O longa conta a história de Ben Gates, um historiador e decodificador que procura durante toda a sua vida, um tesouro que existe desde a criação dos EUA. Ben acaba se juntando, por conta de recursos, com o caçador de tesouros Ian Howe e juntos eles descobrem um grande navio antigo preso no gelo do Círculo Ártico e dentro dele tem mais uma pista. Por conta de um documento que aparece nessa pista, Howe trai Gates, adicionando uma grande competição e luta na caçada.

Filme de aventura, lançado em 2004 pela Walt Disney Pictures, estrelado por por Nicolas Cage, Harvey Keitel, Jon Voight, Diane Kruger, Sean Bean, Justin Bartha e Christopher Plummer, é o primeiro filme da franquia que ganhou sua sequencia em 2007. A possibilidade de um terceiro episódio da franquia está em desenvolvimento há uns bons anos, tem quem acredite que ele nunca será lançado.

Um dos pontos mais legais do filme é a maneira que ele envolve toda a história da maçonaria, dos cavaleiros templários e a revolução americana. Mesmo quem não conhece a fundo todos esses pontos, consegue entender perfeitamente, pois tudo é muito bem explicado. Há quem diga que o longa, relembrou a tradição dos filmes de aventura das Disney dos anos 50.

A história é tão grande e vasta, que o diretor revelou a duração do primeiro corte do filme: 4 horas! Alguns espectadores notaram um detalhe bem peculiar, quando os vilões vão usar um ferramenta de busca, eles usam o Yahoo! e quando os mocinhos vão pesquisar algo utilizam da ferramenta do Google, bem interessante né? Aproveite para assistir e quem sabe descobrir mais segredos escondidos.

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Para os espectadores fiéis das novelas de Aguinaldo Silva, ouvir o nome de Serro Azul não é uma novidade, escondida nas montanhas a cidade não passava de uma lenda, até agora. A próxima novela das nove, a cidade deixará de ser apenas a vizinha de Greenville e de Tubiacanga e aparecerá como cenário principal das tramas que o público vai acompanhar. “Essas cidades sempre estiveram no meu imaginário. Fazem parte da memória que tenho da minha infância no interior de Pernambuco. Serro Azul sempre existiu dentro do meu universo geográfico”, conta o autor Aguinaldo Silva.

Durante a nossa visita por Serro Azul, fomos divididos em sete grupos de sete pessoas, cada grupo representava um guardião. São eles: : o prefeito Eurico (Dan Stulbach), o mendigo Feliciano (Leopoldo Pacheco), o médico José Aranha (Paulo Rocha), o delegado Joubert Machado (Milhem Cortaz), a esotérica Milu (Zezé Polessa), a cafetina Ondina (Ana Beatriz Nogueira) e o solitário Egídio (Antônio Calloni), o guardião-mor. Cada grupo teve a chance de conhecer os sete pontos que os guardiões habitam. A gigante a imersão na cidade cenográfica, são tantos detalhes que por vários momentos esquecemos estar dentro de um estúdio. Um dos locais que mais me chamou atenção, foi a igreja. As pinturas são deslumbrantes, as velas derretidas, simplesmente incrível. A terra pelo chão, aquela sujeito de chão de rua mesmo, a vendinha cheia de produtos reais, a loja de linhas (armarinho) com placa de Fotocópias, até mesmo as lixeiras feitas com pedras, cada detalhe enche de realidade nossos olhos.

Já nos seus respectivos locais, cada forasteiro ganhou um caixa, dentro dela tinha uma garrafa d’água, uma carta e um objeto representante de seu guardião. Com esse kit em mãos estávamos preparados para a magia acontecer. Ao final da encantadora viagem a Serro Azul, fomos conhecer o segredo escondido: a fonte com propriedades regenerativas e curativas. A fonte fica dentro de uma gruta cenográfica que possui cerca de mil metros quadrados e totalmente climatizada. Lá estava, o Guardião-mor Egídio, pronto para nós apresentar a fonte. Durante um ritual de batismo fomos convidados a devolver a água das nossas garrafas para a fonte, nos tornando assim um oitavo guardião.

Já com toda essa responsabilidade em mãos, fomos conduzidos novamente para a cidade, onde o elenco, produtores e diretores estavam presentes. Aguinaldo Silva comentou “Acredito que o realismo mágico é uma válvula de escape porque a realidade já está difícil há algum tempo”.

Bruno Gagliasso comentou estar super animado para a estreia e acredita que o público também esteja ansioso. É a primeira vez que ele trabalha com Aguinaldo. “Era um desejo antigo e está sendo incrível” – comentou o ator. Ele interpreta Gabriel, o grande mocinho que é atraído para Serro Azul sem saber muito bem o motivo.

Marina Ruy Barbosa, que interpreta a misteriosa Luz, comentou como em Serro Azul até os problemas são diferentes.” Em Serro Azul, todos vivem numa bolha, num local preservado e sem tecnologia.” José Loreto que vive o Bad Boy, Junior, vai viver um triângulo amoroso com os outros personagens, já que ele sempre foi apaixonado por luz. O ator comentou que tudo fica mais fácil já que os três tem um intimidade.

A novela, que marca a volta de Aguinaldo Silva ao realismo mágico, vai mostrar que alguns lugares guardam grandes histórias e muitos mistérios escondidos. Resta saber até quando cada um é capaz de guardar um segredo. De Aguinaldo Silva, com direção artística de Rogério Gomes, “O Sétimo Guardião” estreia dia 12 de novembro. A direção-geral é de Allan Fiterman e a direção, de Luciana Oliveira, Fabio Strazzer, Davi Lacerda, Guto Arruda Botelho, Pedro Brenelli e Caio Campos.

Fotos: Globo/ João Cotta

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Todo o filme é muito sobre o aqui e agora. Muito dinâmico, seus respiros são mínimos e toda a informação que está em tela prende o espectador desde os minutos iniciais, com uma sequência em que os soldados americanos estão prestes a ser literalmente jogados do avião na frança, durante a operação que leva o nome do longa, Overlord, que alias foi o codinome para a Batalha da Normandia, uma operação aliada que iniciou a invasão bem sucedida da Europa Ocidental ocupada pelos alemães durante a Segunda Guerra Mundial.

Logo no primeiro arco, todos os personagens são apresentados e colocados nos seus lugares, como vilões e mocinhos. Infelizmente o roteiro demora um tempo para chegar na questão central, que poderia ter sido mais bem trabalhada, poderia ter deixando tudo mais enigmático. A resolução desse mistério acaba sendo resolvida muito rápida. Conquanto a tensão é estabelecida e permanece presente durante um grande período. Com muitas cenas de gore, cheias de extrema violência, talvez esse seja o diferencial no meio de tantos filmes de guerra. A maneira como a história é dirigida por  Julius Avery
e montada ajuda muito para tudo não ser mais do mesmo.

Convenhamos que todo o cenário da Segunda Guerra ajuda na ideia de um local caótico e medonho. Muita pobreza, sofrimento e agonia, mexe não somente com o visual do longa mas também com toda a ideia que roda o enredo principal. Os sons de bombas, explosões de minas plantadas em locais desconhecidos, tiros quase que a todo tempo, logo se transforma em rotina e faz este filme de guerra também entrar para a lista daqueles que o som te faz emergir. Não estamos falando de uma imersão como Dunkirk, mas o som também é muito importante, como em todo filme, mas com sons tão bem definidos as sensações são sempre mais elevadas.

Uma simples missão, como destruir uma torre nazista dentro da igreja, acaba virando uma missão bem mais difícil do que se poderia imaginar. Esse fato não acontece nessa produção. Operação Overlord entrega exatamente o que ele promete, um filme de guerra e horror, a verdade misturada com uma leve fantasia do que sempre foi falado. Sem muita variação, o filme é um grande entretenimento aos fãs do gênero.

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Até hoje citada em recordes de vendas a nível mundial. Com quatro músicos tecnicamente talentosos, três cantores maravilhosos e quatro compositores inatos, faltam superlativos que denominam o sucesso e importância do grupo.

Claro que tal importância ganhou seu espaço nas telas do cinema e nas séries. Hollywood enxergando isso fez com que eles produzirem duas trilhas sonoras, Flash Gordon (1980) e Highlander (1986). Além disso suas músicas também invadiram outras produções, abaixo você encontra  cinco momentos históricos das músicas do Queen, no cinema.

“Bohemian Rhapsody”- Quanto Mais Idiota Melhor (1992)
Canção composta por Freddie Mercury em 1975, não possui refrão e foi um grande marco da música na história por conta de sua modernidade e excentricidade para a época.

Baseado em um esquete do programa Saturday Night Live e estrelado pelos comediantes Mike Myers, como Wayne Campbell, e Dana Carvey, como Garth Algar, Quanto Mais Idiota Melhor, traz a história de dois donos de um programa de televisão a cabo chamado “Wayne’s World”. Na época o filme fez o clássico “Bohemian Rhapsody” ressurgir, quase duas décadas depois do seu lançamento a música voltou às paradas de sucesso.

“We Are The Champions” – Alta Fidelidade (2000)
Também composta por Freddie Mercury, lançada em 1977 no álbum “News of the World”. Alta Fidelidade ficou marcada como um clássico baseado no livro High Fidelity, de Nick Hornby.

Quase uma comédia romântica para homens, o longa conta a história de Rob Gordon, que após ser dispensado pela namorada, ele entre em um crise dos trinta. Ele resolve analisar seus cinco relacionamentos mais marcantes, a fim de entender o porque eles não deram certo. A música destoa um pouco da preferência do personagem, mas pelo momento ela é muito bem vindo, uma comemoração histórica, após a noite de amor com a cantora de jazz Marie DeSalle. Quem nunca comemorou algo ao som dessa canção, né?

  “The Show Must Go On”- Moulin Rouge: Amor em Vermelho (2001)

Inspirado em três óperas: “La Bohème” de Giacomo Puccini, “La traviata” de Giuseppe Verdi, e “Orphée aux enfers” de Jacques Offenbach, Moulin Rouge! é um clássico dos musicais, inclusive, foi o primeiro musical em vinte e três anos a ser indicado ao Oscar.

É difícil dentro de um musical uma única música se destacar, mas “The Show Must Go On” consegue sem muito esforços. Single presente no último álbum da banda com a formação original, intitulado “Innuendo”, que na época já dava os créditos de composição para a banda e não mais para cada integrante, mas a canção foi escrita por Brian May. Na música ele narra a dedicação de Freddie para com a música e continuar as gravações. O cantor faleceu um mês depois do lançamento da canção.

 “Somebody To Love”- Uma Garota Encantada (2003)
Como não lembrar de Anne Hathaway interpretando esta maravilhosa canção lançada em 1976. Escrita por Freddie Mercury a canção faz parte do álbum “A Day at the Races” e já foi cantada por muito intérpretes. Na comédia romântica cheia de fantasia, Ella personagem, de Anne Hathaway, ganha da sua fada madrinha um dom: a obediência. O film que tem um toque de Cinderela, se passa após a morte de seu pai, agora cabe à Ella  lidar com a viúva que é uma mulher muito má e suas duas filhas piores ainda. Cansada ela foge pela floresta com seu livro em busca da fada madrinha, durante as aventuras da viagem, ela conhece um belo príncipe. Acompanhada por um trio de gigantes, Ella usa a canção para expressar seus sentimentos ao Príncipe Charmont. Quem nunca fez isso né? A menina encantada não poderia ter escolhido música melhor.

 “Don´t Stop Me Now” – Todo Mundo Quase Morto (2004)

Quando você está caçando um zumbi, a última coisa que deseja é ser parado, certo? Certo! Então nada melhor que “Don’t Stop Me Now” para embalar um caçada ao um zumbi gordinho, com o som vindo de uma Jukebox. Mais uma canção do rei Freddie Mercury, lançada no álbum “Jazz”, de 1978, em um estudo científico britânico, a música foi considerada a mais feliz da história. Na comédia Todo Mundo Quase Morto, Shaun está com a vida bem ruim, sua namorada o largou, seus amigos não o respeitam, mas como tudo pode piorar, a cidade é atacada por zumbis. Então ele resolve fazer algo e enfrentar os mortos-vivos e por mais que isso pareça sinistro, o filme é para ficar com dor na barriga de tanto rir. Uma das cenas mais engraçadas é exatamente a que contém Queen como trilha sonora.

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Fica visível neste fato que a ideia de um super-herói, sem poderes especiais ajudou a criar uma ideia de esperança para uma nação real. A sede de justiça paira cada vez mais sobre a população na ficção, assim como na realidade.

Um importante ponto é que O Doutrinador se trata apenas de uma ficção. Mesmo contendo diversas semelhanças com o nosso Brasil, inclusive o nome de um município citado, o longa  mistura alguns fatos que já aconteceram na realidade. Esse ponto fica visível a partir da linguagem cartunista em vários momentos: leds pela cidade, uma mistura de locais que conhecemos em uma só, cores e até mesmo em um detalhe como o táxi preto.

Em grandes momentos de emoção, ângulos mais fechados são apresentados aumentando ainda mais a agonia. As cenas noturnas são sombrias, com o intuito de dar um de mistério. Como é de se esperar, muitas mortes ocorrem ao longo do enredo, e precisam ser parabenizadas por sua arte. Sem ultrapassar o limite, vemos algumas cenas explícitas produzidas talentosamente.

Perante um longa tão visual, onde a imagem explica tudo, a trilha musical vem complementando a experiência sensorial. Com músicas fortes que possuem letras explícitas e lotadas de críticas, somos abordados a pensar sobre o assunto, até mesmo quando sobem os créditos. O ritmo acelerado da montagem permite o espectador em ser um entusiasta nas cenas de ação.

Embora existam alguns problemas na construção dos personagens, por serem apresentados de maneira corrida. O filme deixa a questão é  levantar questionamentos reais e abre um caminho para um novo segmento tão comum, internacionalmente. Detalhes como uma frase na parede ‘Quem não reage, rasteja.’, não possa desapercebido.

O Doutrinador chega aos cinemas  após as eleições, quando o nosso futuro político já terá tido uma decisão. Chega para lembrar que independe do que aconteça, o povo também precisa lutar e pensar que a corrupção começa como algo menor e mais tratável. Sem julgamentos ao certo e errado, vemos uma produção que vem do DNA para a tela.

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Asa Bopp Farr Butterfield é um ator britânico de apenas 21 anos, que apareceu para o grande público, ao interpretar Bruno no longa O Menino do Pijama Listrado, já emocionando a todos. Uma curiosidade é que para garantir esse papel, o menino participou de dez audições. Antes desse trabalho, o menino já havia feito um pequeno papel em um longa britânico chamado Son of Rambow.

Logo em seguida, o ator apareceu na série britânica da BBC “Merlin” , em três episódios. Em 2010 ele apareceu em dois longas, O Lobisomem e Nanny Mcphee e as Lições Mágicas. No primeiro teve uma pequena participação, já em Nanny Mcphee, o segunda filme da série, o ator teve um papel maior e começou a ter críticas positivas.

No ano seguinte, Asa lançou um dos seus trabalhos mais conhecidos, foi o protagonista de A Invenção de Hugo Cabret, interpretando Hugo. Uma aventura baseada no livro de Brian Selznick, sobre um menino que vive em uma estação de trem em Paris e tenta descobrir um mistério. O papel trouxe um destaque ainda maior para o jovem ator, mostrando uma parte do seu talento. O longa foi indicado a onze categorias no Oscar, vencendo cinco.

Asa é apaixonado por games e tênis. A pouco tempo estrelou um comercial de uma sua marca de tênis favorita Adidas e é jogador profissional de um jogo chamado Destiny.
Ele tem três gatos e suas cores favoritas são azul e verde. Ele tem uma irmã mais nova que nasceu no mesmo dia que ele, 01 de abril.

O ator junto ao seu pai, Butterfield, desenvolveram um aplicativo chamado “Corrida de Cegos” (Racing Blind) . É o único jogo disponível na App Store, que é feito para ser jogado com os olhos fechados.

Depois de dois anos, já com um visual bem diferente, mais velhos, Asa protagonizou a ficção científica Ender’s Game – O Jogo do Exterminador, como o jovem Ender Wiggin. O longa mostrou apresentou uma atuação mais madura do ator, mas ainda sim com as suas características.

Em 2014, o ator fez parte de duas produções que não foram muito divulgadas aqui no Brasil: Ten Thousand Saints e A Brilliant Young Mind , com enredos diferentes que exigiram da sua versatilidade em papéis complexos.

Mais dois anos à frente, em 2016 Asa apareceu estrelando o blockbuster de Tim Burton, O Lar das Crianças Peculiares. Nesse filme o ator aproveitou dos seus 1,83 cm de altura e sua estética menos comum, para construir Jake, um protagonista enigmático que após a morte do seu avô, viaja com seu pai para País de Gales, lá ele descobre uma fenda temporal e depois disso vive várias aventuras. Após esse papel o ator ficou ainda mais conhecido pelo público.

No ano seguinte, 2017, o ator estrelou três longas, mas apenas um deles foi mais divulgado aqui, O Espaço Entre Nós, o filme mais romântico da carreira do ator, que ficou pouco tempo em cartaz, mas logo depois fez sua estreia na Netflix. Neste longa ele vive Gardner Elliot, o primeiro humano nascido em Marte, com ajuda da internet ele conhece Tulsa, por quem se apaixona e faz sua vontade de vir a Terra ficar ainda maior. Os outros dois filmes, foram The House of Tomorrow, um drama independente americano e  A Última Jornada, um longa sobre a primeira guerra mundial que estreou em fevereiro de 2018 na Irlanda. Junto do também britânico Sam Claflin, eles entregam um drama emocionante e cheio de profundidade.

No dia 31 de outubro, Slaughterhouse Rulez estreia no Reino Unido, o novo trabalho de ator. Um filme de terror cômico britânico com Simon Pegg. Além disso, tem a comédia romântica Time Freak, The White Circus e Departures sem data de estreia ainda.
O ator também está participando da nova série original Netflix , “Sex Education”, que ainda está sendo filmada e não tem data de estreia.

Bem, depois desse passeio pela filmografia de Asa Butterfield, tenho certeza que ficou a vontade de todos de assistir cada vez mais seus trabalhos. Um novo e promissor ator que ainda será muito falado e visto em grandes produções.

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O filme é uma autobiografia ficcional sobre como a dupla que em algumas entrevistas  mencionou que muitas coisas são reais, porém, bem aumentadas e outras realmente são ficcionais.

 Ana e Vitória foram as atrizes de sua própria história, trazendo ainda mais veracidade e realidade, principalmente para os fãs. O roteiro é montado através do muitos números musicais, bem estruturados que dão um brilho diferente ao filme, o tornando um musical nas telas sobre amores juvenis, com uma pitada de amizade e companheirismo. Esse é um dos motivos para o filme agradar até quem nunca ouviu falar da dupla, pois não se trata, mais uma vez, de um biografia da vida das meninas e sim de um filme sobre relacionamentos atuais.

Na época de lançamento do filme, o álbum “O Tempo é Agora”, que compõe grande parte da trilha sonora, foi disponibilizado nas plataformas digitais, às 00h do dia da estreia do longa.

Quem já conhece o trabalho da dupla, vai com certeza cantar todas as músicas junto e quem ainda não conhece, assim que o filme acabar vai pegar o celular e baixar tudo.

Ana e Vitória é um agradável filme, ótima pedida para assistir em casal, sozinho, ou até mesmo para conhecer um pouquinho mais sobre as cantoras e esse novo universo de muitos jovens hoje em dia. Um musical sobre relacionamentos, sensível e cheio de amor.

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Dirigido e roteirizado por Vanessa Filho, o longa mostra o olhar infantil quase 100% do tempo, até porque dentro do enredo, em um ponto a mãe some, deixando que a criança se vire sozinha. Em um certo momento, é possível que pensemos ser impossível uma história dessa acontecer, afinal como uma criança pode viver sozinha, como o conselho tutelar não irá intervir ou os adultos ao redor não iram falar nada. Infelizmente não necessitamos ir a França para acreditar, ao nosso lado, no nosso país essa história se repete todos os dias.

Muitas vezes a dualidade de uma mãe que ama a filha e se preocupa, também pode abandonar fica perdida em um superficialidade da personagem. Muitas vezes os detalhes poderiam enriquecer a trama e causar mais impacto em relação à mãe. Julio, um estranho que acaba virando um grande amigo para Ellie, acaba sendo apresentado muito tarde na trama, mas mesmo assim traça um bom arco emocional com a menina. Se apresentado um pouco antes, daria mais dinamismo e traria uma ligação maior do personagem.

Meu Anjo traz bonitas atuações sobre um drama muito real, que pode acontecer na porta ao lado da sua.

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Pauline herda a casa da tia e acaba decidindo indo morar lá com as duas filhas, Beth e Vera. Inicialmente é possível enxergar que grande parte da trama se desenvolve a partir da visão de Beth. Uma menina que sonha em ser escritora de filmes de terror, mas se apresenta frágil e medrosa.  Logo na primeira noite na casa (afastada de tudo), as três são atacadas por misteriosos bandidos, a mãe faz de tudo para proteger as meninas. Dezesseis anos depois, Beth que mora bem longe do lugar, recebe uma chamada desesperada da irmã, que ainda habita a casa com a mãe. Ao voltar, ela se depara com incidentes muito estranhos.

Até aí o prólogo é bem comum, porém a maneira como o mesmo se desenvolve faz com que o espectador se anime e fique surpreso. A primeira parte do roteiro é a  mais intrigante, porém, o filme é como uma montanha russa, o que inclui problemas de ritmo e no roteiro, que o torna um terror bem comum. Poderia ser  um filme mais curto, com uma ideia bem contada, o que vale muito mais do que o velho “encher linguiça” que estraga o resultado final.

Outro ponto que fica meio sem desconexo, é que uma parte do filme é explicável, depois parece virar uma violência gratuita. Simplesmente para ter uma agonia na tela.
As palavras que caem muito bem aqui são bizarro e agoniante. O medo é substituído por esses sentidos, já que as cenas se modificam e começam a passar repulsa. Se você ainda estar ciente dos fatos que aconteceram do set, como por exemplo a jovem atriz Taylor Hickson que teve seu rosto desfigurado após atravessar uma parede de vidro.

O grande problema é que dado o histórico, principalmente do diretor, era de se esperar algo muito diferente, como é apresentado na primeira parte do filme. Não se trata de um terror ruim, apenas mais um terror comum que parece ter se perdido no meio do caminho. Fica aqui o nosso anseio por um novo terror no nível de ‘Mártires’. Por enquanto, ficamos com A Casa do Medo: Incidente em Ghostland mostrando um suspense comum, mas que atrai.

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O longa se baseia na história de Diane, uma mulher livre, sem pré conceito formados, sem papas na língua, quase uma personagem caricata de comédias românticas. O bom é que esta é apenas uma parte de Diane, que se mostra muito madura e corajosa. Logo de cara, ela aceita ser a barriga de aluguel para um casal de amigos que deseja ter um filho. O amor surge na sua vida durante esse período e daí temos o desenvolver da trama.

Assim como a personagem, toda a trama é muito mais profunda do que aparente. Ainda mais se tratando de uma comédia que entrega a história central já bem ‘mastigada’ para o público. É possível enxergar alguns pontos sociais, como a formação de novos casais hoje em dia, até mesmo o empoderamento da mulher e a ruptura da tradicional família, temas tão falados mundialmente, que não fazem sempre refletir.

Um ponto que precisa ser falado desde já, é que em momento algum, Fabien Gorgear descreve os acontecimentos como corretor ou não. Durante toda a história não existe julgamento. A moralidade é do espectador que sairá da sala com a sua ideia e o seu conceito. Essa característica agrega ainda mais inteligência no roteiro e direção.

Composto por cenas simples a fotografia acompanha o mesmo caminho, entregando algo muito natural. Nesse caso, simples é quase como brilhante, os momentos que mostram situações corriqueiras são os mais bonitos, principalmente no romance em casal e no romance entre amigos.

Bem humano, além dos momentos podemos enxergar também as consequências dos atos e mais uma vez, sem julgamentos. Indo fora do clichê, a protagonista não vira um símbolo do feminismo ou qualquer outro tipo de luta, um mundo original é apresentado.

Uma comédia leve, emocionante e honesta. O Poder de Diane  retrata a mulher atual e belamente interpretada por Clotilde Hesme, que quase rouba a cena de uma maneira suave. Muitos espectadores, principalmente as mulheres, depois de assistirem vão se identificar com a história da personagem ou iram ansiar por serem mais parecidas. Essa protagonista doce e forte ao mesmo tempo, vem acompanhada de uma trama divertida e profunda.

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