Deixando esses pormenores de lado, do que fala Digger? Esse título faz referência ao nome do personagem principal, interpretado pelo ator Tom Cruise. Impressionante: 64 anos de idade e o filme precisou envelhecer o intérprete para o papel. É como se ele tivesse um quadro envelhecendo no porão de casa. Mas isso aí é outra história. Digger Rockwell é o homem mais rico do mundo, um milionário, dono de uma megacorporação, explorador de petróleo. E, no dia em que uma catástrofe ambiental acontece por causa de uma das suas empresas, ele se vê em uma encruzilhada: não fazer nada por conta do prejuízo ou tentar, de algum modo, remediar a situação, para que o mundo não o veja como um destruidor da humanidade, e sim como o seu salvador? Com um grande elenco, além de Tom Cruise, o filme tem John Goodman interpretando um inescrupuloso presidente dos Estados Unidos, Michael Stuhlbarg, ótimo como sempre, na pele de um acovardado vice-presidente, e Riz Ahmed como um cientista e principal consultor para assuntos ambientais de Digger. O elenco é uma das melhores coisas do filme, com todos trabalhando muito bem e de forma coesa.

Em Digger, para ficar irreconhecível na pele do personagem Cruise usou próteses, muita maquiagem e também usou um enchimento corporal.

Eu já falei do plot e poderia destrinchá-lo mais. Só que Digger é um desses filmes que, quanto menos você souber, melhor. Então, na verdade, me agradeçam por estar dando tão poucos detalhes em relação à história. O longa-metragem tem um, não, dois plot twists. Por isso, não posso dizer mais nada para vocês. Agora, além de ser o melhor filme de Iñárritu desde Birdman, essa é a produção que, de várias maneiras, dialoga melhor com a obra mais famosa do diretor mexicano. Tanto por questões técnicas — Iñárritu tem mais uma vez como parceiro o melhor diretor de fotografia do mundo, Emmanuel Lubezki, o homem que fotografou Birdman e fotografa Digger — quanto pelo próprio espírito do filme.

Indo contra aquela lógica de que quanto mais roteiristas, pior o roteiro, de que os melhores textos são escritos por apenas uma pessoa, aqui, assim como em Birdman, Digger tem quatro roteiristas: o próprio diretor, Alexander Dinelaris e Nicolás Giacobone, ambos co-roteiristas de Birdman e ganhadores do Oscar com Iñárritu, e Sabina Berman. O roteiro é baseado em uma ideia do cineasta e de Berman, mas não é só isso. Há um outro aspecto que alimenta o diálogo. Eu vou tentar dizer de um jeito que não seja considerado um spoiler, já que não quero estragar a experiência dos leitores: essa é a obra mais teatral de Iñárritu desde Birdman. E aí, vocês que estão me lendo agora, entendam esse teatral como quiserem. Se alguém chegar à conclusão do que seria essa teatralidade que aproxima os dois filmes, não conte para o amiguinho.

Por fim, para além do universo da cinematografia de Iñárritu, outro diálogo, para mim muito claro, de Digger é com Doutor Fantástico, de 1964, de Stanley Kubrick. A grandiosidade almejada é a mesma, a capacidade de nos entreter e de nos capturar visualmente também e, lá pelas tantas, as duas histórias se encontram no seu viés destrutivo da humanidade. Um como uma dura, irônica, debochada e sarcástica crítica à maneira como a humanidade lida com o meio ambiente. Já o outro como uma dura, irônica, debochada e sarcástica crítica aos arroubos bélicos da Guerra Fria.

Talvez tenhamos aqui um dos grandes filmes do ano e eu vou matutar nos próximos dias, porque talvez seja o meu filme favorito deste ano. Ele está dividindo a crítica e, sinceramente, não posso fazer nada. Uma vez, um crítico carioca disse que Gente de Sicília, de 1999, de Jean-Marie Straub e Danièle Huillet, era um filme para críticos, e ali havia uma contradição, porque ele estava dizendo que o público não gostaria, só os críticos. No entanto, ele era crítico e não gostou do que viu. Dito isto, correndo o risco de soar contraditório como o meu colega, pois eu gostei do que vi, vou dizer que esse é um filme mais para o público do que para os críticos. Não que críticos não possam gostar, mas a complexidade que Iñárritu e a sua turma tentam colocar talvez seja encarada pela maior parte da crítica especializada como uma papagaiada, um rebuscamento pedante. No final das contas, eu recomendo demais. Vejam no cinema e em tela grande, pelo amor de Deus!

Desliguem os celulares e excepcional diversão.

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Falar sobre a saúde feminina, inclusive a mental, virou uma porta de entrada para o horror na atualidade. Acho que temos um ponto no cinema recente, talvez Titane de Julia Ducorneau, uma mudança de inflexão ao olhar para a mulher não como um corpo a ser abatido, somente, mas como uma estrutura emocional que precisa ser complexificada além do sangue que pode prover ao gênero cinematográfico – e inerente ao seu outro gênero de identificação. Insaciável pega carona a essa onda de ressignificação das ‘scream queens’ (ou, abrasileirando mesmo, as rainhas do grito) para mostrar as heroínas de filmes de terror não apenas em lugar próximo à passividade. A contextualização agora não nasce apenas do perseguidor de onde a trama ganha impulso, mas do discurso que sua protagonista apresenta. 

No caso, Hana é uma jovem insegura com o próprio corpo, que descobre de uma maneira surreal, a oportunidade de ganhar autoconfiança. Insaciável poderia vir tranquilamente com uma bula “crianças: não façam isso em casa!”, mas quem em sã consciência se proporia a algo parecido com o que a protagonista realiza? A visão de uma saída fácil, sem sacrifícios progressivos, também está no recente Segredo Obscuro e na mãe de ambos, A Substância – como (e pra quê) lutar contra quem se é? Com a chegada de um novo código estético, Hana ganha pontos com quem achava inacessível, mas com isso alcança também o contato com o mundo dos mortos, que passa a assombrá-la através do corpo que disseca nas aulas da faculdade. Esse corpo, igualmente feminino, que a assombra, é um corpo obeso – e sozinha, essa costura metafórica provoca diversas reflexões. 

A diretora australiana Natalie Erika James estreou em longas com um filme que conversava com outro aspecto do feminino, os laços familiares que recaem quase que inteiramente sobre a mulher em seu processo de tácita obrigatoriedade herdada pelo gênero, em Relíquia Macabra. Aqui, James avança mais no terreno gráfico que o cinema de gênero de seu país costuma embicar; a Austrália tem produzido títulos de curiosidade estética e temática impressionante, como The Loved Ones ou o badalado Babadook. Em Insaciável, a cineasta gasta suas ferramentas em criar um processo que sedução e repulsa em imagens de comidas coloridas que serão colocadas frente a frente com as cinzas humanas que serão ingeridas por Hana; não precisa se preocupar, nada é explícito do ponto de vista da grosseria de tal ato.

O problema de Insaciável é em lidar com os excessos que o roteiro igualmente escrito por James cria para a narrativa. O filme quer dar conta de uma série de situações dramáticas que não conseguem ser totalmente exploradas, porque o escoamento de tanto material não é natural. Uma gama de propostas de reflexão relativas ao feminino que são enfileiradas, tais como distúrbios alimentares, formas libertas de comunicação sexual, relação parental alquebrada, assombro sistemático de algo que nos habita (e não o oposto), e daí para mais, com direito a pelo menos uns dois plot twists. Se esteticamente tudo está resolvido a contento, a exploração do argumento da obra não se expande o tanto que deveria para abarcar o tanto que é apresentado. 

A sessão acaba se comprometendo, porque James é uma boa roteirista, o que faltou foi sua capacidade de perceber que, ao adicionar cada vez mais narrações para sua história, os elementos ficariam dispersos em determinado momento. Sua atriz, Midori Francis, já foi premiada pelo filme, mas também ela não consegue projetar o tanto que seu visível talento permite, porque são muitos conflitos para dar conta. Quando o filme parece ter um novo final além do que foi estabelecido e propõe um novo mergulho no abismo, o espectador tende a ficar extenuado com a continuidade do horror. De alguma maneira, se James queria nos conduzir a um universo onde a violência psicológica a que nos submetemos desde a infância se transformasse em horror corporal, ela consegue – ao menos parcialmente. 

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O trailer oficial de LINKIN PARK: UNSHATTER foi lançado, oferecendo ao público o primeiro olhar sobre a história profundamente pessoal de uma das bandas mais influentes da música contemporânea enquanto seus integrantes embarcam, juntos, em um novo capítulo de sua trajetória.

Mesclando imagens raras de arquivo, momentos espontâneos dos bastidores, sessões intimistas em estúdio e performances ao vivo eletrizantes, UNSHATTER acompanha Linkin Park desde as primeiras sessões de gravação, em 2022, até a criação de From Zero e seu retorno aos palcos ao redor do mundo.

Dirigido por Joe Hahn, o filme oferece uma visão sem precedentes do processo criativo da banda e os laços de amizade que a mantiveram unida ao longo dos anos, enquanto apresenta o próximo capítulo da história do Linkin Park, com Emily Armstrong e Colin Brittain.

Em sintonia com a estreia do filme nos cinemas, a trilha sonora oficial UNSHATTER (Live in São Paulo)será lançada em 25 de setembro, reunindo performances marcantes de músicas que abrangem toda a trajetória da banda, incluindo gravações exclusivas que não aparecem no documentário. O álbum já está disponível para pré-venda e os fãs já podem ouvir “Somewhere I Belong (Live in São Paulo)“ a partir de hoje.

“UNSHATTER retrata um momento muito específico na história do Linkin Park e documenta uma trajetória marcada por perda, incerteza, amizade e reinvenção“, afirma Joe Hahn. “Espero que os fãs de longa data descubram aspectos da nossa jornada que nunca viram antes, e que aqueles que estão conhecendo nossa música agora possam compreender melhor como chegamos até aqui. Mas, para além do Linkin Park, espero que as pessoas se conectem com esta história como um relato sobre relacionamentos, resiliência e o que realmente é necessário para seguir em frente quando você não tem todas as respostas.”

A declaração completa do diretor Joe Hahn pode ser lida aqui.

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O longa, que levou 7.5 milhões pessoas aos cinemas brasileiros e arrecadou mais de R$ 169 milhões localmente, superou grandes sucessos do próprio estúdio como “Meu Malvado Favorito 4” (R$ 152.2 milhões), “Velozes e Furiosos 7” (R$ 141.8 milhões) e “Velozes e Furiosos 10” (R$135.6 milhões). O desempenho também garantiu ao filme um lugar entre as maiores bilheterias da história do mercado nacional, consolidando-se como o 12º maior lançamento de todos os tempos no Brasil, segundo dados de hoje, 4 de agosto, da Rentrak, além de ter 97% de aprovação do público no Rotten Tomatoes e 7.4/10 no IMDb. 

O filme conta a história de Michael Jackson além da música, traçando sua jornada desde a descoberta de seu talento extraordinário como líder do Jackson Five até o artista visionário cuja ambição criativa impulsionou uma busca incessante para se tornar o maior artista do mundo. Destacando tanto sua vida fora dos palcos quanto algumas de suas performances mais icônicas de sua carreira solo inicial, a produção oferece ao público uma visão do astro como nunca se viu antes.  

Estrelado por Juliano Valdi e Jaafar Jackson, que se revezam entre as fases criança e adulta de Michael, o longa conta com direção assinada por Antoine Fuqua, conhecido por sucessos como “Dia de Treinamento” e “Invasão à Casa Branca”, enquanto a produção fica a cargo de Graham King, vencedor do Oscar por “Bohemian Rhapsody”. O elenco ainda traz outras estrelas como Colman Domingo, ator duas vezes indicado ao Oscar, Nia Long, de “Empire”, Laura Harrier, de “Infiltrado na Klan”, e Miles Teller, de “Top Gun: Maverick”.  

O filme voltará aos cinemas brasileiros exclusivamente em 29 de agosto, em versões acessíveis. 

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O protagonista Airton, interpretado por Fernando Caruso, é o típico nerd eterno. Já adulto, continua agindo como adolescente: mora com a mãe, cultiva hábitos juvenis e divide suas neuroses com o inseparável amigo Ulisses, vivido por Pedro Benevides. Quando Airton decide ir à festa de vinte anos de formatura do colégio, percebe-se rapidamente que há algo mal resolvido naquele passado. O trauma envolve Juliana, personagem de Bia Guedes, antiga paixão do protagonista, afastada dele após um mal-entendido que o roteiro propositalmente esconde do público. O reencontro, portanto, não nasce apenas da nostalgia, mas da tentativa desesperada de entender um passado que Airton nunca conseguiu superar.

A festa acontece em uma casa soturna, escura, quase decadente, localizada em uma rua ainda mais estranha do que a própria residência. Quando os personagens entram naquele ambiente que mais parece um clube secreto — onde quase se espera que alguém peça uma senha para atravessar a porta — Cansei de Ser Nerd dá uma guinada e muda completamente de tom.

Em meio a ex-colegas que parecem presos no tempo, uma banda formada justamente pelos antigos mauricinhos, patricinhas e praticantes de bullying toma o palco. É aí que a comédia adolescente tardia ganha ares tarantinescos, ou melhor, ecos diretos do cinema de Robert Rodriguez. Em muitos momentos, a sensação é a de termos sido transportados para dentro de Um Drink no Inferno (1996), obra escrita por Tarantino e dirigida por Rodriguez. O público passa então a tentar decifrar o mistério: afinal, estamos diante de uma história de vampiros? Ficção científica? O longa brinca justamente com essa indefinição de gêneros, e talvez esse seja o seu maior mérito.

O interessante é que Cansei de Ser Nerd não se acomoda na fórmula fácil da comédia nacional descartável. Gualter Pupo demonstra criatividade ao misturar referências e atmosferas distintas, construindo uma narrativa que instiga o espectador a permanecer atento, curioso para descobrir o que aquela penumbra esconde. Existe um charme muito particular nessa mistura improvável de humor, suspense e estranhamento. Entretanto, em determinado momento, a fórmula parece se esgotar.

Esse esgotamento não chega a comprometer o resultado final, mas deixa a impressão de que o longa-metragem poderia ser um pouco mais curto — ou talvez precisasse desenvolver melhor determinadas ideias para sustentar plenamente sua duração. Ainda assim, o saldo permanece positivo justamente porque o filme nunca deixa de ser interessante e aposta em uma gama de efeitos especiais bem legais.

Fernando Caruso é, sem dúvida, o grande destaque da produção. Utilizando o humor que lhe é característico, o ator constrói também nuances dramáticas inesperadas, transformando Airton em uma espécie de Dom Quixote contemporâneo, alguém que atravessa seus próprios delírios em busca de uma paixão do passado enquanto enfrenta moinhos que talvez não sejam tão imaginários assim. Como contraponto, João Velho reforça mais uma vez a imagem de antagonista que carrega desde os tempos de Malhação (1995-2020).

No final das contas, Cansei de Ser Nerd pode até apresentar alguns excessos e irregularidades, mas acerta justamente por ousar. E isso, em um cenário onde tantas comédias parecem nascer prontas para serem esquecidas, já é uma qualidade enorme. Dito isto, obviamente, não tenho como não recomendar.

Desliguem os celulares e ótima diversão.

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Como, em matéria jornalística, Backrooms: Um Não-Lugar acabou de ser descoberto como o gênero de filme preferido do público brasileiro na hora de escolher algo para assistir, é salutar que algo como Backrooms: Um Não-Lugar dê as caras, vez por outra. Não apenas pela originalidade do que é proposto, das suas saídas gráficas, mas igualmente por uma aproximação de algo que não é abordado por essa saída. A atmosfera aqui é herdada da série de vídeos que Parsons produziu para o youtube com a mesma forte carga de estranheza que tais imagens se estabelecem, mas também seu entendimento da obra enquanto material cinematográfico passa por uma descoberta narrativa. O insólito não é apenas uma maneira de carregar a ambiência correta para o projeto, mas exatamente a nova camada que é adquirida ali a partir do olhar na direção de algo menos entrincheirado pelas imagens. 

Saindo de um conceito mais direto, e talvez até tradicional do gênero, seu autor revela uma faceta psicológica que é redefinida (e até amparada) pela presença de uma profissional da área como personagem. Porque Backrooms se espelha em uma espécie de caixa de Pandora fílmica, cujas descobertas são feitas de maneira gradual por quem assisti. O que é acessado pelos personagens, em diferentes estágios de entrega e revelação, é um outro corpo estranho do que o espectador devaneia; o inferno que Parsons apresenta é um mais perigoso do que sua leitura real, porque ele é desenvolvido por cada um de nós. Dessa maneira, o inferno não são os outros, mas cada um de nós e nossas cabeças perturbadas, que promovem imagens cujo apavoramento é apresentado pelo vazio, pela ausência, pelo eco de si mesmo. 

Dessa maneira subjetiva, Backrooms não facilita a vida do espectador que espera que o cinema de gênero ofereça catarse gratuita e vazia. Assim como Obsessão e Hokum, dois outros ótimos filmes em cartaz – muito mais diretos – a experiência do espectador, prévia e dentro da sala em particular, induzem às interpretações. Ainda que isso seja um chamamento para qualquer filme, o que acontece na narrativa de Parsons é apenas organizar uma base para que sua dupla de protagonistas (os indicados ao Oscar Renate Reinsve, por Valor Sentimental, e Chiwetel Ejiofor, por 12 Anos de Escravidão) se permitam uma linha de raciocínio; mínima. Mas nas entrelinhas da informação, o filme deixa escapar que nossas próprias experiências definem não apenas quem somos, mas a maneira como encaramos a solução dos problemas, e a forma como eles assombrarão nossa vida, além do que as fugas de tais medos representam para o futuro, a longo ou curto prazo. 

Um labirinto de salas vazias é descoberto. Onde eles estão? São de ordem física ou metafísica? Materialmente, ficam conectados a uma loja de móveis que não vende, mas através de um portal desconhecido é possível encontrá-lo e perder-se nele. Esses quartos dos fundos, como diz o título original, são inacessíveis ao olho nu – porque precisam ser descobertos pela reflexão, pelo que as dores pregressas fizeram questão de esconder. Backrooms se alimenta do que os seus personagens viveram no passado para alimentar o horror do presente, os traumas, as violências emocionais, a sensação de derrota que nos leva ao esconderijo da alma. Estarão nesse lugar abandonado as motivações para que sejamos vítimas do horror, todos os dias, porque a falência literal ou emocional estão vívidas para esse encontro final, entre o que nos tornamos e o que nos deixamos ser. 

Ejiofor e Reinsve, grandes atores que são, não exatamente tem aqui um veículo, porque podemos dizer que Backrooms: Um Não-Lugar é, certamente, um acordo tácito entre seu realizador e o espectador. Ele fornece a energia e o estranhamento necessários para que uma hipnose se inicie, e do lado de fora da tela percorremos o labirinto da memória torcendo para conseguir escapar do que passamos tanto tempo tentando esquecer. Aliás, Nenhum ‘jump scare’ é capaz de contribuir para a perturbação gradual da experiência coletiva do desconhecido que está abrigado nas dores de um passado que parecia enterrado. Com a construção da atmosfera certeira, que une cenários vazios com as possibilidades dele ser habitado (e pelo quê), o espectador que se deixar levar encontrará as consequências do que Charlie Kaufmann faria numa madrugada de horror. Investigar a si mesmo é a porta de entrada para revelações que não gostaríamos de ter, e ainda que não aceitemos a ideia de montanha-russa de Kane Parsons, a beleza de sua estrutura é inebriante demais para ignorar. 

O post Backrooms: Um Não-Lugar alimenta o horror do presente explorando traumas e violências emocionais apareceu primeiro em Rota Cult.

Um homem, um viajante do tempo sem nome, interpretado pelo ator Sam Rockwell, se materializa do nada, atravessando a porta de um daqueles restaurantes americanos clássicos, típicos de pinturas de Edward Hopper. Dentro desse bar soturno, com uma luz quase falhando, diversas pessoas jantam, cada uma imersa nos próprios pensamentos: um grupo de escoteiros com o chefe, jovens estudantes, uma mulher sozinha comendo uma torta, um casal que não se toca, como se estivesse separado por um unicórnio.

Esse homem adentra o ambiente e anuncia: “Isso não é um assalto. Eu venho do futuro e venho recrutar cinco pessoas que vão me ajudar a salvar o mundo.” Óbvio que, em um primeiro momento, as pessoas duvidam, incrédulas, tiradas de suas rotinas. Elas tentam reagir, mas o homem, mal vestido, com um discurso improvável, começa a tocar nas vidas delas, falando detalhes que não poderiam ser conhecidos por alguém de fora.

É aí que entendemos que aquela cena de Boa Sorte, Divirta-se, Não Morra se repete pela milésima vez, porque, em todas as outras vezes, o plano falhou. Ele diz que precisa combater uma inteligência artificial que está, aos poucos, robotizando a sociedade. A cena de adolescentes hipnotizados pelo celular é um símbolo disso. No fim, ele consegue recrutar, com muito custo, cinco voluntários, e a polícia chega, cercando o local. Ele diz a eles que devem ir até a casa de um menino de nove anos, que está, naquele exato instante, criando a tal inteligência artificial.

A partir daí, as referências se multiplicam em Boa Sorte, Divirta-se, Não Morra. Há ecos de Edgar Wright, na Trilogia Cornetto, de filmes de zumbis e de O Exterminador do Futuro, com Ingrid, a personagem de Haley Lu Richardson, evocando Sarah Connor. Verbinski, assim, cria uma ficção científica futurista que, no entanto, dialoga com o presente. O filme não promete um final feliz, como em Feitiço do Tempo, mas se apropria dessa repetição para expor uma crítica aguda à nossa sociedade: uma sociedade que perdeu o diálogo, que se prendeu aos dispositivos e se tornou escrava da tela.

Com um elenco competente, liderado por Sam Rockwell e Haley Lu Richardson, e que conta ainda com Juno Temple, Michael Peña e Zazie Beetz, o filme é uma montanha-russa emocional, uma crítica atual e, ao mesmo tempo, um convite à reflexão. Eu recomendo fortemente Boa Sorte, Divirta-se, Não Morra. As pessoas não vão precisar de tanta sorte assim ao escolher ver esse filme. Vão se divertir e, sinceramente, ninguém vai morrer por causa dele, mesmo que não gostem tanto quanto este crítico.

Desliguem os celulares e excelente diversão.

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Michael Jackson é interpretado brilhantemente pelo seu sobrinho, Jaafar Jackson. Sua atuação oferece semelhança física e vocal impressionante. Aliás, para atingir o nível de fidelidade esperado, Jaafar passou por um treinamento intensivo de mais de um ano, focado em mimetizar os movimentos e a voz de Michael. E o fez muito bem, o trabalho de corpo e voz apresentado é milimétrico e completamente preciso, apresentando um ótimo ator em sua estreia. Jaafar Jackson está fenomenal com uma atuação fora de série!

O elenco conta com Colman Domingo como o patriarca, Joe Jackson em grande atuação, enquanto Nia Long assume o papel de Katherine Jackson. Ambos os atores fazem o contraponto perfeito na vida de Michael Jackson. Já ator Miles Teller como o advogado e empresário John Branca, parece um pouco desconfortável no papel.

Sempre soubemos que a relação entre Michael Jackson e seu pai não é apenas um detalhe narrativo, mas o coração pulsante de sua história. E o filme faz uso desse vínculo com firmeza, revelando como os conflitos geraram suas fragilidades.

A história do fenômeno musical passa pelos seus primeiros dias na Motown, se apresentando com seus irmãos no Jackson 5, até sua ascensão como artista solo. Além disso, o filme conta com cerca de 13 canções icônicas, com requinte de detalhes em suas produções audiovisuais.

Michael proporciona uma imersão completa na evolução artística do cantor ao longo das décadas retratadas na tela. A Direção de Arte e figurino recria tudo com riqueza de detalhes e as cenas musicais são construídas como verdadeiras experiências sensoriais.

A direção de Antoine Fuqua é precisa, com ritmo consistente, sem excesso e gostinho de quero mais. O público é conduzido com equilíbrio, acompanhando a ascensão de um artista que não apenas alcançou o sucesso, mas redefiniu os limites da música Pop.

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Ao mesmo tempo em que existem os descompassos de tempo e importância de parte a parte, Vidas Entrelaçadas também exibe uma sensibilidade rara mesmo em se tratando de uma narrativa feminina dirigida por uma mulher. São minúcias que o roteiro positivamente não trata de verbalizar, apenas deixa correr à margem o que é sentido pelas personagens. Temas como maternidade, não-pertencimento, solidão, trabalho, o papel e o lugar da mulher na sociedade hoje, seus males emocionais e físicos, passeiam pela tela, e se não são desfiados em sua totalidade, ainda assim ampliam um recorte estrutural para aquelas personagens. Estão em lugares crescentes dentro da arena sócio-econômica do mundo que nos rodeia, mas isso não as impede de deflagrar seus conflitos e seus desejos de mudança. 

Em determinado momento, a personagem de Jolie faz uma descoberta terrível sobre si mesma e sua composição verbal acaba por se destacar. O roteiro, que também é de Winocour, aproxima seus personagens sem aplicar qualquer sombra de didatismo sobre os mesmos. É um desafio destacar tal texto em um longa que muitas vezes prescinde da fala em detrimento a um momento de reflexão. Por mais de uma vez, flagramos o trio de protagonistas suspensas em seus pensamentos, com a câmera observando -sem contemplação, apenas a investigação de gênero que aqui não se propõe a encontrar uma resposta em meio ao caos emocional. 

Obviamente, a história da personagem de Jolie é mais explorada (ao menos um tanto) que as demais, o que não apenas configura superexposição, como também trai o ritmo original do filme. Se existe espaço maior a uma composição narrativa, isso significa que as atrizes aproveitam como podem essa fatia conquistada; ao invés disso, temos três espaços narrativos absolutamente distintos. Com isso, o espectador exige mais de suas figuras pouco protagonistas, que apresentam seu discurso de classe. Mesmo assim, a união não perde a piada e pede revisões de estados, cujo modelo base realmente não configura atraso, mas um dilema contemporâneo entre realizar-se profissionalmente e viver com a liberdade que vislumbra. 

O universo do trabalho de Vidas Entrelaçadas é bastante feminino: o mundo da moda. As três personagens são instrumentos para a realização de um desfile – uma modelo recém descoberta, uma costureira do evento e a diretora de cinema que atua como responsável pelo visagismo do projeto. Estão em três estágios diversos dentro do que fazem, e estão de alguma maneira fora da sintonia do que está prestes a acontecer. Mas o breve encontro que está prestes a acontecer terá uma posição determinante dentro de suas vidas. Das três, a história da jovem costureira é a mais sacrificada em cena, tendo quase nenhum dado para compor o que está sendo apresentado, claramente um ponto negativo pela ausência de relevância deliberada. 

Em contrapartida, a personagem vivida por Angelina Jolie é a mais elaborada, com isso sendo um pequeno presente para a atriz. Através dela, a estrela vencedora do Oscar por Garota, Interrompida pode exercer alguns papéis preponderantes em sua vida pessoal, ter a complexidade necessária para seu fascínio e estar em um espaço de poder cuja sua imagem não quebre a credibilidade do projeto, do avesso até. Vidas Entrelaçadas existe para defender o olhar que reside quase inteiramente dentro dela: a força descomunal e a perseverança do próprio ato de ser feminino. As constantes perdas às quais uma mulher é confrontada, quantas batalhas são diariamente travadas pelo posto que não é fácil de ser reconhecido e alcançado, e como o status estabelecido é um véu fino demais, a ponto de ser destruído na próxima curva. Ainda que fora da uniformidade, o longa de Winocour reconhece e aponta sua base de reflexão, e emociona com uma insuspeita Jolie à sua frente. 

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Em tese, existem muitas armadilhas em torno de Rio de Sangue. Escrito por 10 mãos, montado por 6 e fotografado por 4, essas são diretrizes que não carregam qualquer qualidade prévia para dentro de uma obra. Acaba soando, no papel, como um produto que passou por inúmeras tentativas de conserto, desde sua ideia original até sua concepção visual, até chegar em seu corte final. Tais créditos de abertura assustam quando percebemos a quantidade de pessoas envolvidas em um processo criativo que precisa ser mais controlado. O resultado impressiona, por que o provável auxílio de um ou outro profissional sanou o que poderia causar os embaraços narrativos e estéticos: o material é acima da média, definitivamente. 

Os riscos eram muitos, o maior deles é a eterna dificuldade de lidar com os povos originários no tratamento deles na contemporaneidade, e o Norte do país sendo retratado, na regularidade, de maneira discriminatória. Ainda que sigam alguns dos problemas mais tradicionais, como a falta de representatividade entre os atores e as necessidades de seus personagens, Rio de Sangue cobre tais pecados com um elenco de grandes intérpretes. Giovanna Antonelli, Alice Wegmann, Ravel Andrade, Felipe Simas, Rui Ricardo Dias mas principalmente Antonio Calloni e Vinícius de Oliveira são um grupo excelente. O segundo aqui tem seu melhor momento desde Central do Brasil, utilizando uma coloquialidade intrínseca à violência local; a cena do confronto entre ele e Wegmann no garimpo é das melhores do filme. 

E por falar em violência, é feliz que sejamos colocados a par de uma história onde tais elementos sejam tratados com crueza, como na cena da chegada na aldeia, ou em como cada poça de sangue é derramada em cena. Não se trata de exaltar esse espaço que existe dentro de um certo gangsterismo possível na Amazônia, um desses decalques dentro do que é sabido, ou imaginado. Patrícia é uma policial jurada de morte que precisa da ajuda da filha para se proteger, mas acaba não conseguindo fugir de uma perseguição que a violência empreende até ela. Todas as ações soam críveis, por adentrar universos que tradicionalmente são carregados de homens letais. 

Aliás, a trama de Rio de Sangue passa longe de conseguir algum resquício que seja de originalidade, mas isso não é um problema a priori. Tudo que é contado pelos cinco roteiristas (incluindo o genial Dennison Ramalho, diretor de Morto Não Fala) carrega sedução pelo seu ambiente fora dos padrões, e pela maneira como tudo alimenta o bom gosto estético. Gustavo Bonafé, que tinha dirigido o igualmente surpreendente Legalize Já, é um cineasta cujas qualidades nunca são caladas por algum esquematismo. Pelo contrário, ele consegue torcer nossa expectativa mais negativa e transformar seu produto, ir além da qualidade e dar relevância ao que assistimos. Ainda que a narração de Fidelis Baniwa seja didática e por vezes anti climática nos lugares comuns declamados, o ator está bem em cena, com uma presença que dignifica todo o setor de atores de origem indígena.

Existe uma crueza no tratamento temático, e até alguma crueldade ao redor de seus tipos, que muitas vezes não terão saída. Mas o rumo que cada um toma, os dilemas que mocinhas e bandidos enfrentam, são genuínos em seu tratamento. Em tempos onde o nosso cinema precisa ser recompensado pela quantidade de material do qual somos bombardeados, um filme como esse renova a capacidade de comunicação com um público que não tem escolhido necessariamente a ele. Além de ser uma surpresa, o filme de Bonafé chama atenção para “causas importantes” sem explorar suas possibilidades de maneira oca. Caso a narração em off auto explicativa e de qualidade textual duvidosa fosse deletada, talvez estivéssemos diante de uma produção para disputar listas de melhores do ano. Do jeito que ficou, esse é “apenas” um ótimo filme.

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