenação, repleta de ironia e humor, faz várias referências à loucura, presente nas artes, na História e na sociedade. A loucura, a insanidade mental, não é definida como uma condição humana que podemos adquirir. Erasmo trata a loucura de uma forma externa ao homem, e o homem só será louco se desejar ser.

“Em um momento com tantas adversidades e repleto de inversões de valores éticos, políticos e sociais, um momento onde o homem apresenta sérios sinais de retrocesso e barbárie, a obra de Erasmo de Rotterdam nos apresenta uma importante reflexão sobre civilidade e empatia nos dias atuais”, diz o diretor Eduardo Figueiredo.

“Sempre fui apaixonada por esse texto de Erasmo de Rotterdam, inédito no teatro brasileiro, e incrivelmente atual, lúcido e necessário; por identificar a loucura como parte da condição humana, que, quando integrada, torna-se potência de transformação, arte e liberdade”, conta a atriz Leona Cavalli, que irá interpretar a Loucura.

O espetáculo é pontuado com música ao vivo, executada pelos talentosos Daniel Líbano (violoncelo) e César LiRa (percussão). A trilha sonora transita entre o popular e o erudito, o contemporâneo e os ritmos étnicos.

A obra, escrita como uma sátira à sociedade dos séculos XV e XVI, tornou-se atemporal e profundamente atual; por apresentar uma nova visão da loucura, expondo as relações de poder na sociedade, na política e na Igreja, como espelhos de si mesma. Nessa versão para o teatro, a Loucura, interpretada pela atriz Leona Cavalli, se apresenta como personagem, mantendo a ótica, o sarcasmo e a sagacidade do conteúdo original da obra. Como definição gramatical, loucura é insanidade; porém o autor não a representa dessa forma, mas sim como parte da estrutura do nosso mundo, que como tal, clama por ser reconhecida e aceita.

Serviço 28 de maio a 28 de junho de 2026 / Quinta a sábado, 19h | Domingo, 18h / Ingressos à venda na bilheteria ou pelo site  bb.com.br/cultura Local: Centro Cultural Banco do Brasil Rua Primeiro de Março, nº 66, Centro / Classificação indicativa: 16 anos

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Consolidado em São Paulo, o Kidzhouse se firma como referência nacional em entretenimento infantil e dá um passo importante ao expandir sua atuação para o Rio. A proposta do evento se mantém: oferecer uma experiência completa com o conceito de “all inclusive de diversão”, em que todas as atividades estão inclusas no ingresso, com exceção da alimentação.

Ao longo do dia, o público terá acesso a uma programação diversa, que reúne shows, encontros com personagens, oficinas, ativações de marcas e espaços interativos que estimulam o brincar e a convivência. Entre as atrações confirmadas estão Lance de Escola, Chico Bento, Beatles para Crianças, Mundo Bita e Violúdico. Já entre os personagens, destaque para Smurfs, Bob Esponja, Galinha Pintadinha, Patrulha Canina, Hello Kitty e Turma da Bola, entre outros.

Aliás, a estrutura do festival foi pensada para oferecer conforto e praticidade às famílias, com sala de amamentação, área PCD, espaços de descanso, praça de alimentação, infláveis e monitoria especializada ao longo de toda a experiência.

Criado pela plataforma Kidzhouse, que tem como propósito tornar o mundo um lugar mais kids friendly, o festival aposta em experiências imersivas, atrações de grande apelo infantil e uma operação estruturada para atender toda a família, consolidando-se como um dos principais eventos do segmento no Brasil.

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O improviso, uma das características mais conhecidas do artista, faz parte da estrutura do espetáculo e está presente ao longo da apresentação. O humorista interage diretamente com a plateia, dialogando com o público e reagindo a situações que surgem no momento, o que contribui para o ritmo do show e para a construção de cada sessão de forma particular.

SERVIÇO domingo, 24 de maio d. Local: Arena Cultural Dicró
Endereço: Rua Flora Lobo s/n, Parque Ary Barroso, Penha Circula / Classificação indicativa: 16 anos / Ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/119622/d/380444/s/2529569 

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