Em evento exclusivo, realizado em um fim de tarde ensolarado, em Botafogo, no Rio de Janeiro, a cantora apresentou seu trabalho, com participação especial do cantor Mumuzinho e a banda Big Up.

Com uma energia solar impressionante, a artista chegou ao local distribuindo sorrisos empolgantes e brilho nos olhos, usando um look despojado e leve. Seu primeiro álbum tem como  sonoridade um “Pop praia good vibes verdadeiro”.

Em entrevista ao ROTA CULT, Mar.iana conta os detalhes por trás de seu trabalho e diz que lançamento do disco é a realização de seu maior sonho.

Por que o álbum se chama AMAR?
Mar.iana – O álbum conta sobre várias experiências que eu tive ao longo da minha vida, ao longo desses últimos três anos. Eu acho que o que fez eu chegar aqui agora nesse momento foi o ato de me amar. O álbum todo ele fala sobre o amor, seja amor ao próximo, seja o amor próprio, mas foi o fato deu me amar muito que fez eu conseguir chegar onde estou agora, tudo está acontecendo hoje sempre foi o sonho da minha vida… Não é sobre o amor sobre em si, acredito que muita gente tem o amor dentro de si, mas é sobre a prática do amor, a prática de amar, seja a si mesmo, seja o outro faz tudo ser diferente, conserta o mundo e todas as coisas.

Como surgiu a parceria com o Mumuzinho?
Mar.iana – Eu o conheço há muitos anos. Temos muitos amigos em comum e, eu lembro que na época, eu tinha uma música com meu irmão e a música se chamava “Sorte”, era uma música nossa. Estávamos na casa do Mumu, eu tinha acabado de o conhecer, tinha um violão lá, aí eu sentei no sofá e toquei essa a música que tinha com meu irmão. No mesmo instante, ele se apaixonou pela faixa, gravou, publicou no Facebook e isso já faz 10 anos. Muitas experiências aconteceram depois, nos encontramos várias vezes, ele sempre me acompanhou, certo dia, eu postei um vídeo meu cantando no Instagram, ele viu, se interessou pelo meu trabalho, pelo momento que eu estava e, logo depois, ele se ofereceu para contribuir na minha arte, o que fez ele se tornar o meu sócio neste projeto. Ele é uma pessoa maravilhosa, eu sempre digo que ele é um anjo na minha vida.

Quanto tempo durou o processo de produção deste álbum?
Mar.iana – Eu entrei na gravadora no ano passado. Logo, comecei a trabalhar no álbum. Eu já tinha música lançada, mas precisava fazer as pessoas entenderem o que eu era artisticamente e nada melhor que um álbum para fazer isso. Foi um processo onde todo mundo sabia qual era o meu caminho como artista, mas fizemos um camping composição, a meta era sair dele com vinte e cinco músicas, mas ao fim saímos com umas cinquentas, e eu já tinha mais umas vinte canções escritas. Depois partimos para uma audição e nesse meio tempo de camping composição, audição, produção musical e clipe. Bem, nós ainda estamos trabalhando! O álbum já saiu, mas ainda estamos trabalhando nele. Mês que vem, eu vou lançar “Sorte Sua” que é uma música que eu amo e que eu gravei sozinha na Califórnia, onde eu não só escrevi a canção, mas gravei, dirigi e editei, enfim, fiz tudo. Em algumas semanas está saindo…

Você falou dessa parte de composição, gravação, mas a penúltima faixa é um presente, de quem é e como chegou a você?
Mar.iana – Eu recebi esse presente, eu estava indo dormir. Eram 23h30, alguém me manda mensagem pedindo para que eu olhasse meu WhatsApp. Quando olhei, era um áudio com uma guia encaminhada pelo Nando Reis de uma música que ele fez para mim. Eu não acreditei! Eu só sabia chorar. Ele nunca me conheceu pessoalmente, mas costumo utilizar este episódio para me motivar, porque é algo incrível ter uma música escrita por ele. Agora, eu só consigo sonhar com uma participação.

Haverá turnê, shows ao vivo, o que podemos esperar?
Mar.iana – Nossa! O álbum completa um mês de lançado agora, eu ainda não tinha cantado todas as músicas do álbum porque eu não tinha todas as faixas. Agora, eu já estou ensaiando para trazer minha essência nos shows. O que você vai ver hoje, nesta noite, é uma prévia do que vem por aí. E eu mal posso esperar, sempre foi um sonho meu cantar minhas músicas ao vivo.

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Nas redes sociais, os fãs da Iza já estavam no maior entusiasmo pela estreia do novo disco da artista, não só pelas fotos que ela vinha postando, mas também pela divulgação pesadíssima de “Fé nas Maluca” que estreou no fim de julho ao lado da Mc Carol, onde IZA ressurge divina em forma de deusa mística, junto de uma letra ácida que fala de suas vivências.

O novo álbum trata mesmo de um desabafo íntimo da cantora que seguindo a pegada de cantoras como Beyoncé e Shakira embala temáticas como o fim de seu casamento, às vulnerabilidades da mulher contemporânea, a relação com o próprio corpo, amor e carreira.

IZA explica, “Eu me sinto mais confortável para ser quem eu quero e falar coisas que não disse antes”. Aliás, ela chega ao novo projeto não só abraçada com sua independência feminina, como no auge de um domínio artístico impulsionado por superações emocionais conquistadas recentemente.

Se a etimologia do nome Afrodite ainda é um mistério, o mesmo não se aplica a “AFRODHIT”, inspirado no conceito de um ser que nasceu do centro da Terra e caiu no universo urbano, passando a viver as conquistas e agruras, os desamores e recomeços. “AFRODHIT” aterrissa para descobrir todos os prazeres e aflições que permeiam os relacionamentos. Esse olhar para a realidade surge nas mais variadas versões — sempre fortemente orientadas para o afrobeat — que conduzem IZA a ritmos que vão de R&B, Rap, lovesong até Funk, extrapolando os limites da MPB, resultado de sua vivência nos palcos, nas telas e no presente.

O álbum é, em grande parte, uma imersão nas questões femininas, para a qual a protagonista IZA convidou parceiras para lá de especiais, mulheres que crescem ombro a ombro com ela, para dividir essa caminhada repleta de descobertas. Perpassando o álbum, o recado vai sendo dado: hoje, IZA já não encontra dor em deixar o passado no passado e mirar corajosamente um futuro independente — de certo, um movimento de transformação de dentro para fora, que, em “AFRODHIT”, irrompe em novas e audaciosas habilidades adquiridas ao longo desses anos.

Certamente, não significa que a cantora e compositora esteja travando uma batalha contra o sexo oposto, longe disso. Os que chegam para acrescentar são muito bem-vindos, como Arthur Verocai, na faixa de abertura, “Nunca Mais”; Russo Passapusso, em “Mega da Virada”; L7nnon, em “Fiu Fiu”; e Djonga, em “Sintoniza”. Aliás, as escolhas demonstram o radar apurado de IZA e reforçam sua versatilidade, ao fazê-la embarcar em uma jornada destemida com representantes da música brasileira que reinam nas ruas de todo o Brasil.

Assumidamente fã de Tiwa, IZA compartilhou uma faixa com a nigeriana considerada por muitos à rainha do afrobeat, satisfazendo o desejo dos fãs que estiveram no festival Back2Black torcendo pela parceria. Ela conta, “Nossa, eu nem acredito que eu gravei com a Tiwa. Sou muito fã dela, eu sempre disse que um dia gravaria com ela, mas aí ela gravou com a Beyoncé e eu achei que isso não aconteceria comigo, mas aconteceu. O produtor da Tiwa me enviou duas músicas e pediu que eu escolhesse qual delas eu gostaria de cantar, mas eu gostei das duas. A faixa é feita com as duas músicas, inclusive. Foi um processo muito gostoso”, disse.

Em “Nunca Mais”, o desabafo de IZA é contundente, porém amenizado pelo luxuoso arranjo de cordas do maestro Verocai. A festa de “Mega da Virada” é invocada pela cantora e endossada pelo líder do BaianaSystem, Russo Passapusso. Já “Fiu Fiu” traz a naturalidade com que as gerações mais jovens lidam com o sexo, desmistificando os desejos no trap classudo de L7nnon, com o toque marcante do concorrido beatmaker Papatinho. Com arranjo do premiado produtor Nave, “Sintoniza” é um convite melodioso cheio de malícia para o flow incisivo do rapper Djonga.

Em coletiva de Imprensa, IZA detalhou o seu processo criativo para as 13 faixas do álbum, contou que participou de cada processo pessoalmente e mostrou o quanto ela é versátil e a favor da autenticidade quando se trata da sua arte. Inspirada na deusa grega da beleza e do amor e da sexualidade – Afrodite –, o álbum apresenta outras facetas da artista.

“Eu sempre quis contar uma história diferente, esquisita, meio extraterrestre. Afrodite é uma deusa que volta à terra de tempos em tempos. Desta vez, ela veio desta forma para experenciar o amor e suas diferentes formas. Talvez, eu tenha juntado todas as coisas incríveis e deidades que sempre me deixaram curiosa para criar este personagem. Entre as referências estão os filmes Splash: uma sereia em minha vida, Coccon e Bacurau. Além da série, Steven Universe”, revelou.

Sentindo-se mais dona dela mesma, a cantora explicou que o novo projeto não só abraça sua independência feminina, mas também significa sua maturidade artística impulsionada por superações emocionais conquistadas há pouco tempo.

“Foi muito importante entender as músicas como um todo, por mais que existam gêneros diferentes, foi importante alinhar o álbum esteticamente, criar um álbum tem mesmo esse desafio, desta vez, as melodias, as harmonias, foram pensadas no meu tom de voz e isso fez toda a diferença neste álbum”, finalizou.

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A singularidade do Queremos! Festival está na mistura e no poder dos encontros que o ambiente oferece. É aquilo, se o mundo é feito de nichos de mercado, o ouro está em como escolher os nichos certos e o Queremos! soube como fazer isto.

Em 2006, quando comecei a frequentar as festas alternativas, era muito comum pessoas que curtiam um som eclético serem chamadas de “farofeiras” com um certo ar de arrogância pseudo-intelectual por parte de quem não era tão eclético mas, hoje, em 2023, o conceito é tão ‘cringe’ que não cabe mais ser empregado na nossa dinâmica do dia a dia, justamente, por existir festivais como o Queremos!.

O Queremos! Festival aposta na diversidade e sustentabilidade para mostrar a potência musical da América Latina e do mundo em dois palcos, que fizeram a Marina da Glória tremer com mais de 14 horas de música rolando sem parar. A música como protagonista atendeu a todos os gostos, mesmo debaixo de chuva.

Nessa de furar a ‘bolha’, os shows foram absurdamente impecáveis, não houveram atrasos, não houveram filas absurdas em nenhum espaço e todo mundo parecia estar muito empolgado. O publico diverso transitava entre um show e outro, sem se esquecer de alimentar, afinal, o que não faltava era opção.  De acarajé à hamburger, o festival deu o tom na boca do público. Os 17 estandes da praça de alimentação, também chamada carinhosamente de Comemos salvaram os mais famintos.

Além disso, a parceria com a Ong Gastromotiva motivou a criação de um restaurante exclusivo, operado pelos seus colaboradores. Havia um prato especial, chamado Batata Gastromotiva, ao qual, o valor de cada batata vendida seria revertida ao projeto.

Ainda falando de comida, logo na entrada, o ingresso solidário também reforçou o quão importante é o desenvolvimento de ações sociais atreladas ao entretenimento. Uma jovem do ‘Posso Ajudar?’ me disse que as doações também seriam feitas à Gastromotiva para se transformarem em refeições à pessoas que enfrentam a insegurança alimentar.

Rico Dalasam, Yasmin Lacey, Marisa Monte e todo mundo cantou junto

O público tímido na parte da tarde do festival foi dando lugar ao numeroso público que se reuniu para ver a Marisa Monte por volta das 21h30. As pessoas foram chegando com o tempo, mas quem conseguiu assistir ao Rico Dalasam vai entender o que escrevo, ele entrou um show grande, emocionado e com letras que fazem da existência solo fértil para reflexão. Em ‘Braille’ o recado foi dado com coragem, amor e poesia.

Difícil continuar respirando depois disso, mas a festa seguiu até a preciosidade da presença da Yasmin Lacey que em meio a apresentação teve plateia esvaziada devido à chuva, mesmo assim, a cantora britânica entregou tudo, já na abertura com uma mistura do Jazz, Soul e sons mais contemporâneos que chegou a arrepiar o cabelinho do pé, sorrindo, vestindo um longo vestido preto e lindos brincos dourados, ela abriu com “Bad Company” e foi uma pena ter começado a chover porque o show dela estava imperdível.

Ela estava com um álbum novo para apresentar, com uma banda nova e, bem, com certeza pode ser considerada um dos melhores shows do festival.É uma daquelas atrações que só a curadoria do Queremos! é capaz de trazer e, embora eu tenha assistido parte do show pelo telão que havia na área gastronômica, posso afirmar, o pouco que consegui assistir de perto valeu a pena cada segundo.

Quando Marisa iniciou o show, estava todo mundo espremido e mesmo com a chuva pegando todo mundo no meio da apresentação, a beleza etérea de Marisa estava iluminando a multidão. Estavam todos ofuscados pelo brilho de seu vestido e sua coroa que junto com as letras conseguiu unir famílias e pessoas de diferentes idades em uníssono. Em algum momento abri as redes sociais e vi que até a Iza estava por lá conferindo, do meu lado um casal apaixonado em meio à chuva, foi bonito de ver e a sensação é de que ninguém queria que o show terminasse, e depois em uma levada mais intimista, ela celebrou o samba com o convidado Pretinho da Serrinha. Show impecável, leve, com cheiro de terra molhada e pessoas literalmente molhadas, onde o amor se fez em forma de chuva e molhou o coração de todo mundo.

E o amor continuou no ar, desta vez, na voz da Liniker. Trazendo várias canções do icônico “Índigo Borboleta Azul”, todo mundo literalmente perdeu o medo da chuva. A voz mais potente da música popular brasileira chegou com presença fazendo jus ao título de diva pop e entregou um show completo, desses que a gente demora para esquecer. Com um vestido rosa e botas prateadas, a diva soltou a voz e levou todo mundo às alturas. Sinceramente, se eu pudesse elencar o melhor show da noite, com certeza seria este.

Independente do que possam dizer os fãs mais fervorosos que fizeram de “Baby 95” o auge do show – não à toa, a música foi indicada a melhor canção brasileira no Grammy Latino –, se eu pudesse destacar um segundo momento marcante, este foi quando a artista homenageia Djavan. O domínio da voz, do palco, da banda, da apresentação em si, crescem à medida que o show avança, a artista que por si só carrega o peso político de sua existência, traz a arte para o centro e mostra porque se consagrou com uma das principais vozes da nossa geração.

Por fim, destaco o show do MC Poze do Rodo. Talvez tenha sido um choque cultural para muitas pessoas, mas o artista que circula entre o Trap e o Funk chegou trazendo o baile de favela para o palco, começando o show com o DJ que colocou todo mundo pra balançar o corpo. Passava-se da meia-noite, energia de muitos no fim, mas todo mundo se empolgou.

Depois, ‘posturado’ e estiloso a apresentação seguiu, honestamente, de forma intensa.. Para quem ainda não estava convencido, Poze mostrou-se gigante. Em “Me Sinto Abençoado”, ele fez jus a fama de vencedor “hoje o mundo girou, louvado seja o senhor, minha vida mudou”, da plateia, ouvindo, achei sensacional; ali no meio palco, ele que é de Santa Cruz, da Zona Oeste do Rio, ganhou os grandes palcos, esbanjou autenticidade e talento.

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Ao lado da drag queen Ikaro Kadoshi, Xuxa terá a missão de conduzir 10 artistas drag brasileiras para disputar o título de “Soberana” e um prêmio de R$ 150 mil. Durante  “Caravana das Drags”, Xuxa acompanha as participantes em uma viagem por diversos Estados dentro de um ônibus totalmente personalizado, onde um desafio surge em cada parada para as artistas participantes.

Em coletiva de imprensa, Xuxa contou que esta é, certamente, uma experiência única. “Será a oportunidade de humanizar a trajetórias de pessoas drags e mostra-las para além da performance”, Ela completa, “O que acho mais bacana é a transformação, elas são artistas completas, costuram, maquiam, fazem roupas, dançam, dublam”.

A Rainha dos Baixinhos conta que o programa reserva boas surpresas, incluindo a versão drag de Xuxa, que dá as caras e se apresenta aos telespectadores com o nome de Morgana Sayonara. “Eu batizei a minha drag de Morgana. Ela não é deste planeta, a Xuxa anda em uma nave, para a minha versão drag, eu queria trazer uma versão minha mais futurista.  Como é que seria se a gente viesse de algum outro planeta? Ela foi se desenvolvendo e, no final, a Morgana tomou forma.”

 Ikaro Kadoshi, que apresenta ao lado de Xuxa, conta que a emoção de estar ao lado de Xuxa, que fez parte da sua infância. Kadoshi contou, “Eu venho de uma família de extrema violência! As primeiras lembranças que eu tenho desse viver é de com 3 ou 4 anos meu pai tentar matar eu, minha mãe e meus irmãos com uma faca, e minha mãe jogando a gente pelo muro para nos salvar. Como meu pai batia na minha mãe todos os dias, ela começou a ligar a televisão para que eu assistisse o programa da Xuxa e ela ia para outro quarto apanhar sem eu ver. A Xuxa sem querer se tornou minha babá. Eu lembro que toda a vez que a nave subia, eu chorava, porque o inferno que eu vivia voltaria. 20 anos depois, estou ao lado da minha ‘babá’”.

As participantes falaram de como foi a passagem delas pelo programa. Muitas afirmaram que viver o reality foi uma experiência extraordinária, compartilhando de momentos  desafiadores aos mais especiais. Além disso, ressaltaram que, “Caravana das Drags” fala sobre essa pluralidade que o mundo oferece aos nossos olhos, seja de vozes, de corpos e de vivências diferentes. O reality é uma grande oportunidade da sociedade desmitificar conceitos preconceituosos sobre a arte drag, sobre sexualidade e identidade.

Por fim, Xuxa expôs com muita clareza qual foi a maior missão que ela tirou desta experiência. “A diversidade! Por serem pessoas muito diferentes, uma das outras, e por terem histórias parecidas uma com as outras que se encontram em uma coisa só: Preconceito. Eu aprendi que nós, pessoas privilegiadas, temos que sair desta bolha e aprender com elas. Mesmo elas se alfinetando, e vindo de um lugar para se ajudar. Eu, certamente, aprendi muito. É no glamour que elas se conheceram, mas, é na dor que elas se abraçam” finaliza.

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Para os fãs do automobilismo, a surpresa é ainda maior, o destaque do circuito é um um busto do Ayrton Senna, também batizado de Nosso Senna (Escultura Ayrton Senna – Arte Urbana), feito por Lalalli Senna, multiartista e sobrinha do piloto. Com 3,5 metros de altura e 550 quilos, a escultura de alumínio polido e facetado chegou ao autódromo durante a semana do Grande Prêmio São Paulo de Fórmula 1, para celebrar os 50 anos da realização do primeiro GP no Brasil.

Em entrevista concedida via coletiva de imprensa, Lallali compartilhou como foi o processo de concepção do busto. “Este processo de transformar um molde – um modelo original –, em uma peça metal, é feito por fundição, foram meses de trabalho, com muitas pessoas envolvidas, cada pedacinho do molde tinha aproximadamente 50 kg, foi tanto amor na hora de ampliar e dar acabamento em cada parte e tudo feito por pessoas brasileiras, me fez perceber que esta é uma peça para todos os brasileiros, exposta em um espaço onde ele foi campeão e representou o Brasil. É uma obra espelhada para que as pessoas, de alguma forma, o amor pelas pessoas por ele fosse refletido de volta para elas” contou emocionada.

O espaço agora é visto como um novo ponto turístico e cultural da cidade de São Paulo. Além disso, há QR-Codes espalhados pelo local que possibilitam o acesso dos visitantes a declarações de Ayrton Senna, fatos e fotos marcantes de sua carreira e até uma playlist de suas músicas prediletas, que incluem artistas como: Milton Nascimento, Caetano Veloso, Marisa Monte, Legião Urbana, Dire Straits, The Beatles, Genesis e Pink Floyd.

O circuito também oferece aos visitantes um jogo chamado de Caça Vitórias, que pode ser aberto no navegador de cada celular por meio de um dos vários QR-Codes disponíveis. Os visitantes devem encontrar também 11 placas espalhadas pelo local que correspondem aos seus 11 anos de atuação na Fórmula 1.

A trajetória de Senna é contada em vídeos animados e contam sobre as 41 vitórias do piloto ao longo de sua carreira no automobilismo. Aliás, até a relação do piloto com a chuva foi pensada para esta experiência. O chão do espaço, contém algumas frases motivacionais, escritas com uma tinta especial, que só podem ser vistas quando entram em contato com a água, como em dias de chuva ou ao jogar um pouco do líquido nesses pontos específicos.

Há ainda outras surpresas. O busto será disponibilizado em versão para colecionadores. A artista Lalalli Senna anunciou a produção de uma série de réplicas da escultura com 40 cm de altura.

“Como parte da família, como artista, existia o desejo de fazer algo especial para os fãs. Sinto que tocou as pessoas, não sei se é possível fazer isso de novo da forma como foi feito. Eu reencontrei espaço para lembrar do meu tio de formas que eu já não lembrava mais… Depois que o Nosso Senna foi inaugurado em Interlagos, antes mesmo do circuito existir, muitas pessoas me procuraram pedindo uma versão para colecionadores”, contou.

Os amantes do automobilismo e fãs de Ayrton Senna estão convidados a visitar a exposição imersiva do piloto O Autódromo nos fins de semana é aberto ao público todos os dias das 8 às 18h. Este projeto é realizado pela Senna Brands, YDreams, e Lalalli.

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Manu Gavassi participou de todas as etapas da produção do acústico, diz que já sabia como queria que fosse o projeto, que tem a coprodução com a F/Simas, do Felipe Simas, parceiro e empresário da artista. Em coletiva de imprensa, ela conta que participou de todas as decisões artísticas. “Já tinha sonhado com isso, então tinha muito claro na minha cabeça como eu gostaria que fosse. A ideia era ter algo lúdico e divertido. Sou muito apaixonada pelas maneiras que temos de contar histórias no audiovisual. Amo dirigir, escrever contar histórias e criar narrativas. É isso que quero fazer sempre”.

Além disso, Manu falou sobre a estreia deste trabalho tão especial, “Embora gravado há 50 anos, este álbum tem tudo a ver comigo, faz muito sentido para mim. Rita Lee tinha mais ou menos a minha idade quando gravou e muitas das coisas que ela fala nele são sobre o agridoce que é ser uma jovem mulher na nossa sociedade e temos isso em comum”.

Homenagear a rainha do Rock N’ Roll não é para qualquer um, Manu conta que ficou feliz de ter tido coragem de levar essa ideia de homenagear Rita Lee adiante. “No começo, tinha muita vergonha. Mas fui amadurecendo e entendendo que isso fazia sentido, sim. Entendo esse álbum como uma emancipação da Rita, uma transição de carreira que ela fez após Os Mutantes e que acabou sendo um grande sucesso. Quando recebi o convite para gravar um ‘Acústico MTV’, achei que fazia mais sentido propor essa regravação do que algo relacionado à minha própria obra. Eu, certamente, ainda sou uma artista em construção”.

Aliás, para este trabalho, vale ressaltar que Manu manteve os tons originais de Rita Lee e se desafiou a sair de sua zona de conforto enquanto artista. “A partir do momento que topei entrar nessa, foi uma delícia. Eu me libertei e me diverti muito. Nunca tinha feito um show só de músicas que não são minhas. Desta vez, não estava preocupada em me provar. Só queria fazer uma homenagem linda e nesse clima, pra cima”, detalhou Manu.

Sobre prestar homenagem uma das mais icônicas artistas musicais brasileiras de todos os tempos, Manu relata que teve algumas trocas com ela enquanto preparava o projeto. Rita Lee entendeu que Manu Gavassi é realmente fã de sua obra e que isso deu a ela uma confiança maior para apostar na ideia de homenageá-la.

“Rita é uma artista muito única! Me identifico muito com a maneira com que ela contou sua história, muitas vezes usando do humor em situações duras. Desde cedo entendi que ela era muito mais do que as canções, e sim um pacote completo”, finaliza.

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Nesta quarta-feira, 18, em coletiva de imprensa realizada em São Paulo, e de forma on-line, Ivete Sangalo conversou com a imprensa sobre seu mais recente trabalho, o EP “Chega Mais”. Com cinco faixas autorais, disponibilizadas para o público hoje, “Chega Mais” é lançado  pela gravadora Universal Music. Aliás, segundo Mainha, “Chega Mais” é, certamente, um verdadeiro convite ao carnaval.

Além disso, durante a coletiva, ela chegou a dizer que seu desejo de voltar aos palcos era tanto que ela queria mesmo era cair na multidão, recriar o “mosh”, movimento do Rock n’ Roll onde as pessoas dançam e simplesmente podem colidir umas com as outras, aliás, ela até chegou a comparar o Axé com o Rock n’ Roll. Ela conta, “O Rock se assemelha muito com o Axé no comportamento, pois aquela energia nas ruas de Salvador é intensa como o Rock também é”.

Após dois anos de folia interrompida por conta da Pandemia provocada pela Covid-19, o Carnaval está de volta entre os dias 16 e 22 de fevereiro, e Ivete, obviamente, não ficará de fora da maior festa do Brasil. Ela conta, “Chamei minha equipe e, a princípio, todo mundo ficou de cabelo em pé, porque foi perto do início das férias, no dia 20 de dezembro”.

Mesmo parecendo impossível, ela foi lá e fez! Entrou em estúdio e gravou todas as faixas logo de início, na Casa Pia, em Salvador. Aliás, segundo ela mesma comentou, que o EP vai ter ainda material audiovisual. Aliás, Ivete ainda fez a proeza de reunir mais de 600 pessoas entre amigos e famosos para estar presente nesta gravação.

No repertório estão “Cria Da Ivete”, “Só Love Na Cabeça”, “Rua da Saudade”, “Se saia” e “Batucada”, trazem o pagodão, muito swing, groove e referências musicais ancestrais. Além de músicas que foram até mesmo gravadas durante a pandemia.

Sobre este trabalho, ela ainda chegou a mencionar que é sobre como ela enxerga os dias de festa. “É sobre contar as histórias e as sensações que eu tenho do Carnaval. Como eu enxergo a data do ponto de vista romântico, cultural, rítmico e emocional”. Ivete completa dizendo que pretende levar o repertório para outras cidades brasileiras, antes de iniciar a turnê comemorativa de 30 anos de carreira, além de voltar a fazer shows internacionais.

Sobre a terceira temporada do “The Masked Singer Brasil” que estreia no próximo domingo, dia 22. A apresentadora aproveitou a coletiva para adiantar ao público que houve muitas modificações no programa.

Nesta edição, Sabrina Sato e Matheus Solano dividem a bancada com Taís Araújo e Eduardo Sterblitch. Além disso, Priscilla Alcântara vencedora da primeira edição do programa, retorna como apresentadora. Outras novidades prometem trazer uma dinâmica ainda mais envolvente para quem assistir.

“Tá mais dramático. Nesta temporada, tem novidades como a aposta secreta e o público em casa poderá participar de um quiz para saber quem é o maior detetive do Brasil com prêmios”, revelou.

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Parceiro em várias canções, algumas até mesmo regravadas e cantadas por outros artistas, eles tiveram desentendimentos das quais Fagner diz ter se arrependido. “Ele chegou a me procurar, mas eu, cabeça dura, não fui ao seu encontro. Lamento porque poderíamos ter feito mais música juntos.! Fica, certamente, a frustração. Os filhos dele falaram que me mandariam poemas dele que eu gostaria de musicar. Tenho muita vontade de fazer isso”, disse o cantor, que deixou claro que, sua admiração por Belchior nunca deixou de existir.

Apesar dos pesares, em “Meu Parceiro Belchior”, duas músicas inéditas aparecem. As canções foram encontradas pelos pesquisadores musicais Marcelo Fróes e Renato Vieira, em registros de órgãos da censura da ditadura que vigorou no Brasil entre 1964 e 1985, a pesquisa trouxe à tona “Alazão” e “Posto em sossego”. Para quem esperava o encontro entre os dois, as faixas celebram um encontro póstumo entre Fagner e Belchior, que faleceu em 2017, aos 70 anos.

Entre os destaques, encontra-se a canção “A palo seco”, de 1973. Ela já tinha sido gravada por Fagner no segundo álbum do cantor, “Ave Noturna”, em 1975. Só que o atual registro tem um diferencial: a voz do próprio Belchior, extraída da gravação do antológico álbum “Alucinação”, sendo a faixa que abre o disco, uma preciosidade de ser ouvida. Depois, Fagner entra como a segunda voz até que os cantos dos artistas se misturam e dão ainda mais valor para a canção. Além disso, o disco conta com as participações de Amelinha, Roberto Frejat e Xand Avião.

O álbum conta com 12 faixas. E do total, oito são parcerias entre Fagner e Belchior. Sendo ele uma das vozes mais importantes da música nacional, sua memória agora é novamente trazida ao público pelo companheiro de estrada que, no dia do lançamento do disco, comemorou seus 73 anos de idade, ao qual, 50 anos foram de dedicação à música.

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“Dance Fever” estreia no dia 13 de maio de 2022 anunciou Florence em sua rede social, ontem, dia 9. Menos de 24 horas depois, nesta manhã, do dia 10 de março, ela apresentou ao mundo a terceira música de divulgação do álbum, intitulada “My Love”. O trabalho, que agora começa a se revelar, certamente, já apresenta aos fãs, o melhor da Florence.

Com a capa do álbum divulgada, Florence apresenta o conceito do disco com uma arte gráfica elaborada junto com uma colagem colocadas lado a lado, além disso, a  artista nos mostra que passou um tempo aperfeiçoando sua persona autocriada e, aliás, mais uma vez, parece ter saído de algum tipo de panteão politeísta, cuja estética bebe da própria Florence, afinal, desde que surgiu, em 2008, não parece ser uma humana qualquer. Com  um estilo único que mistura elementos vintage com pitadas de modernidade, Florence transforma a si mesma em uma obra de arte ambulante.

O velho e novo se misturam e a tríade de canções aborda questões de gênero, identidade e a vida íntima da artista, algo que já se tornou sua marca registrada, mas desta vez, no lugar da nostalgia e do lamento, ela celebra e dança. Lendo as letras separadamente é possível notar que a escrita poética tenta transmutar sua experiência particular em algo universal. Em “Heaven is Here”, ela nos convida para dançar com ela compartilhando com os fãs que “foi a primeira música que escrevi em confinamento. Queria fazer algo monstruoso… Meu sonho era criar coreografia com isso. Então, é uma das primeiras canções que fiz especificamente com dança contemporânea”, disse.

Não por acaso, ela escolheu a capital da Ucrânia, localizado no continente europeu como cenário de seu material audiovisual. Kiev é fascinante por sua arquitetura, além de misturar o antigo e o novo em suas igrejas feitas de ouro. Porém, o mundo, infelizmente, tem enfrentado nas duas últimas semanas uma guerra que anunciou a fragmentação da população da Ucrânia, pela invasão das tropas russas e a destruição em massa provocada pela guerra. Muito provavelmente, por isso, Florence tenha feito a divulgação do disco novo dois meses antes de sua estreia, uma forma singela de mostrar a imponência artística da cidade antes deste período avassalador. Além de usar as redes sociais para manifestar solidariedade às vítimas e para informar que duas dançarinas presentes nos clipes estavam seguras.

Aliás, tudo parece ter conexão com as obras anteriores, sem deixar a criatividade e capacidade de reinvenção da artista de lado. Em “My Love”, Florence resgata o mesmo sentimento e estética existente em “Ceremonials” (2011). Tem uma composição lírica sombria mesmo sendo muito dançante e visualmente mescla o ecletismo artístico da Art Déco, sem deixar de lado as referências pré-rafaelitas e góticas do período medieval. “Dance fever” é o quinto álbum de estúdio do Florence + The Machine, o primeiro disco da banda desde “High As Hope” (2018) e como disse a própria Florence este álbum é “um conto de fadas em 14 músicas”.

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Florence, certamente, deu mais um passo em direção à revolução feminista contemporânea, em mundo que ainda caminha devagar para a equidade de gênero. Seguindo seu próprio som, intuição e vivências, ela segue com sua revolução sutil com “King”, mas forte de um jeito estranho e único até mesmo para o perfil imagético que remete sempre à fragilidade. No entanto, em “King”, ela não parece estar tão frágil e nem parece que vai sucumbir frente às pressões diárias vividas só por ser uma mulher na casa dos trinta. Ela parece ter aceitado o fato de que não vai dar pra ser como a sociedade quer que seja.

Em “King”, ela saiu das telas pré-rafaelitas e aparece vivíssima, vestida em um vestido cor de framboesa com capuz de seda roxa assinada pela Rodarte para dar um grito e dizer: “Eu não sou mãe, Eu não sou noiva, Eu sou Rei”! Conheça a nova musica!

Ela admite ser ótima no que faz sem ter medo de ferir o ego de homem algum, assume as rédeas de sua vida pessoal e artística da mesma forma como um homem toma uma mulher como sua esposa, torcendo o pescoço de um homem nos primeiros minutos de clipe trazendo um papo aberto sobre obrigações impostas à vida das mulheres, inclusive, ela. Mesmo estando na lista dos 500 artistas mais influentes do mundo, segundo dados do Spotify.

Certamente uma ótima forma de voltar aos palcos, depois de quatro anos do lançamento de seu último disco “High As Hope” (2018), aliás, o álbum mais pessoal e físico da carreira dela até, então. Agora, ela parece ter domínio sobre seu jeito de dizer ao mundo como se sente em relação aos seus próprios sentimentos conflituosos.

De forma mais direta e sem muita metáfora, Florence retorna com muita segurança durante os cinco minutos de material audiovisual do single “King” e mostra a mesma certeza na letra da canção. Florence já tinha feito isso na canção “Hunger” e já tinha nos dado a força de sua indignação no clipe de “Big God” também dirigido por Autumn de Wilde, fotógrafa e diretora de cinema, cujo pai é conhecido pelas fotos de Jimmi Hendrix e outros ícones da cena pop dos anos 60, diferentemente do clipe de “Big God”, em que ela parecia estar no vazio lutando contra si mesma e contra o mundo.

Agora, o clipe de “King” apresenta uma Florence vagando acima do vazio, em um lugar concreto. Quase tudo é cinza, não por acaso. A simbologia e metáfora do cinza é neutra, sem carga emotiva e que muitas vezes traduz estabilidade e solidez. Além disso, ela aparece acima de tudo e todos durante quase todo o clipe e repete mais de uma vez o refrão. Há uma cena bastante categórica em que ela aparece subindo uma escada. Objeto que, segundo significado esotérico, é o elemento de ligação entre o Céu e a Terra, à ascensão e à evolução de natureza espiritual. Isso é, surpreendentemente, muito a Florence!

Com uma coreografia ensaiada com outras dançarinas, nos dois minutos e vinte segundos de vídeo, ela ergue o punho em sinal de apoio e solidariedade às outras mulheres, exprime um lamento que nada mais é que uma expressão de libertação do cansaço e da sobrecarga de ser uma mulher no mundo e sai numa corrida coreografada em direção à própria liberdade e diz:

“E nunca era tão boa
Quanto eu pensava que eu fosse
Mas eu sei me vestir bem
Eu nunca estava satisfeita
Isso nunca me deixou ir
Apenas me arrastou por meus cabelos
E continuou o show”.

Tudo com um sorrisinho no rosto e uma leveza dessas que vem da paz de se aceitar quem se é. Sensacional! Sabe-se que tanto na vida como na indústria da música existe a estrutura que, historicamente, é conhecida por excluir as mulheres dos espaços seja ele qual for. Por isso, esse clipe da Florence veio em excelente hora e mostra o quanto a artista se preocupa em traduzir em forma de arte os desafios dos nossos tempos. Ela toca sua própria sinfonia e traz sua singela, mas potente contribuição para se afirmar e continuar com seu show, do seu jeito sem precisar se sujeitar ao controle dos outros.

Aliás, isso fala muito da estética do clipe e do pré-lançamento. A imagem promocional do single apresenta uma carta de tarô. Bem, isso é meio contrastante com o visual gótico da foto. Afinal, na Idade Média, a igreja tinha total controle no que diz respeito à voz e ao canto. E mesmo no período renascentista, eram os homens que detinham o protagonismo nas artes (E se eu não estiver exagerando essa realidade segue até meados do século XVII). Depois com o surgimento da Ópera era permitido que as mulheres se apresentassem, mas elas ainda sim, tinham um tutor. Ou seja, existe um pouco mais de abertura como intérpretes, mas não como autoras. Então, leitor, repare o quanto a Florence foi inteligentíssima em trazer uma imagem de uma mulher gótica com uma música de letra bem feminista para mostrar que esse é um problema ainda muito atual de todas as mulheres do mundo.

Pois bem, tudo isso para dizer que: o clipe estreou ontem, é o décimo oitavo vídeo mais assistido do Youtube e você pode até não gostar do som, pois pode soar bem alternativo e fora do que é vendido como Pop ou Rock nos dias de hoje, mas isso é só uma parte da obra. Isso é uma parte bem pequena, aliás. Se você reparar com olhos atentos, Florence  traz uma importante mensagem para nossos dias e merece todo o respeito por isso.

Por fim, para finalizar, o álbum ainda sem nome será lançado em maio e contará com mais 14 faixas. A jornalista que vos escreve é fã e mal pode esperar pelas próximas faixas que serão lançadas em breve.

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